Jovens Músicos

E começa mais um Encontro de Violoncelos de Porto Alegre!

2011-07-13T21:36:00.003-03:00

O Encontro de Violoncelos de Porto Alegre está na sua 13ª edição e vem tornando-se tradição na capital gaúcha. O evento - que ocorre entre os dias 18 a 22 de julho de 2011 - oferece Concertos, Masterclasses e Curso de Pedagogia do Violoncelo.
12 violoncelistas, entre profissionais e estudantes, executarão a Bachianas Brasileiras Nº 1 de Heitor Villa-lobos e estarão encarregados da abertura do Encontro que acontecerá no dia 18 de julho de 2011 às 21:00 horas no Theatro São Pedro.
Para mais informações acesse: Goethe - Encontro de Cellos

Coord. artística: Profa. Milene Jorge Aliverti (UFRGS)
Realização: Goethe-Institut Porto Alegre, Instituto de Artes da UFRGS e Orquestra de Câmara do Theatro São Pedro
Apoio: OSPA, Casa da Música e Studio Clio

[Lucas Duarte]

VIOLINO: aspectos históricos e organológicos

2011-07-09T13:37:00.007-03:00

Este post tem como objetivo analisar a evolução do violino em um período que compreende as primeiras evidências de instrumentos de arco, até 1599. Inclui, assim, a citação dos instrumentos que deram origem a sua configuração que conhecemos hoje. Além de caracterizá-lo fisicamente e estruturalmente, procurou-se identificar em que âmbito da música ele se infiltrava.

Saint Cecilia by Guido Reni, 1606.

CONSIDERAÇÕES INICIAIS

Antes de fazermos qualquer objeção a respeito da origem e da história do instrumento, devemos, primeiramente, compreender o que vem a ser o violino e qual a sua função na música instrumental. Para isso, faremos uso da terminologia e da análise organológica do instrumento.
O termo “violino”, segundo Gill (1984) foi sempre usado na Itália. A partir de meados do século XVI, sua terminolgia tornou-se estável: “violino” era constante na Itália, “violin”, na Inglaterra, “violon”, na França, e “Violine” ou “Geige”, na Alemanha.
O violino é o membro soprano da família dos instrumentos de arco, segundo Sadie (1995, p. 997). Apesar de sua aparente simplicidade, o modelo atual, tal qual conhecemos hoje, compõe-se de mais de 70 peças diferentes. Seu corpo é constituído por uma caixa de ressonânciacuja parte de cima é denominada tampo e a de baixo, costas ou fundo. No tampo, existem duas aberturas, as denominadas “aberturas em f”: elas estabelecem o contato entre o ar que vibra no interior da caixa de ressonância e o ar exterior. A barra e a alma são dois outros elementos que desempenham um papel fundamental para o fortalecimento da caixa sonora. Possui quatro cordas (que podem ser de tripa, aço ou nylon), afinadas por quintas (HENRIQUE, 2004, p. 81-84).

Uma pequena história do violino

O violino não tem uma origem determinada. Através da revisão da literatura, percebe-se que os autores entram em um consenso a respeito das dificuldades em se atribuir sua origem exata. Segundo Winternitz (1979), “A questão da origem do violino é uma das maiores lacunas na história dos instrumentos musicais”. Além dessa dificuldade em determinar sua origem, “é somente por conjecturas, analogias e inferências que somos capazes de avançar na detecção do instrumento” (SCHLESINGER, 1910). As fontes utilizadas para esse estudo precisam basear-se na literatura e em arquivos escritos, porque a iconografia não basta para compreendermos o som que determinado instrumento produzia, por exemplo.
Segundo Henrique (2004), a história do violino está ligada ao pintor italiano Gaudenzio Ferrari (1480-1546), cujas obras remontam às primeiras representações do instrumento. A mais antiga conhecida ilustração da família completa do violino é de sua autoria (1535), segundo Stowell (2009), e está situada na cúpula de uma igreja, na Itália. Porém a figura mais antiga conhecida de um violino data de 1505-1508, segundo Dominic (1984). A partir dessas iconografias, podemos observar que o modelo mais próximo do violino atual é da primeira metade do século XVI.

Os instrumentos de cordas friccionadas mais importantes da época eram: a viela renascentista, a rebeca ou rabeca e a lira da braccio, segundo Henrique (2004). Nesses instrumentos, encontramos algumas características, tais como: a posição do instrumento, modo de pegar o arco, a afinação, e algumas afinidades estruturais. A combinação desses elementos foi crucial para o desenvolvimento do violino como o conhecemos.

Para Harnoncourt (1993) a viela é o mais importante dos instrumentos da Idade Média. Também conhecida como Fiddle, a viela encontrava-se na Europa em várias formas e famílias, com uma caixa de ressonância normalmente oval e plana, ou em forma de oito. Não possuía trastes, e o número de cordas variava de um até seis, às vezes incluindo cordas laterais. Apresentavam varias formas de afinação dispondo em 4ª, 5ª e 8ª entre si, segundo Kolneder (2003). “Como infelizmente não se conservou sequer um exemplar deste instrumento, não temos como formar uma idéia de sua sonoridade” (p. 16).

A rabeca era um instrumento encontrado em toda a Europa. Em forma de meia pêra, seu corpo era esculpido de uma só peça. Sem trastes, possuía de uma a três cordas, afinadas em quintas, segundo Kolneder (2003).

Uma forma especial da rabeca é a lyra da braccio, outro instrumento percursor do violino. É mais estreitamente relacionadas com o violino medieval, ou vielle. Ela tinha o ombro como posição de apoio, como podemos inferir de seu próprio nome (“da braccio” remete “ao braço”, em italiano). Fisicamente, ela era a mais semelhante ao violino atual, com execção do número de cordas, que era sete, onde duas cordas dessas complementavam a execução de acordes. Essas duas cordas eram afinadas em oitavas, sendo as outras cinco eram afinadas em quintas. Também possuía trastes, como podemos observar nas ilustrações de Michael Praetorius em “Sciagraphia” (Wolfenbüttel, 1620).

O arco do violino

Segundo Stowell (2009), quase seis séculos antes da evolução da família do violino, já se usava o arco. Sadie (1993) afirma que já no século X o arco, com sua função de friccionar cordas, era conhecido por todo o Islã e também no Império Bizantino.
O arco, no violino, serve para por as cordas em vibração. Até 1600, ele era convexo e tinnha uma curvatura contrária a que encontramos nos arcos atuais. Esse fato dava a possibilidade dos instrumentistas tocarem quase simultaneamente em três cordas, fazendo com que as notas soassem como acordes, segundo Henrique (2004). A crina era presa a uma vareta arqueada, que podia ser de madeira ou de bambu.

Os Luthiers

Pintura de Edgar Bundy (1862-1922)

A Itália foi o berço das escolas de fabricantes de violino, no século XVI. É dessas escolas que serão os luthiers mais cérebres e cujos instrumentos de arco serão os mais procurados. As duas principais escolas italians, no século XVI, segundo Henrique (2004), serão a de Cremona e da Brescia. A escola de Cremona, porém, merece destaque: seu precursor foi Andrea Amati, cujo neto, Nicolo Amati, tornaria-se o mais importante luthier da família. Os Amati foram responsáveis pela definição da forma clássica do violino. O mais importante discípulo de Nicolo Amati foi Antonio Stradivari (1644-1737).

O violino e a música até 1599

Para Harnoncourt (1993), antes de 1500, à exceção da música de dança, não se compunha música essencialmente instrumental. Dessa forma, o intérprete que tocava violino (em suas configurações antigas citadas anteriormente) o usava improvisando-o ou executando peças de memória. Segundo Stowell (2009), o violino foi um instrumento acompanhador desde 1600 e era usado no norte da Europa para música executada na corte, geralmente para dança. Henrique (2004) nos chama a atenção para o fato de que, do século XIII ao século XVI, os instrumentos apenas acompanhavam a voz humana, com âmbitos sonoros coincidentes com o que se cantava. Nesse sentido, notamos que as mudanças no estilo musical ocasionavam, consequentemente, adaptações dos instrumentos a essas novas características. Assim, a evolução de um instrumento é determinada pela ação tanto de compositores, como de músicos e construtores, sendo que “A eficácia de um instrumento musical só pode ser medida pelo grau de satisfação que o seu som proporciona ao povo que o utiliza”. (WASCHMANN, 1969). Da mesma forma, o violino, o arco e a técnica de execução estavam adaptados, em cada época, à música que se fazia.

CONSIDERAÇÕES FINAIS

Após o estudo de algumas fontes bibliográficas sobre instrumentos e, mais especificamente sobre o violino, podemos inferir que todos os autores remontam o surgimento de nosso objeto de estudo a um passado obscuro, cheio de contradições a respeito de terminologias e aos instrumentos que o originaram. Desse modo, toda conclusão a respeito desses fatos deve conter a clareza de que é impossível determinar com precisão a origem desse instrumento. Porém, é com certeza que podemos concluir que esse instrumento foi, é, e continuará sendo por muitos anos um dos mais ricos e mais amplamente utilizados na Históra da Música.

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REFERÊNCIAS

GILL, D. The Book of the Violin. Oxford: Phaidon Press Limited, 1984.

HARNONCOURT, N. O Diálogo Musical. Rio de Janeiro: Jorge Zahar Editor, 1993.

HENRIQUE, L. L. Instrumentos Musicais. Lisboa: Fundação Calouste Gulbenkian, 2004.

KOLNEDER, W. The Amadeus Book of the Violin. Cambridge: AMADEUS PRES LLC, 2003.

PRAETORIUS, M. Syntagma Musicum: De Organographia (2° vol.). Wolfenbüttel, 1620.

SADIE, S (Ed.). Dicionário Grove de música. Edição Concisa. Rio de Janeiro: Jorge Zahar Editor, 1994.

SCHLESINGER, K. The Precursors of the Violin Family. London: William Reeves, 1969.

STOWELL, R. The Early Violin and Viola - A Practical Guide. Cambridge: Cambridge University Press, 2009.

STRADIVARIUS VIOLINS. http://www.theviolinsite.com/violin_making/stradivarius.html.

TURNER, B. C. The Compact Violin: A complete guide to the violin and the great composers. São Paulo: Cia Melhoramentos de São Paulo, 1997.

WINTERNITZ, E. Musical Instruments and Their Symbolism in Western Art. New Haven: Yale University Press, 1979.

[Camille Foletto e Estêvan de Oliveira]

Luiz Cosme: para um início de conversa

2011-06-10T21:55:00.023-03:00

Não sei bem ao certo o que me traz a este recinto novamente. Acontece que o tempo que passei e passamos longe desse blog, que já me é tão querido, me fez refletir um tanto sobre o que eu vinha fazendo até aqui e decidir continuar esse trabalho que foi um pobre natimorto, ainda em sua gestação sofreu de dura morte. Mas acreditemos na ressurreição, especialmente na ressurreição de ideias. Contra todos meus trabalhos atrasados e provas vindouras, cá estou, tentando iniciar o pagamento de uma dívida de uns bons meses. Então, vayamos al diablo!

Creio que foi por volta do início do ano passado que eu chegava em casa extremamente realizado e fascinado com a expectativa de escutar aquele precioso CD que eu havia adquirido no Centro Municipal de Cultura. Se tratava de um volume de uma coleção (que, até onde tive conhecimento, não passou de seus primeiros volumes) realizada pela prefeitura (e aqui arrisco dizer que foi a mudança do grupo partidário no poder que provocou a interrupção do projeto) que se propôs a ser um "documentário" da música deste lugarejo tão amado. O presente volume era o primeiro a apresentar a música erudita, clássica ou acadêmica (todavia, como sabe-se, não há termo preciso para designar este mundo, igualmente impreciso quanto às suas fronteiras) dos compositores da nossa cidade. Composto de peças de câmara de Assuero Garritano, Araújo Vianna, Armando Albuquerque, João Schwartz Filho, Murillo Furtado, Radamés Gnattali e Luiz Cosme, o disco causou-me uma impressão arrebatadora, de um modo geral, mas foi especialmente acerca do senhor Cosme que fiquei interessado.

No disco constavam 6 peças do compositor: suas Três Manchas (para piano), de 1931; Mãe d'água canta, do mesmo ano; Oração à Teiniaguá, de 1932; Brincando de Pegar, de 1943, em verdade uma transcrição para violino e piano da Dança do Fogareiro, uma das Três Manchas. Todo modo, apesar de meu encanto com as obras, custei a voltar novamente a elas. O fiz quando um dia, andando como quem nada quer pelos corredores da Biblioteca do Colégio Militar de Porto Alegre, me deparo com um exemplar da partitura para orquestra do "bailado-lenda" para orquestra Salamanca do Jarau, daquele nome que ainda permanecia em minha memória. Foi com uma felicidade sem paralelos que copiei a obra e comecei a ler em casa, à frente do piano, tentando reconstruir na minha cabeça a sonoridade daquela música bastante peculiar, que há tanto tempo permanecia esquecida.

Eis que a temporada de 2011 da Orquestra Sinfônica de Porto Alegre inicia sua programação com esta exata Salamanca do Jarau, o que de fato encheu-me de emoção e expectativa, pela qual tomado gravei dentro das minhas possibilidades a obra e disponibilizei-a aqui para download. O entusiasmo me levou à pesquisa, e cheguei a dois brilhantes trabalhos do grande professor e compositor Fernando Mattos, além de teses de Carlos José Sell, Mauricio Starosta Neto e Alexandre Takahama. Meu intuito, agora, é iniciar uma série de postagens nos quais possamos conhecer melhor esse compositor ouvindo e analisando algumas de suas obras, à luz dos estudos acadêmicos já realizados. Por hoje, vamos a um brevíssimo histórico, baseado no tese de doutorado de Fernando Mattos.

Luiz Cosme, nascido em Porto Alegre, no Bairro Partenon, em 9 de março de 1908, esteve, em sua juventude imensamente envolvido e influenciado pelo movimento do modernismo musical e literário que surgia naquele início de século no Brasil, tendo a casa da Família Cosme sido ponto de encontro da fatia gaúcha do movimento, que incluía Augusto Meyer, Theodomiro Tostes, Armando Albuquerque e Radamés Gnattali. Dos três compositores gaúchos que se destacaram a nível nacional (Armando, Radamés e Cosme, todos alunos de Assuero Garritano), Luiz foi o único a concretizar plenamente uma música que aspira ao universal a partir do regional. Provavelmente influenciado pelas reflexões de Mario de Andrade acerca da noção de modernização tendo como base a tradição local, foi o primeiro a utilizar o folclore do Rio Grande do Sul no seu processo compositivo. O jovem Luiz começou a estudar violino com Oscar Simm e harmonia com Assuero Garritano no que se tornaria o nosso Depto. de Música da UFRGS. Tendo sido agraciado, em 1927, com uma bolsa para estudos no Conservatório de Cincinnati, (Ohio, EUA), estudou violino com Roberto Perutz e composição com Vladmir Bakaleinikov. Após uma breve passagem pela França, retorna a Porto Alegre, em 1930, dedicando-se ao ensino de música e, a partir de 1932, fixou-se no Rio de Janeiro, ainda capital nacional, onde trabalhou como violinista na Orquestra da Rádio Nacional e na Orquestra do Teatro Municipal do Rio de Janeiro. Cosme irá se aproximar também do grupo Música Viva, encabeçado por Koellruetter, tendo algumas obras estreadas por eles. Foi membro fundador da Academia Brasileira de Música e diretor da Discoteca da Academia e do Departamento Artístico da Associação dos Empregados Civis do Brasil. Produziu, ainda, três programas na Rádio MEC, destinados à democratização da música e divulgação da música de câmara, dada a raridade com que esse gênero é prestigiado especialmente no nosso país. Ao mesmo tempo, essa foi a fase mais produtiva de sua vida, e quando alcançou mais êxito e reconhecimento nacional e internacional com suas composições. Sua Salamanca do Jarau foi estreada pela a Orquestra Sinfônica do Teatro Municipal do Rio de Janeiro, sob a regência de Heitor Villa-Lobos, tendo sido bastante bem recebida pela crítica e pelos músicos. Conta-se que Villa teria, inclusive, proposto comprar os direitos autorais da Salamanca. Os últimos anos de Cosme foram de muita dor e sofrimento. A partir do final da década de 1940, uma doença não identificada (de algumas fontes, fala-se de esclerose em placas e outras em ataxia locomotora), que comprometeu seriamente sua mobilidade interrompeu sua atividade como compositor. A partir daí, dedicou-se à produção de numerosos ensaios e livros (8) sobre diversos temas ligados à música. Faleceu em casa. no 17 de julho de 1965.

Sofri bastante a fazer esse pequeno resumo, no qual, por tentar sintetizar, omiti informações essenciais e interessantes. Todavia, pretendo, através de nossos futuros estudos de algumas composições, além da produção escrita teórica de Cosme, igualmente interessantíssima, ir retomando aspectos da sua bela biografia aqui perdidas pelo afã da brevidade. É muito bonito perceber em Cosme, muito mais que um músico e um compositor, uma vida inteiramente dedicada, um verdadeiro pensador do fazer musical, o que fica evidente na sua produção escrita. Sinceramente, meu propósito com esse pequeno trabalho que hoje inicio, é exclusivamente, dentro das minhas possibilidades, chamar a atenção a esse desvalorizado e esquecido músico, de uma bela história e importância subestimada. Peço, pois, às musas do Guaíba (que poético, não?) e do Pampa, compaixão e luz, a fim de cumprir minha missão, afinal, Cosme tem muito a nos dizer!

Um abraço, e deixo-vos com uma das Três Manchas, a Canção do Tio Barnabé pelo pianista Maurício Starosta.

[Gerson Tadeu Astolfi Vivan Filho]

A ballata polifônica de Francesco Landini

2011-06-09T22:36:00.006-03:00

Este post tem como objetivo a análise da obra de Francesco Landini, compositor de música polifônica da Idade Média, levando-se em conta a importância do estudo da “Ars Nova” italiana, expondo características tanto do período da história da música tratado, quanto do compositor e sua obra. Através da exposição de uma das obras do compositor, vamos conhecer as principais formas composicionais do gênero ballata, identificando-o como importante elemento para a compreensão da polifonia na Idade Média.

Francesco Landini e o Trecento italiano

Na Itália do século XIV, a música produzida nesse período (aí conhecido como “Trecento” ou “Ars Nova”) refletia a desordem causada pelas disputas pelo poder das pequenas cidades-estados no qual o território italiano estava constituído. Dessa forma, reparamos, através de obras literárias (como “Decameron”, de Bocácio) que a música, fosse vocal, fosse instrumental, acompanhava quase todas as atividades da vida social italiana. Nesse âmbito, podemos destacar que a polifonia era praticada pelos nobres, fazendo parte de um divertimento que não pertencia à igreja. Seus compositores, sim, eram ligados à igreja. Esses tinham conhecimentos de notação e de contraponto. (GROUT; PALISCA. 1997. p. 142).

Segundo SADIE (1995, p. 429), Francesco Landini (1325-1397), então, foi um dos compositores da segunda geração do Trecento italiano que se destacou, principalmente, pela quantidade de obras musicais que compôs. Sua produção musical representa cerca de um quarto de todo repertório conhecido da música secular da “Ars Nova” italiana (154 composições são atribuídas com certeza a ele, sendo que os manuscritos de sua música encontrados na Itália e, em alguns casos, no sul da Alemanha). Grout e Palisca (1997. p.144-145) dizem que ele foi o músico que mais se destacou na Itália do século XIV, e que não escreveu música para textos sagrados. Além de compositor, Francesco Landini também foi poeta, organista, cantor e fabricante de instrumentos. Apesar do fato de ele ter escrito poesia, “Dificilmente pode-se atribuir-lhe com segurança algum poema em particular” (SADIE, 1994, p. 518). Entre suas composições, destacam-se as ballate, das quais Landini compôs 90 para duas vozes, 42 para três vozes, e oito que existem nas duas versões (SADIE, 1995, p. 429).

A ballata polifônica
Esse é o gênero de música secular italiana no qual Francesco Landini se destacou como compositor. Em geral, esse tipo de música, durante o século XIV, sofreu influência de estilo das baladas francesas, que eram canções que faziam um acompanhamento à dança. A maioria dos manuscritos é para duas ou três vozes e posteriores a 1365. Com isso, SADIE (1994, p. 70) define “ballata” como sendo uma canção de dança e forma poética e musical italiana em uso no final do século XIII até o século XV. Grout e Palisca assemelham a forma da ballata polifônica a do viralai francês. Na verdade, a característica do viralai francês era a forma em que se designava o refrão, que era seguido de uma estrofe (repetida), a qual se seguia de outra estrofe, sendo que essa última estrofe utilizava a mesma melodia do refrão.
Essa tendência de incorporar elementos franceses (na época, contemporâneos) a música italiana, fazia parte do processo de perda da nacionalidade dos próprios italianos, que se deu a partir do final do século XIV. Esse fato influenciou a música secular italiana na medida em que os compositores escreviam canções sobre textos franceses e em formas francesas, e é mais aparente nas ballatas compostas para três vozes (SADIE, 1995, p. 430).
Analisaremos, dentro dessa perspectiva, a forma de uma das ballatas de Francesco Landini, a que foi intitulada de “Non avrà ma’ pietà” (“Ela nunca vai ter piedade”). Ao mesmo tempo, discutiremos o estilo musical desse compositor.

Non avrà ma’ pietà

O que de mais importante se percebe no estilo de Landini é o seu pioneirismo na composição das ballatas polifônicas e o dom para a melodia, que, segundo KURT, Fischer, consegue ser distinta e ao mesmo tempo expressiva. GROUT chega a caracterizar essa obra como constituída de uma “graciosa melodia vocal”. Dessa forma, é interessante que observemos a composição dessa obra, já que Non avrà ma’ pietà é característica das principais formas adotadas por Francesco Landini. A autoria do texto da peça foi atribuída, segundo FISCHER, a Bindo d’Alesso Donati. Sua letra foi escrita, originalmente, em italiano, e é composta por rimas alternadas, sendo que as palavras dos últimos versos rimam entre si. Quanto à significação poética, nota-se a alusão a um sofrimento contínuo de um homem com relação a sua amada, cheia de beleza, que nunca teria piedade dele, além de não compreender sua dor. O eu - lírico mostra-se inconformado, principalmente, nos trechos em que expressa que “Nada dá conforto para uma alma de luto”. Mesmo com todo esse pesar, ao final da última estrofe, há um sinal de esperança na voz do eu - lírico, quando ele demonstra que “talvez por ela fosse extinta, em mim, as chamas que parecem despertar-me, a cada dia, mais dor”. (SCHRADE, 1958, p. 154).
Essa ballata foi escrita em métrica ternária e para três vozes sem acompanhamento de instrumentos. Porém, na gravação da Northon Recorded Anthology Western Music, as vozes do contratenor e do tenor são substituídas por instrumentos. Grout e Palisca (1997, p. 146) dizem que, pelas notas longas, pausas amplas e freqüentes e notação com muitas ligaduras (que impediria a interpretação silábica de um texto) podemos supor que os tenores terão sido concebidos originalmente como instrumentais. Comenta, também, que “devemos ainda ter em mente o provável recurso à duplicação instrumental de uma melodia cantada e também a possível alternância de instrumento e voz”. Quanto a isso, podemos observar que há figurações floridas em algumas partes que podem ser intencionadas a instrumentos e não às vozes.

Nessa balada, a voz “principal” é chamada de superius, sendo a mais aguda. De caráter vocal, é bastante ornamentada. Já o contratenor e o tenor têm melodias aparentemente mais simples, com aparecimento mais freqüente de figuras pontuadas e notas longas. Observa-se em metade das ballatas a três vozes que, contrastando com o modo francês de composição, não há passagem de partes entre tenores e contratenores. Em tais casos, o contratenor tem função de segunda voz. No estilo francês, há passagem das partes entre tenor e contratenor, sendo que, acima deles, a voz superius move-se em um âmbito de intervalos pequenos entre as notas.

Quanto à estrutura da peça (que assemelha-se com a do vilarai francês), podemos destacar três padrões semelhantes entrei si: um refrão de três versos (Ripresa), que é cantado antes e depois da estrofe principal, que é dividida em dois Piedi (que são os dois primeiros versos da estrofe principal e contêm uma frase musical própria), seguida dos três últimos versos (Volta), que usam a mesma música do refrão. Disso, podemos inferir que, o paralelismo melódico nas extremidades da Ripriesa e do Piede deve-se a influências francesas. Em contrapartida, a colocação de melismas em algumas sílabas, como na do início da peça, é característica do estilo italiano. Essa colocação, na verdade, está presente tanto na primeira como na penúltima sílaba de cada verso.

Ao final de cada verso, podemos observar uma espécie de repouso (um recurso rítmico-melódico, que é a cadência. Neste tipo de cadência (que levou o nome de “Landini”, por aparecer durante toda a sua obra) “a linha melódica cai momentaneamente para uma terça antes da nota final” (LEWIS, 2008). Ainda em relação à harmonia de intervalos, não há, nessa ballata, segundas nem sétimas, e poucas quintas e oitavas paralelas. São, porém, abundantes as terças e quintas, como também terças e sextas, mesmo não sendo usadas para iniciar nem terminar um trecho.
Quanto ao ritmo, podemos destacar a presença de movimentos sincopados, principalmente no âmbito da voz do superius. Ritmicamente, “Non avrà ma’ pietà” é composta muito livremente, incorporando ritmos lineares que se alternam harmonicamente, e também faz alusões a passos de dança.
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A partir de audições, de referências históricas, da análise dos fatos, e da observação de manuscritos e partituras, concluímos muito a respeito da forma como a música era tratada na Idade Média, assim como em outros períodos. Foi dessa forma que inferimos dados sobre a cultura musical italiana da época da “Ars Nova”, assim como pudemos compreender a estrutura e padrões adotados pelo compositor Francesco Landini, que foi o músico que mais se destacou na Itália do século XIV, seja na sua arte de compor “ballatas”, deixando um legado de noventa dessas obras para o deleite da elite da época, seja por sua técnica de sobrepor ritmos e produzir recursos harmônicos que acabaram tornando-se elementos-chave na música italiana posterior ao século XIV.

[Camille Foletto]

Ouvindo música conscientemente

2011-05-16T20:29:00.006-03:00

Não sei por que eu me encarnei tanto no Sexteto nº II em Sol maior Op. 36 de Brahms. Quem sabe foi pela formação pouco usual, pela sua sonoridade diferente ou quem sabe pelos elementos visionários tão bem expressos pelo autor. Mas não.
Acontece que eu peguei essa obra após tê-la ouvido em uma aula de Literatura de Cordas onde a professora Hella Frank queria mostrar como a viola era importante. O fato de haver não uma, mas sim duas violas no sexteto, chamou sua atenção e foi o jeito de ela dizer: - "Ouçam como a viola é importante, igual a qualquer outro instrumento." Mas enfim, o que escrevo hoje não vai direcionado a este assunto polêmico. E prometo não fazer nenhuma piada sobre viola e/ou violistas.
O sexteto surgiu e eu o usei como experimento ouvindo-o em alto e bom som num quarto escuro e pelado. Pensei nesse novo jeito de ouvir musica, na aula mesmo e o chamei de "Ouvir Música Conscientemente". A principal razão dessa ideia ter surgido, foi que a de que a aula parecia estar rodeada de um certo tipo de energia que envolvia-nos e aconchegava enquanto ouvíamos exemplos de música de câmara onde a viola tinha um maior grau de importância (Brahms, Dvorak, Tchaikovsky). Se, com todo o barulho existente na sala conseguimos entrar em harmonia com a musica, tirei a conclusão de que se não houver nada que desvie o foco na obra, podemos assim, entendê-la. Mas essa experiência chamou muito a atenção de algumas pessoas que incentivei a fazer o mesmo. Dentre essas pessoas, alguns colegas meus, que também estavam naquela aula, riram e me julgaram louco. E acho que podem até ter razão, porém, acredito que músicos que não tentam entender a musica, não são músicos. E músico que se preze tem que ter um pouco de loucura e espírito jovem dentro de si. (Para deixar claro, a experiência foi totalmente investigativa, e detalhe: feita sem nenhum tipo de alucinógeno).
Na primeira parte, eu fiquei em pé tentando não pensar em nada. Às vezes os pensamentos eram mais lentos, outras vezes eram tão rápidos que não faziam sentido algum. A unica parte da experiência em que eu realmente ouvi a música, foi quando comecei a mexer a cabeça lentamente de um lado para outro. Logo quando me sentei no chão com a cabeça entre as pernas, parecia que tudo fazia sentido e então deixei a musica penetrar nos meus ouvidos. Logo perdi o foco e queria que o sexteto terminasse logo. Mas ouvi até o fim.
A mente humana é quase indomável. Quanto mais buscamos o vazio, mais cheia a cabeça parece estar. Porém, acredito que é pura impressão, e que o experimento é uma prática que apenas beneficia o nosso corpo/mente. Temos que imaginar que a mente é um céu e os pensamentos são nuvens negras que anunciam uma tempestade. Temos que imaginar que somos capazes de deixar esse céu azul.
A prática: "Ouvir Música Consciente", é meio redundante, já que é através da música que buscamos a consciência do todo.
O que é o todo? O todo é a alienação entre tudo o sentimos e tudo o que podemos dizer ao mundo. O todo é arte, é o principio básico de todo artista, é aquela gota de loucura que banha nossas veias.
O todo é tudo, e tudo é parte do todo.

Baixe os dois sextetos de Brahms aqui: BAIXE AQUI!
PS: Link copiado do blog http://pqpbach.opensadorselvagem.org/
PS: Para ouvir musica consciente não é necessário, nem o quarto escuro e nem estar pelado. No entanto eu acredito que ajuda bastante.

[Lucas Duarte da Silva]

Auto-ajuda musical

2011-04-29T23:14:00.003-03:00

Auto-ajuda musicalHoje ironizamos termos modernistas e os usamos em vão. A mente das pessoas se fecha, e ,ao seu fechar, surge o contentamento com a mesmice e a mediocridade. Uma nova concepção deve brotar nas veias de todo jovem artista. Há muita informação no ar, porém muita comodidade e preguiça, principalmente para expressar-se.

Ao fazer parte de uma grande instituição, espera-se não somente um grande desempenho, espera-se uma revolução ideológica. Só assim o conceito de que uma geração está sempre um passo à frente da anterior é validado. E só depois dessa revolução ocorrer com todo o drama de uma guerra, acredito eu, tornamo-nos músicos de verdade pois vivenciamos a música, entendemos e ouvimos a melodia do vazio. A guerra que cito é filosófica. É o ego e o mundo. O mundo, por si só, possui um ego indiferente e intacto: ele é dono de tudo o que somos capazes de sentir e criar. Projeta em nós (humanos) um ego crescente, que pode chegar a ser maior que ele mesmo. Esse ego pode ser comparado à técnica e ao pouco uso do sentimento.

Na universidade, ensinam música do seguinte modo: "Toque o que está escrito, apenas toque." É como dizer: "Viva na mesmice, não discuta!" NÃO!

Como disse antes, a revolução ideológica deve acontecer sim ou sim, mas com toda a humildade de um estudante e, principalmente, total respeito ao professor. Com esse pensamento se chega longe. Pouco a pouco, vou aprendendo a aprender. Hoje eu "penso, logo estudo" e é isso o que todo jovem músico deve buscar. Estudar com inteligência, otimizando o tempo. É importante também debater e sempre divulgar, sem autoridade, sua visão.

Divido as Suites de Bach em duas partes:

- Fase de estudo técnico e perceptivo.

- Fase de interpretação.

Primeiro se "estuda" as Suites, tocando num tempo acessível e quadrado, onde as figuras são tocadas com seus respectivos valores e com a arcada mais próxima da original. Logo, há um processo de desenvolvimento interpretativo, onde a visão do músico sobre a a obra é exposto.

Assim como com as Suites, nós, estudantes de música, podemos dividir nossa carreira em duas partes: a parte de submissão ao mestre e a parte de auto-submissão, onde encontramos (ou não) nossa essência de músico e assim interpretamos obras com características da nossa alma. Como se deus ou uma voz do além estivesse sussurrando ao ouvido, fazendo-nos vibrar com a música.

É isso que todo músico deve buscar.

[Lucas Duarte]

Um relato incompleto, com suspensão

2010-09-10T22:33:00.002-03:00

Músicos posicionados. Público em silêncio. Atmosfera, enfim, límpida, fugaz, recoberta de névoa. Névoa imperceptível para muitos. A poeira, o ar de sutileza que transforma a expectativa em tensão. É disso que é composta a névoa de pensamento contida sobre os dedos daqueles músicos.
Então, escrevo agora porque senti-me na necessidade de contar a visão de uma espectadora (inexistente) sobre o que há nos pensamentos, nos conflitos e naquele mundo dos instrumentistas. Isto talvez seja a visão inusitada sobre algo que eu queria que existisse e que finjo que acontece realmente. A verdade, porém, é simples, está à minha frente nos instantes certos àquelas ocasiões. Faz-me perceber que minha fantasia é o que mais me faz feliz. No fundo, sei que essa visão não existe. Ela passa por aqui no instante em que acabo me encontrando dentro dela, mas ela logo se esvazia, carrega-se de mim e transfigura as ideias e melodias pousando sobre o ombro de quem está ao meu lado. O que resta aqui são os suspiros, metades-lembranças, fragmentos. Mesmo assim, eu gostaria de buscar sua origem, e poder conhecer seus caminhos. Eles me interessam.

Olhos interessados, atentos, latejando descompassados. O primeiro compasso parece absurdo, desorientado. Depois, algo parecido com uma melodia familiar me faz entender o significado daquela mudança de dinâmica. Nunca tinha assistido a um concerto, assim, ao vivo. Só algumas vezes na TV e em alguns canais no Youtube. Não entendo, também, porque aquele maestro continua no centro das atenções no palco. Ele cumprimenta o público, a spalla, dá mais uma olhada para as pessoas ao seu redor, e depois, tranquilamente, sobe numa pequena plataforma. Ele é o único que não tem seu instrumento mas recebe os aplausos e congratulações praticamente pela orquestra inteira. Isso não faz sentido pra mim. E outra: Os músicos não têm suas partituras a sua frente? Nunca vi alguém precisar de batutas para poder executar coisas escritas numa folha de papel. Mas tudo bem.
Uma mosquinha passa pelo arco do violista. Ele pára de tocar, mas não por causa do inseto, mas por causa da música. Outros instrumentistas repetem o movimento. De repente ninguém mais toca. Todos olham com caras de apavorados para o homem-regente, mas acredito que isso seja normal. Quatro segundos e recomeçam os sons graves dos cellos, depois acordes estranhos tocados pelos sopros. Um ritmo incessante me incomoda e percebo que vem da percussão. Depois são os violinos. Canso daqueles sons difusos, que parecem me remeter às boas lembranças que insisto em esquecer. Eles começam a ser agradáveis dentro daquele conjunto de imagens. Por isso resolvo desistir de ouvi-los.
Ok. Eu sei. Não seria nada agradável para você ter de ler uma descrição de um concerto. Eu sei que você cansa só de ouvir falar em música "clássica". Já cai no sono. Já não basta o fato dela ser ruim? Meu texto não cairá na rotina. Provavelmente muitos relatos e informações mais racionais todo mundo encontrará por aí. Pois saiba: Praticamente nenhum músico sai invicto nessa história de preconceitos. Tem aquele que não vai com a cara do percussionista, outro que é apaixonado pela flautista, outro que ama J.S.Bach, outro que nunca vai conseguir entender a série harmônica, e muitos outros que serão muitos outros e que irão compor muitas outras histórias e canções. O fato é que não posso mais mentir: Eu sou uma musicista, e não quero mais que você pense que nós estamos certos.
-
[C. Foletto]

Festival de Vale Vêneto - Parte II

2010-08-14T00:39:00.003-03:00

      Dia 25 de julho de 2010 foi um domingo chuvoso no pequeno Vale Vêneto.
Talvez, quem chegava de muito longe àquele lugar no centro do Rio Grande, e praticamente no coração da 4° colônia de imigração italiana, não estava satisfeito com a umidade relativa do ar. Mas o mais estranho daquele domingo de abertura do XXV Festival Internacional de Inverno e Semana Cultural Italiana era a sensação de calor - calor terreno e calor humano.
      Aos poucos as pessoas iam entrando à matriz Corpus Christi e se acomodando nos velhos bancos de madeira da igreja coloridamente iluminada pelos seus vitrais. Pelas esquinas se ouvia, uma vez ou outra, a seguinte opinião: "Esse tempo tá estranho. Em Santa Maria parecia que ia esfriar, mas aqui... Esse calor e essa umidade...".
      Olhando por outro ângulo, lá na entrada do "Bar do Joca" - o "point da cidade" - as meninas do curso de Licenciatura em Música da UFSM iam chegando com suas malas e travesseiros, direcionando-se para o alojamento. No domingo pela manhã, os últimos quartos conjugados do dormitório feminino são disputados pelo "quem chega primeiro". Depois dessa etapa o que sobra são as grandes salas de aula do Colégio das Irmãs, onde vários beliches encontram-se enfileirados.
Voltando para a Igreja, à essa hora os primeiros músicos da Orquestra já afinam seus instrumentos com o "lá" milimetricamente identificado pelo metrônomo, enquanto técnicos, jornalistas e fotógrafos instalam seus equipamentos para a transmissão daquele evento.
      Logo mais, o ônibus com o Coral de Câmara da UFSM chega ao distrito, juntamente com a maioria dos músicos, que, após um pequeno preparo técnico, dão início aos seus primeiros acordes com Edgar Elgar. Assim como o nome daquela primeira obra, intitulada "Enigma", o dia segue um pouco estático e meio nervoso. Com toda sua ansiedade e expectativa, como todo dia de abertura de Festival de Música: ex-amigos se encontram, conversam sobre seus estudos e sobre os professores que terão durante a semana, enquanto estrangeiros de várias partes do mundo vão se habituando às novas maneiras e aos novos conhecidos.
      Ao final da reunião de boas vindas aos alunos, a professora Ângela Ferrari, professora do Curso de Música da UFSM e também coordenadora da semana, dá seu recado: "Eu tenho certeza que todos vocês levarão Vale Vêneto nos seus corações pro resto de suas vidas!"

*
      Aquela segunda-feira amanhece ensolarada, fato inédito nas últimas edições do festival.
      Quando cheguei ao refeitório para tomar o café, avistei vários bancos vazios - muitos alunos já se direcionavam a suas respectivas salas de aulas. Normalmente as classes de violino se situam no Seminário Palotino. Esse ano não foi diferente.
      Tomei meu café rapidamente e me dirigi àquele edifício de uns seis andares. Olhando de onde eu estava, aquele prédio fazia vir à tona mutas lembranças bonitas. Ali, o lugar e a paisagem mais parecem um cenário europeu onde os dias passam sem nenhuma dificuldade, sem nenhum temor. É como se o tempo gostasse de pousar por ali, trazendo junto sua aurora da época da colonização, e resolvesse não ir mais embora. Então, depois de fazer sua colheita, retorna ao seu lugar de origem. Foi com esse pensamento que me fui subindo por aqueles andares. No primeiro piso já percebi a movimentação dos percussionistas com seus vibrafones e marimbas divertidas. Subindo mais um pouco ouvi o som de um violino no andar acima. Abri o meu estojo e comecei a aquecer meus dedos. Logo mais a sala já estava cheia de violinistas que se preparavam para ser avaliados.
      Música por todos os lados; instrumentos por todos os cantos: na quadra de basquete, nos bancos, nos campos, na capelinha, nos corredores. Isso foi o que encontrou quem passou algum dia por Vale Vêneto durante aqueles sete dias.

      Foi na segunda-feira o primeiro dia de ensaio da Orquestra Sinfônica do festival. O maestro era o nosso já conhecido Roberto Tubaro, que desde 1995 é Diretor Artístico e Musical da "Orquestra de Câmara Garajonay", nas Ilhas Canárias, e do "Centro Canário de Música Iberoamericana". Com seus arranjos de tangos - especialmente os de Piazzolla - e temas de filmes argentinos, todo ano Roberto consegue emocionar o público ao sábado à tarde, no encerramento do festival, com o recital da orquestra. Porém, esse ano o tango brasileiro também teve um espaço durante a semana, com "O Corta Jaca", da nossa Chiquinha Gonzaga. Além das melodias populares da América Latina, "Les Toréadors", da Ópera Carmen, de Bizet, também fez parte do repertório, juntamente com um concerto duplo para violino e contrabaixo, cujos solistas foram os próprios professores do festival.
      Aos sair dos ensaios, todos os dias, eu tinha a sensação de estar bem longe de minha rotina anual. É verdade que eu estava; porém, ao ver o fim da tarde abraçar aqueles morros e cochilhas, produzindo cores tão violetas, tão amistosas e tão convencidas, eu sentia vontade de poder escrever como as coisas aconteciam ali sem que quem não estivesse as vivenciado pudesse compreendê-las. O fato é que já era tarde, e agora eu já enxergava um grupo de violoncelistas se dirigindo ao Recital dos Alunos.
Um ponto interessante que posso ressaltar, é que, ao mesmo tempo em que os músicos viviam seus momentos de glória, à noite, milhares de pessoas de várias cidades da região, e até mesmo de outras partes do Brasil, passavam por Vale Vêneto para desfrutar de uma excelente gastronomia, comida típica italiana e dos espetáculos que aconteciam diariamente. Crianças corriam pelas esquinas, turistas registravam o momento ao lado da escultura do "Nonno e a Nonna" daquela cidadedezinha que resplandecia abaixo da lua e da cruz lá do alto da montanha.
      Depois de umas “graspas” e de jogar truco acompanhados de boa música no bar, alguns alunos se aventuravam e resolviam subir até a cruz. Pela madrugada, uma freirinha que dormia na pousada das irmãs acabou acordando sobressaltada com os gritos e risos dos aventureiros que desciam o morro. Mas, por essas horas, o melhor acompanhante destes viajantes era o próprio frio e o vento minuano, que soprou suave até a chegada do vento norte, retornando juntamente com uma chuva razoável ao fim da semana. O alojamento nesse momento já fechou suas portas. Para muitos, o dilema recomeça.

      Terça-feira, quarta-feira, quinta-feira. Os dias continuam a nascer ensolarados, e uma sensação de calor mais intenso parece se intensificar durante o dia, a partir da quarta-feira.
      Tenho, então, a impressão de que aquele período de tempo teria durado muito mais do que realmente durara. A atmosfera e tudo ali faziam-me sentir cada vez mais livre e pronta para novas ideias e desafios. Tudo parecia tonar-se mais claro e mais simples.

      No Salão de Atos do Seminário Palotino, sentada na primeira fila, aproveito ao máximo as improvisações tocadas pelos meus colegas. Depois, tento concentrar-me inteiramente no Chopin executado pelo aluno de piano. Porém, observo que minha pequena dor que começara na tarde anterior na mão direita aumenta drasticamente, tornando a face oposta à palma totalmente inchada. Sorte minha que a picada do borrachudo que me beijara a mão veio a piorar um dia após meu recital.
      Mais um dia de muita música está por vir. Enquanto isso, no ginásio poliesportivo há milhares de pessoas que se divertem com um show de humor. Ao lado de fora, perto de onde ficam as barraquinhas que vendem doces e artesanato, encontram-se jornalistas que preparam suas câmeras para fazer uma matéria sobre o evento. Durante aquela madrugada, não se houve mais as gaitadas e os fandangos por ali.

      Saio da pousada das Irmãs em direção ao café da manhã. Exceto a segunda-feira, os outros dias (e noites) até agora haviam sido cansativos, fazendo-me eliminar o café da minha lista de prioridades. Ouço alguns comentários sobre a noite anterior, e percebo alguns meninos que chegam do alojamento com cara de cansaço. Concluo, então, que ter ido dormir cedo naquela noite não fora uma má ideia. Sigo apressada à classe de violino e encontro a sala se preparando para os exercícios de escala. Depois da aula coletiva, seguem-se as masters classes. Aproveito, então, o tempo livre e pratico as músicas da orquestra numa salinha que encontrei vaga por aqueles andares.
      Sexta-feira à noite, o sentimento de fim de dever cumprido já começava a impregnar entre os músicos. Alguns já estão com saudades de suas terras, outros já estão pensando no próximo festival. O certo é que, cansados ou não, quase todo mundo foi para o Bar naquela noite.
      Após dar uma volta pelo distrito, ouvi boatos de que faltara comida no jantar italiano da Semana Cultural. Recorde em 25 anos, a quantidade de pessoas famintas começaram a invadir o Barzinho, que agora tocava um Blues muito bem executado pelos professores e alguns alunos da oficina de Composição/Jazz. Confesso que eu nunca havia me divertido tanto numa noite durante o festival. A noite estava tão agradável que, desta vez, eu também subi o morro até a cruz.

      "Não quero levantar agora". Provavelmente não foi somente eu que pensei isso ao escutar o som do despertador no sábado pela manhã. Acordei atrasada e, ao chegar na sala de aula percebi que não era somente eu que havia me atrasado. A sexta-feira tinha sido realmente muito boa e aquele sábado que neblinava forte parecia nos lembrar que era o último dia de festival.
      A tarde vem carregada de uma chuva limpa e sonora que, apesar de abaixar a temperatura, parece convidar quem passava por ali a ir até a Igreja ouvir os últimos acordes que encerraram a semana com um concerto memorável.

*

      "Me dá teu e-mail". "Anota aí o meu msn". Essas eram algumas das frases que se ouvia na noite do dia 31 de agosto, gélida e de frio intenso. Poucos alunos ainda restavam por ali, mas tenho certeza de que o recado da professora Ângela havia sido traçado na vida daqueles músicos. - "Vale Vêneto estará para sempre em seus corações".

[Camille Foletto]

O Festival de Vale Vêneto - Parte I

2010-08-09T14:14:00.002-03:00

Vale Vêneto

O festival de Vale Vêneto acontece sempre na ultima semana de Julho, e conta com grandes professores vindos de todo o mundo. Este ano o professor de violoncelo foi o paraibano Felipe Avellar de Aquino que acompanhou a classe de violoncelo durante toda a semana com suas Masterclass e no final nos prestigiou com seu recital onde tocou música comtemporânea.

“As vezes lagarteando deitado na grama,

As vezes fico até pensando que a vida deveria ser mais insana

Pra cantar mais alto voar mais alto

Subir o morro entrar no mato nu

A lua surgindo amarela até parece o sol

Avisto a pequena cidabela

E agora um mi bemol

Pra cantar mais alto voar mais alto

Subir o morro bem lá no alto no Vale

Não vale ser triste afinal

A vida insiste em ser tão real

Quanto o som!”

Foi isso o que fizemos uma noite em que subimos no Calvário. Não subimos nus não! Apenas compomos essa canção, que virou o hit do Vale. Estávamos todos cansados de tanta música, nem agüentávamos mais assistir tantos concertos. Queríamos curtir um pouco as férias!

Nos últimos dois dias resolvemos não dormir.

- Vamos ver o amanhecer? – Sempre vem um com essas idéias.

- Deixa pra dormir na viajem de volta pra casa!

Dito e feito, os últimos dias foram intensos, marcaram o Vale Vêneto 2010, que deixou muita saudade pra toda aquela turma que estava lá. O melhor desses festivais não são necessariamente as aulas que temos, muitas vezes a qualidade do festival se dá pelos estudantes que participam. Apenas estando rodeado de pessoas legais, jovens como nós, jovens de espírito, já nos faz muito bem. E nesse ano, conheci muita gente legal, e descobri que existem vários violoncelistas nesse Rio Grande.

Reencontrei amigos de festivais passados, conheci amigos de festivais futuros, e também acabei de começar uma nova etapa em minha vida, ainda não sei porque. Passei horas e horas estudando, dormia tarde e acordava cedo. Desde 2008 que eu estudava numa sala, “A salinha secreta” que sempre estava livre pra mim.

No dia 25 de julho, dia da abertura do festival, coincidiu com a data do meu aniversário de 18 anos, assim, viajei sendo maior de idade e acho que de certo modo foi isso que fez meus sentidos se aguçarem fazendo-me entender que estava pisando diretamente na Terra, e que o ar que respirava era puro.

Agora volto à cidade tentando voltar a rotina, estudando bastante. Quem sabe um dia eu possa tomar um vinho e compor uma canção com os amigos em cima do Calvário, não como aluno, e sim como professor.

[Lucas Duarte]

Cultura e Identidade Nacional

2010-03-14T13:39:00.000-03:00

Recentemente, minha professora de história estava comentando sobre a Cultura e Identidade Nacional.

Em 13 de maio de 1888, finalmente, a princesa Isabel assinou a Lei Áurea, abolindo a escravidão.

Porém, em 1808, a transferência da família real para o Rio de Janeiro significou uma ruptura na vida cultural do Brasil. Muitos estudiosos europeus começaram a frequentar as terras brasileiras. Artistas e artesãos franceses desembarcam no país, contratados pelo príncipe regente dom João. O objetivo era dar ares novos ao Rio de Janeiro, introduzindo hábitos europeus na cidade. Esse grupo de franceses integravam a chamada Missão Francesa.

Sob o olhar estrangeiro, o Brasil voltou-se ao Romantismo, inicialmente voltando-se ao habitante original da terra, o índo. Enquanto isso, poetas urbanos colocavam em seus versos o desespero e melancolia da vida. E em sua última fase, o Romantismo brasileiro produziu poetas indignados com a escravidão.

Nesse âmbito, o maior compositor nacional de música erudita desse período, e ao mesmo tempo maior compositor de ópera brasileiro foi, sem dúvida, Carlos Gomes. Aos quinze anos de idade, compõe valsas, quadrilhas e polcas, que eram comuns naquela época. Foi convidado pela Congregação da Academia Imperial de Belas Artes para estudar na Europa.

"Em 1866, Carlos Gomes recebia o diploma de mestre e compositor e os maiores elogios de todos os críticos e professores. Carlos Gomes já gozava de merecido renome na cidade de Milão, grande centro artístico, mas continuava saudoso da pátria e procurava um argumento que o projetasse definitivamente. Certa tarde, em 1867, passeando pela Praça do Duomo, ouviu um garoto apregoando: "Il Guarany! Il Guarany! Storia interessante dei selvaggi del Brasile!" Tratava-se de uma péssima tradução do romance de José de Alencar, mas aquilo interessou de súbito o maestro, que comprou o folheto e procurou logo Scalvini, que também se impressionou pela originalidade da história. E, assim, surgiu O Guarani, que apesar de não ser a sua maior nem a melhor obra, foi aquela que o imortalizou. A noite de estréia da nova ópera foi 19 de março de 1870." [Fonte] É a ópera O Guarani que você escuta quando a Voz do Brasil toca no rádio.

Outro nome de destaque na música brasileira dessa época foi Francisca Edwiges Neves Gonzaga. A nossa famosa Chiquinha Gonzaga a primeira compositora brasileira, primeira pianista de choro, autora da primeira marcha carnavalesca (Ô Abre Alas, 1899) e também a primeira mulher a reger uma orquestra no Brasil. Inicia aos 11 anos sua carreira como compositora. Casa-se cedo, por imposição da família, sendo sua vida cheia de casos amorosos.

"Por volta de 1900 conhece a irreverente artista Nair de Tefé von Hoonholtz, a primeira caricaturista mulher do mundo. Nair de Tefé casa-se com o então presidente da República Hermes da Fonseca, tornando-se primeira-dama do Brasil. Chiquinha passa a frquentar o Palácio de sua amiga, fazendo parte da alta elite carioca. Na época, levar música popular brasileira para o Palácio causava polêmica nas altas camadas da sociedade e entre políticos. Certa vez, em 1914, num recital de lançamento do Corta Jaca, no palácio presidencial, a própria primeira-dama Nair de Tefé acompanhou Chiquinha no violão, e empunhou o instrumento, tocando um maxixe composto pela "maestrinha". O que foi considerado um escândalo para a época. Foram feitos críticas ao governo e retumbantes comentários sobre os "escândalos" no palácio, pela promoção e divulgação de músicas cujas origens estavam nas danças vulgares, segundo a concepção da elite social aristocrática.

Chiquinha viaja pela Europa entre 1902 e 1910, tornando-se conhecida em Portugal, onde escreve músicas para diversos autores." [Fonte]

Carlos Gomes e Chiquinha Gonzaga faziam parte de uma cultura popular efervecente daquela época. O carnaval era o grande caldeirão onde se misturavam as influências culturais que o povo ia processando. No Recife, surgia o frevo, que unia a capoeira, de origem africana, a gêneros musicias como o dobrado e outros ritmos populares. Nos salões, pessoas das elites e das classes médias dançavam ao som de polcas. Além do carnaval, o gênero musical mais popular no Brasil era a modinha. Em 1870, surgiu um gênero musical próprio para dançar e ainda mais popular do que a modinha: o maxixe. O novo ritmo logo tornou-se o preferido das camadas baixas e pobres, enquanto a modinha era mais cultivada entre as famílias das camadas médias e altas da sociedade.
[Fonte - TODA A HISTÓRIA - José Jobson de A. Arruda e Nelson Piletti].

Sem dúvida, esse período da história, além de ter nos deixado importantes obras e grandes músicos, trouxe grande desenvolvimento para a identidade musical brasileira.
-
[Camille Foletto]

Jovens Musicos informa!

2010-03-13T19:56:00.001-03:00

Olá queridos leitores que acompanham nossas postagens, sei que devem estar se perguntando se o blog parou de funcionar ou se desistimos de adiministrá-lo. Mas não, isso nunca :)
Apenas estamos preparando uma série de postagens novas que disponibilizarão alguns links para download, e muita informação. Por isso pedimos a paciência de todos.
O Jovens Musicos continua funcionando e sempre estará!

A equipe Jovens Musicos

Ouvindo o Concerto para Violino e Violoncelo Op. 102 (O duplo de Brahms)

2010-02-22T10:23:00.006-03:00

Sabiam que acusavam Brahms de ser o responsável pelo nascimento da decadente música instrumental, a chamada música absoluta? Pois é, diziam isso em comparação a Wagner e Lizt, com seus dramas líricos e com os poemas sinfônicos que fariam surgir um novo tipo de concepção musical. Porém não sabem que Brahms foi um criador tão revolucionário quanto Wagner, no entanto mais sutil e menos espetacular. A receita para suas composições era totalmente distinta a de Wagner, um jeito de compor que lembra a tradicional musica romântica iniciada por Beethoven, mas que vai muito mais além, e chega ao ponto onde não podemos comparar sua música com nada no mundo.

E o Concerto para violino e violoncelo Op. 102 (O duplo de Brahms), é uma prova de que Brahms não era um conservador e sim um inovador, e esse desejo de inovar o seguiu até o final de sua vida, onde ele opta pela combinação pouco usual do violino e violoncelo como instrumentos solistas. É sua última obra orquestral e uma das mais apaixonantes, onde todo o tempo ocorre um diálogo entre os dois solistas, diálogo que fica claro no segundo movimento onde sentimos que quem sabe o próprio Brahms tem algo a nos dizer.

O mais provável é que a ideia de empregar o violoncelo num papel protagonista como o violino ou piano, foi sugerida pelo Concerto para violoncelo de Schumann, grande amigo de Brahms. Ou até mesmo pelo exemplo mais distante do Concerto triplo para piano, violino e violoncelo de Beethoven. Seria próprio de Brahms ocupar um lugar ao lado de músicos que admirava.

Quando perguntaram a Brahms porque não compunha um concerto para violoncelo, ele respondeu: Dvorak já fez o meu concerto.

E assim mesmo com toda a dúvida e dificuldade de compor para tão inusitada combinação de instrumentos, Brahms sai vitorioso nessa batalha e como observam Júlio e Roberto Andrade “este é seguramente, o concerto em que Brahms resolve os problemas estruturais de forma concisa, elegante e perfeita”
Brahms: Concerto para Violino e Concerto Duplo.

Baixe Aqui o Concerto para violino in D, Op. 77 e o Concerto duplo para violino e violoncelo in A minor, Op.102
Violin Concerto in D, Op.77
1) 1. Allegro non troppo [22:51]

2) 2. Adagio [9:11]

3) 3. Allegro giocoso, ma non troppo vivace - Poco più presto [7:56]

Vadim Repin, violino

Riccardo Chailly

Gewandhausorchester Leipzig

Concerto for Violin and Cello in A minor, Op.102

4) 1. Allegro [16:43]

5) 2. Andante [7:40]

6) 3. Vivace non troppo - Poco meno allegro - Tempo I [8:29]

Vadim Repin, violino

Truls Mörk, violoncelo

Gewandhausorchester Leipzig

Riccardo Chailly

*Link tirado do Blog PQP Bach onde você que ama a música pode encontrar muita coisa legal.

[Lucas Duarte]

Capítulo III - De volta à Argentina

2010-02-14T18:49:00.004-02:00

(Este é o cap.3, da série "Piazzollando - P. B. D.")

Um pouco antes de Astor fazer 16 anos, os Piazzolla resolvem regressar à Argentina. Em Mar del Plata, Vicente, o pai, abriu um bar, chamado "Nova York", no qual Astor tocava frenqüentemente, e uma loja de bicicletas. Não foi nada interesante para o menino e, no começo, mostrava-se bastante insatisfeito. Quase não sabia falar espanhol, e como diria mais tarde, "o hino norte-americano me entusiasmava muito mais que o argentino." Havia deixado nos EUA seus amigos, o jazz, Bach,Wilda e a gangue.

Quando seu pai punha os discos das orquestras de Pedro Maffia (grande bandoneonista), lhe agradava, mas, como declarou em 1987, "na minha cabeça tinha Bach, Schumann e Mozart e muito pouco tango". Segundo ele próprio, a verdadeira revelação veio para ele 14 de março de 1938, quando escutou pela primeira vez, no rádio, o sexteto de Elvino Vardaro. Vardaro, que, mais tarde tocou com Piazzolla na Orquestra de Cordas e no Quinteto e para o qual, a saber de sua morte, Piazzolla escreveu uma bela homenagem, chamada "Vardarito", gravada pelo Noneto, em 1972.

Este sexteto, que muitas outras vezes Piazzolla reconheceu ser seu grupo preferido de tango, simplesmente não deixou gravações. Todavia, até hoje, o violino de Vardaro é lembrado "por seu fraseio perfeito, extraordinária expressividade e seu singular rubato". A partir de então, passou a ouvir freqüentemente os programas de rádio dedicados ao tango.

Passou a admirar os grandes músicos de tango do momento, como Julio De Caro,Ciriaco Ortiz, Pedro Laurenz e Pedro Maffia (os dois último foram homenageados por Piazzolla em 1981 em sua peça para bandoneón solo "Pedro y Pedro", a qual nunca foi gravada pelo autor) e, mais tarde, Aníbal Troilo. Todos estes músicis faziam parte de uma denominada "escuela evolucionista" do tango, que queriam melhorar a qualidade da música. Os discos que deixo hoje são mostras destes mestres do tango anterior a Piazzolla, que influenciaram sua carreira.

Julio De Caro - Sus Mejores Temas - Tango Maestro

01. Derecho Viejo.mp3

02. Mosca Brava.mp3

03. La Plegaria.mp3

04. Guardia Vieja.mp3

05. Recuerdo.mp3

06. Farolito De Mi Barrio.mp3

07. Quejas De Bandoneón.mp3

08. Amurado.mp3

09. Tierra Querida.mp3

10. Mala Junta.mp3

11. Gallo Ciego.mp3

12. Color De Rosa.mp3

13. Maipo.mp3

14. Amarguras.mp3

15. El Monito.mp3

16. La Última Cita.mp3

17. Acordate Gil.mp3

18. Carro Viejo.mp3

19. Adiós Pueblo.mp3

20. Mala Pinta.mp3

21. Mal De Amores.mp3

22. Pobre Cantor.mp3

23. Maliciosa.mp3

24. Candilejas.mp3

25. Boedo.mp3

BAIXE AQUI

Pedro Laurenz - Interpreta a Pedro Laurenz

01. La Revancha.mp3

02. Berretin.mp3

03. Mala Junta.mp3

04. Orgullo Criollo.mp3

05. Como dos Extraños.mp3

06. Mal de Amores.mp3

07. De puro Guapo.mp3

08. Amurado.mp3

09. Milonga de mis Amores.mp3

10. Risa Loca.mp3

11. Enamorado.mp3

12. Esquinero.mp3

BAIXE AQUI

[Gerson Tadeu Astolfi Vivan Filho]

Lembranças de um Festival...

2010-02-12T00:36:00.002-02:00

Eu, de volta.
Sim, resolvi postar hoje. Por achar que eu mesma estava precisando, e talvez algum leitor também.
Sei. Estou sendo informal. É estranho começar um post dessa maneira. Mas não gostaria de começar escrevendo - copiando - algo sobre um compositor. Quero que sirva de verdade para eu também, se é que me entendes...

Pois bem. Vou tentar ser legal. Pelo menos à mim. Vou lhes contar uma história. Sem fim.

Dos dias 16 a 31 de janeiro em Jaraguá do Sul, cidade de Santa Catarina, ocorreu a quinta edição do Festival de Música de Santa Catarina. Muitos músicos, muita música, muitas oportunidades de serem ouvidas. Durante 14 dias.

Ensaios, master classes, concertos, recitais, grande, pequeno público. Não fazia diferença.

Quem estava no Femusc, não tinha como não se envolver de algum modo com a música. E não tem quem participe de um festival de música tão intenso que não vá embora empolgado para seguir em frente. Seguir, cada um para um lado, com suas perspectivas, suas metas, suas escolhas. Sempre no fim acaba sendo da mesma maneira, mas o que faz a diferença são os sonhos, que moldam cada caminho de acordo com o que se tem em mente.

É difícil falar. Mais ainda escrever, sobre o que vivenciamos.

Nunca tive problemas em descrever as coisas...mas sinto que quando se trata de música, a coisa fica mais complicada. E não por esses motivos, os óbvios. Eu sinto que quanto mais eu tento escrever, só vivenciando de verdade é que conseguimos entender aquilo sobre o que escrevemos. E desta vez eu vivenciei. Por isso fica difícil falar.

Depois dessa baboseira toda, queria deixar aqui o meu estímulo para quem está aí, porque sei que não vou conseguir ir muito adiante com essa conversa. Pensemos no que nos faz alegres e empolgados a seguir em frente. Seria bom se cada leitor vivenciasse um Femusc em sua trajetória, para poder refletir sobre as barreiras que enfrentamos na vida. Quais delas são necessárias vencer, e o que almejamos de verdade para a nossa vida?

-
Depois de um tempo de férias - [Camille F.]

Paul Wittgenstein e o Concerto para Mão Esquerda

2010-02-04T12:29:00.002-02:00

Foi com o fim de acalmar os ânimos, que o herdeiro ao trono austro-húngaro Arquiduque Francisco Ferdinando, viajou a Saravejo, capital da Bósnia, em 1914 para anunciar a formação de uma monarquia tríplice (austro-húngaro-eslava), que elevaria teoricamente Bósnia e a Herzegovina ao mesmo nível de importância da Áustria e da Hungria.

Entretanto em 28 de junho de 1914 Francisco Ferdinando e sua esposa foram assassinados por terroristas bósnios num atentado.

Com isso o império Austro-Húngaro exigiu a eliminação de todas as organizações nacionalistas locais, e em 1º de agosto de 1914 o império Austro-Húngaro declarou guerra a Sérvia. Imediatamente Rússia se manifestou a favor da Sérvia, foi nesse momento que o sistema de alianças foi ativado, resultando na entrada de Alemanha, França, Inglaterra e os Estados Unidos.

Foi apartir desse momento que o conflito se generalizou e a Primeira Guerra Mundial se anunciava.

E foi nessa guerra que o pianista norte-americano de origem austríaca Paul Wittgenstein teve seu braço amputado. Em agosto de 1914, menos de um ano depois em que ele fez sua estréia no palco de concertos, Wittgenstein estava conduzindo uma patrulha perto de Zamosc, Polônia, quando a bala de um atirador quebrou seu braço direito. Com 26 anos o oficial austríaco foi feito prisioneiro pelos russos, e em um hospital de campo primitivo, seu braço ferido foi amputado. Acabou sendo enviado como prisioneiro de guerra no campo de Omsk, na Sibéria, onde permaneceu até que o programa de troca provocou a sua libertação antecipada. Assim voltou para casa em Viena no Natal de 1915.

Quando voltou da guerra após ser capturado pelos russos, pediu a compositores famosos como Richard Strauss, Paul Hindemith, Erich Wolfgang Korngold, Franz Schmidt e Benjamin Britten que compusessem para ele. Porém o concerto que ficou mais famoso foi o “Concerto para mão esquerda de Ravel” gravado pelo próprio Wittgenstein.

Quando Ravel, comovido pelo apelo de Wittgenstein começou a escrever o tal concerto, ele estava compondo o concerto para piano em sol maior e estava sobre forte influencia do jazz que ouvira nas noites interminaveis de sua vida boêmia, e não é de se surpreender que o concerto tenha temas e ritmos de jazz querendo surgir a todo instante.

Em 27 de novembro de 1931, um novo concerto do compositor Maurice Ravel foi estreado em Viena. A obra, uma mistura do tradicional e formas musicais do jazz moderno, foi executada pelo pianista Paul Wittgenstein, cujo virtuosismo prendeu o público encantado. Essa obra era o Concerto para mão esquerda.

A seguir "concerto para mão esquerda" Maurice Ravel

Parte -1-

Parte -2-

[Lucas Duarte da Silva]

Bach 'n Swing

2010-02-03T22:06:00.007-02:00

INTRÓITO

Foi com grande surpresa que li a primeira contribuição do novo colega aqui do blog. É que ontem mesmo eu estava pensando em postar algo sobre o Grappelli que me encantou tanto há uns 6 meses. Antes de tudo, seja bem muito vindo, Igor. Começou muito bem adivinhando o que eu queria postar haha.

Bom, me resta agora é falar sobre Grappelli por um outro lado, um pouco mais pessoal. Conheci a música de Stephanne Grappelli por acaso, quando via alguns vídeos do incrível trio Rite of Strings (sobre o qual não faltarão chances de comentar), grupo formado por Al Di Meola, Stanley Clarke e Jean-Luc Ponty. Esse, por sua vez, grande violinista revolucionário do jazz. Por acaso, apareceu nos vídeos relacionados do Iútub, Violin Summit, que consta no álbum homônimo no qual colaboraram Ponty e Grappelli.

Desde então me encantei pela forma como o violinista francês toca. Eu nunca havia visto alguém tocar como ele. É impressionante: Ele parece sorrir a todo instante e realiza coisas complexas e árduas para outros violinistas com uma transquilidade, leveza e alegria espantosas, de como se fosse uma criança brincando com o violino.

O VIOLINO NO JAZZ

O violino desde muito cedo foi usado nas bandas de jazz já em Nova Orleans, onde se declara ter nascido o jazz. Porém, neste meio, o instrumento sempre ocupou um papel secundário, isso porque nunca conseguiu concorrer com a potência dos trombones, trompetes e saxofones. Os dois primeiros violinistas importantes do jazz foram Joe Venutti e Eddie South. Foi, porém, na França que teve mais força o jazz violinístico, com o grande Grappelli o lado de Django.

Em meados dos anos 60, inicia-se no meio jazzistico uma grande onda violinística no jazz, e Grappelli conhece a fama mundial. A partir daí começam a surgir figuras que iriam modificar totalmente, distorcendoa sonoridade até então conhecida do violino através da amplificação. Esses experimentos iniciaram com o norte-americano Stuff Smith, que trouxe ao público um som mais agressivo, chegando a ser metálico.

Quem obteve, porém, mais sucesso, foi o francês Jean-Luc Ponty, que representou mais uma vez a renovação e o genuíno jazz moderno no violino. Ele eletrizou completamente o instrumento. Mais tarde falarei mais sobre Ponty e outros nomes do "jazz-violino" moderno, como Jerry Goodman, Richard Green, Alan Silva e o originalmente trompetista Ornette Coleman.

BACH 'N SWING

Porém, o verdadeiro propósito da postagem era mostrar uma das maiores homenagens já prestadas a Johann Sebastian Bach por músicos de Jazz. Trata-se de uma gravação de Stephanne Grappelli, Eddie South e Django Reinhardt que se chama "Interpretação swingue e improvisação swingue sobre o primeiro movimento do concerto em ré menor para dois violino de Johann Sebastian Bach". Esse famoso concerto já foi tocado por grandes duplas de violinistas como Isaac Stern e Isaac Perlman e é uma consagrada obra do repertório barroco. Boa audição! E até.

1 - Interpretation Swing Du 1er Mouvement Du Concerto En Re Mineur De J.-S. Bach

2 - Improvisation Sur Le 1er Mouvement Du Conderto En Re Mineur De J.-S. Bach

OBS.: Quem se interessou por Grappelli, descubra a magia de seu violino ouvindo a discografia, que pode ser baixada aqui, a qual contém parcerias incríveis com Baden Pawel, Claude Bolling, Gary Burton, Jean-Luc Ponty, Yo Yo Ma, Joe Venutti, Toots Thielemans, Yehudi Muhin, Phil Woods, Django, Martin Taylor, Oscar Peterson e outros.

[Gerson Tadeu Astolfi Vivan Filho]

Stephane Grappelli e a influência do Jazz

2010-02-03T14:39:00.003-02:00

Boa Tarde a todos! Deixe-me fazer a apresentação, prometo ser breve.

Sou Igor de A. Galvão, tenho 16 anos e no momento apenas curso o 2º ano do Ensino Médio. O meu primeiro post será sobre um violinista na qual aprecio cada vez mais: Sthephane Grappelli. Espero que gostem da matéria feita com muito carinho.

O jazz é uma manifestação artístico-musical originária dos Estados Unidos. Desde o começo do seu desenvolvimento, no início do século XX, Ele produziu uma grande variedade de subgêneros, como o Dixieland da década de 1910, o Swing das Big bands das décadas 1930 e 1940, o Bebop de meados da década de 1940, o Jazz latino das décadas de 1950 e 1960, e o Fusion das décadas de 1970 e 1980. Devido à sua divulgação mundial, o Jazz se adaptou a muitos estilos musicais locais, obtendo assim uma grande variedade melódica, harmônica e rítmica. Esse estilo musical se desenvolveu com a mistura de várias tradições musicais, em particular a afro-americana. Esta nova forma de se fazer música incorporava blue notes, chamada e resposta, forma sincopada, polirritmia, improvisação e notas com swing do ragtime. Os instrumentos musicais básicos para o Jazz são aqueles usados em bandas marciais e bandas de dança: metais, palhetas e baterias. No entanto, o Jazz, em suas várias formas, aceita praticamente todo tipo de instrumento.

O primeiro país em que o jazz fincou suas raízes e depois gerou uma influência significativa foi à França, através da guitarra cigana de Django Reinhardt e o violino de Stephane Grappelli. Grappelli nasceu em Paris no dia 26 de janeiro de 1908 e em 1927 começou a carreira tocando em cabarés e filmes mudos.
Após uma jam session bem sucedida com Django, os dois criaram o quinteto do Hot Club of France que durou de 1934 até 1939. Dessa associação surgiu músicas como "Minor Swing" e "Djangology".
Em 1940, Grappelli começou a sua parceria com o pianista inglês cego, George Shearing, mas também se reunia com Django, esporadicamente até a sua morte em 1953.

Mas a sua carreira na América deslanchou em 1969 no Newport Jazz Festival, numa performance que ia do ragtime ao bluegrass, fazendo de Grappelli uma estrela internacional. Seu estilo doce, bem ritmado, com belas linhas líricas, fez dele um músico popular fora do campo jazzístico.
Além das obras preciosas geradas com Django, Grappelli gravou mais de cem álbuns e entre eles se destacam aqueles realizados com Duke Ellington, Benny Carter, Coleman Hawkins, Earl Hines e Martial Solal. Após a guerra ele aparece em centenas de gravações incluindo o pianista Oscar Peterson, o violinista Jean-Luc Ponty, vibrafonista Gary Burton, o cantor pop Paul Simon, o bandolinista David Grisman, o violinista clássico Yehudi Menuhin, o maestro André Previn, e o violinista Mark O'Connor. Também colaborou com o guitarrista britânico Diz Disley, gravando 13 álbuns com seu trio.Grappelli morreu em Paris em primeiro de dezembro de 1997.

[Igor Galvão]

Gavin Bryars - "Jesus Blood Never Failed Me Yet"

2010-01-21T17:36:00.008-02:00

"Como pode estar feliz um homem que nada tem, a não ser a roupa esfarrapada que veste, e uma garrafa de vinho na mão? O compositor britânico Gavin Bryars andava a gravar sons no centro de Londres, em 1971. Ás tantas deu de caras com um sem-abrigo a cantarolar uma quadra popular intitulada “Jesus Blood Never Failed Me”, Nunca me Faltou o Sangue de Cristo. Bryars voltou ao estúdio e quando pôs a gravação a tocar os colegas ficaram profundamente comovidos. Foi então que lhe ocorreu musicar a cantiga do feliz embriagado. No início soa a voz do homem isolada e trémola.

O quadro musical começa a compor-se com a envolvência dum quarteto de cordas. O tema repete-se vezes sem conta, mas cada vez mais denso, até se escutar uma orquestra completa. Gavin Bryars pensou, depois, num modo de explorar o tema por partes, criando nuances emocionais, por exemplo, fazendo sobressair as cordas graves da orquestra.

Mais adiante soa a voz do vagabundo rodeada só de sopros.O ciclo repete-se até entrar o naipe de cordas completo com o chamado glockenspiel, uma espécie de xilofone.

Finalmente, para adensar a interpretação, Gavin Bryars contratou o vocalista Tom Waits, cuja voz se sobrepõe à do vagabundo, sublinhando o imaginário dramático da melodia, com a ajuda dum orgão.A melodia original, ao fim de 1 hora e 1\4, vai-se desvanecendo, como se o homem ébrio, às tantas, se afastasse da cena.

Simples e comovente. Parece ter sido esse o intuito de Gavin Bryars ao reproduzir ciclicamente a cantiga dum ébrio. “Jesus Blood Never Failed Me” é a demonstração de que uma repetição não é necessariamente redundante. Porque o repisar duma ideia pode transformá-la. Ao ponto de lhe conferir uma nova carga emocional. Ao fim e ao cabo, a fórmula certa para gerar o máximo efeito com nuances mínimas."

http://www.terranova.pt/site/paginas.asp?tp=&acr=ra&idpag=554

Eu gostaria muito de escrever aqui sobre esse CD, mas tenho que deixar pra outra hora, porque estou sem muito tempo... Só queria recomendar muito esse grande disco, que é deveras emocionante. Tenham certeza que os 75 minutos que "gastarem" com ele valerão à pena! Só é necessário observar que não se trata de uma abordagem religiosa. E, como disse o texto acima, Gavin trabalha a repetição de uma forma incrível, em que a música vai transformando-se de uma forma sem igual e sublime. É um ótimo disco!

Gavin Bryars - Jesus Blood Never Faild Me Yet

1 - Tramp with Orchestra (String Quartet) 27:09
2 - Tramp with Orchestra (Low Strings) 15:07
3 - Tramp with Orchestra (No Strings) 4:48
4 - Tramp with Orchestra (Full Strings) 6:06
5 - Tramp and Tom Waits with Full Orchestra 19:39
6 - Tom Waits with High Strings 1:48

Baixe aqui

Abraços, felicidades e paz!

[Gerson Tadeu Astolfi Vivan Filho]

Alberto Ginastera: A Revanche

2010-01-17T18:10:00.000-02:00

Indo para a rodoviária, novamente paira sobre sobre o rádio ligado na Rádio da Universidade AM 1080, a dúvida: quem seria o compositor daquela peça sinfônica que ouvíamos, que me parecia uma suite. Lucas me pergunta: "E aí?". Seria essa a minha oportunidade, após o fracasso do dia anterior. Conceitrei-me na peça. De cara reparei na sua sonoridade bem stravinskiana e cheguei a imaginar que Stravinski fosse de fato o autor, hipótese da qual demovi-me, pois percebi que a obra era possuída de uma atmosfera mais propriamente latino-americana. E com a Danza Final, não tive dúvida que vinha de nossa vizinhança:

- Não é aquele argentino?

- Qual?

- O Ginastera!

Sim. Era a suite do balé Estancia, de Alberto Evaristo Ginastera, um portenho nascido em abril de 1916. Confesso que ,naquela viagem, pude dormir feliz, haha. Brincadeiras à parte, veio muito a calhar a pessoa de Ginastera aqui nesse momento. Uma conversa sobre este compositor será interessantíssima, visto que ele será, em breve, uma figura chave na história que estou contando de Astor Piazzolla.

Filho de imigrantes europeus, Ginastera iniciou cedo os estudou pianísticos, recebendo com 19 anos seu primeiro prêmio e em, 1940, estreando seu balé O Panambi. Entre 1945 e 1947, ficou nos EUA, onde teve aulas com Aaron Copland. Quando volta para a Argentina, tomado por uma onda nacionalista, começa a compor de tudo: música sinfonica, concertos, obras para piano e para orgão, óperas, balés, música coral e de câmara.

"Longe das turbulências políticas e econômicas da Argentina, o compositor passou a utilizar cada vez menos a temática folclórica e dedicar-se mais à criação de obras neo-expressionistas, que foram fontes de inspiração de bandas como o Yes, Gênesis, Emerson Lake and Palmer e Pink Floyd. Alberto Ginastera morreu no dia 25 de junho de 1983, curiosamente no mesmo ano em que a Argentina voltava à democracia com a convocação de eleições gerais." (Texto de Eduardo Rincón).

O CD que está abaixo para download, cujo link é do PQP Bach, contém os referidos balés Panambi e Estância. Desfrutem, é boa música que possui elementos marcantes do folclore argentino.

Alberto Ginastera - Panambí; Estancia

1. Panambi, Op. 1: Claro de luna el Parana (Moonlight on the Parana) 4:42

2. Panambi, Op. 1: Fiesta indigena (Native festival) 0:26

3. Panambi, Op. 1: Ronda de la doncellas (Girls’ round dance) 1:23

4. Panambi, Op. 1: Danza de los guerreros (Warriors’ dance) 1:58

5. Panambi, Op. 1: Escena (Scene) 2:42

6. Panambi, Op. 1: Pantomima del amor eterno (Pantomime of eternal love) 3:53

7. Panambi, Op. 1: Canto de Guirahu (Guirahu’s Song) 3:21

8. Panambi, Op. 1: El Hechicero se dirige hacia Guirahu (The sorcerer approaches Guirahu) - Aparecen las deidades del agua (The water sprites appear) ? 0:29

9. Panambi, Op. 1: Juego de las deidades del agua (The water sprites play) 2:09

10. Panambi, Op. 1: Reaparece el Hechicero (The sorcerer reappears) - Los gritos del Hechicero (The Sorcerer’s cries) 0:36

11. Panambi, Op. 1: Inquietud de la tribu (The tribe is uneasy) - Suplica de Panambi (Panambi’s prayer) 4:15

12. Panambi, Op. 1: Invocacion a los espiritus poderosos (Invocation to the spirits of power) 1:19

13. Panambi, Op. 1: Danza del Hechicero (Dance of the Sorcerer) 2:10

14. Panambi, Op. 1: El Hechicero habla (The Sorcerer speaks) 0:34

15. Panambi, Op. 1: Lamento de las doncellas (The girls’ lament) 3:12

16. Panambi, Op. 1: Aparicion de Tupa (Tupa appears) - Los guerreros amenazan al Hechicero (The warriors threaten the Sorcerer) 0:51

17. Panambi, Op. 1: El Amanecer (Dawn) 5:09

18. Estancia, Op. 8: Scene 1: El Amanecer - Introduccion y Escena (Dawn - Introduction and Scena) 2:33

19. Estancia, Op. 8: Pequena Danza (Little dance) 2:07

20. Estancia, Op. 8: Scene 2: La Manana - Danza del trigo (Morning - Wheat Dance) 3:21

21. Estancia, Op. 8: Los trabajadores agricolas (The farm labourers) 2:55

22. Estancia, Op. 8: Los peones de hacienda - Entrada de los caballitos (The cattlemen - Entry of the foals) 2:04

23. Estancia, Op. 8: Los puebleros (The townsfolk) 2:19

24. Estancia, Op. 8: Scene 3: La tarde - Triste pampeano (Afternoon - ‘Triste’ from the Pampas) 3:22

25. Estancia, Op. 8: La doma (Rodeo) 2:04

26. Estancia, Op. 8: Idilio crepuscular (Twilight idyll) 2:51

27. Estancia, Op. 8: Scene 4: La Noche - Nocturno (Night - Nocturne) 4:19

28. Estancia, Op. 8: Scene 5: El Amanecer - Escena (Dawn - Scena) 1:41

29. Estancia, Op. 8: Danza final (Final Dance) (Malambo) 3:32

Luis Gaeta, Narrador, Baixo-barítono

London Symphony Orchestra

Gisèle Ben-Dor

http://rapidshare.com/files/142071703/PQP_Ginastera_Ballets.rar

[Gerson Tadeu Astolfi Vivan Filho]

Franz Schubert

2010-01-15T11:29:00.002-02:00

Uma aposta...

Na volta para casa de Gerson, fizemos uma “Aposta”, por assim dizer. É que durante todo a trajeto vínhamos escutando algo que não parecia nem Mozart, nem Tchaikovsky, nem Bach e muito menos Vivaldi. Gerson então apostou todas as suas fichas em Beethoven, e já eu optei por Schubert.

Eu falei por falar porque na verdade, estava certo de apenas uma coisa: Não era Beethoven. Embora já estivéssemos na garagem, continuamos no carro ouvindo o que seria uma sinfonia, e após escutar algo que identificamos como presto, o locutor falou com sua voz bem grave de rádio AM:

“Vocês acabaram de escutar a sinfonia Nº. 1 em Ré maior de Franz Schubert.”

Logo que escutei aquelas palavras um sorriso apareceu no meu rosto e pude dormir bem naquela noite, sabendo que havia um Gerson um tanto “Inconformado”, na cama de cima.

Mas acontece que aquela sinfonia não nos agradou muito, pelo menos eu já escutei coisa melhor. Logo Gerson me explicou que Schubert tinha feito muitos Lied, ou canções. O mais famoso é o Erlkönig que originalmente é um poema de Goethe, musicado para voz e piano pelo próprio Schubert.

Schubert entrou como cantor na capela imperial, e logo a um internato, onde Saliere o encorajou a compor. Um de seus maiores trabalhos é a Fantasia a quatro mãos e doze movimentos. Mas foi com os Lieder que ele chamou a atenção dos conhecedores da época. Porém Schubert era mais conhecido nos círculos boêmios e nesse meio tempo já havia composto seis sinfonias completas.

Contava sempre com amigos que o admiravam completamente, dentre eles estão: Schober, von Spaun, Lachner, e Michael Vogl amigo tenor que popularizou suas canções.

Schubert contrai Sífilis e durante toda sua vida lutou contra essa doença. Já debilitado e sem nenhuma esperança de viver, exigiu que tocassem para ele o Quarteto Nº. 14 de Beethoven, e no dia 19 de novembro de 1828 ele faleceu, e foi enterrado no cemitério de Währing. Em 1888 foi transladado ao cemitério de Zentralfriedhof, onde repousa até hoje junto a Beethoven, no chamado Panteão dos Artistas.

Ao pesquisar sobre Schubert, me dei conta de Beethoven não seria uma opção tão errônea para aquela aposta. E pensei que quando for visitar Beethoven, darei uma passada para ver Schubert e me lembrar da Sinfonia Nº1. em Ré maior.

Franz Peter Schubert (1797-1828)

Abaixo deixo o Erlkönig, para que disfrutem!

[Lucas Duarte da Silva]

Pequenos Contos Pequenos.

2010-01-09T11:59:00.004-02:00

José

José era uma pessoa muito interessante, um menino meio "estranho". Mas não era de se esperar menos dele, seu pai tinha morrido quando ele ainda era criança, sua mãe deprimida largou o emprego e foi morar em uma cidade afastada do mundo, aonde por fortes influencias, decidiu virar hippie.

Embaixo do mesmo teto vivia José, sua mãe Glória e sua irmã Antonia, que tocava violino na orquestra da pequena cidade. Posso dizer que conheci muito bem José e que gostaria de ter conhecido muito mais sua irmã, que me deixou apaixonado por alguns meses, mas nada aconteceu. Na escola comecei a conversar com José, um rapaz que ao princípio era calado, me falou sobre muitas coisas que eu não conhecia, interessantes ao ponto de eu simplesmente não acreditar e que só me faziam pensar de que ele tinha tirado todas essas idéias de sua louca mãe. Mostrou-me seu ponto de vista sobre a política, a música que tocava no rádio e até mesmo sobre os professores daquela pequena escola onde éramos alunos. Como eu me divertia com aquele guri!

Certo dia ele me contou que ao chegar em casa depois da escola,sentiu um cheiro muito bom de bolo, vindo da cozinha, agarrou um pedaço e foi comer sozinho no banheiro. Contou-me que aquele bolo estava muito bom e que não conseguia parar de comer. E como se não bastasse não conseguia parar de rir... certamente aquele bolo tinha muito mais ingredientes, e não apenas chocolate.

Uma vez também fomos a uma festa que ficava bem longe de nossas casas, fomos pedindo carona saímos ainda de tarde pra chegar ao final da noite. Ao chegar lá José começou a beber e não muito tempo depois já estava bêbado. Uma menina que estudava na nossa mesma escola, porém com muita tendência a ser menino, começou a jogar bebida no José sem mais nem menos, na hora fomos embora tendo que caminhar todo o longo trajeto de volta, como não passava nenhum carro naquela hora da madrugada, dormimos no chão da casa de um amigo.

Uma vez também, estava eu na minha casa fazendo sei lá o quê, quando me perguntam se eu conhecia aquele menino que estava sentado fazia muito tempo na calçada, aquele menino era o José que tinha me dado o prazer de uma visita surpresa. Durante aquele ano que nem me lembro qual era, virei um grande amigo para ele, e posso dizer que o ajudei em seu crescimento como ser humano, e que ele precisava de uma pessoa ao seu lado que o apoiasse de vez em quando, e que dissesse a ele como as coisas são e que ele não era estranho, era o único normal entre todos nós, os estranhos.

Naquele ano meti o José em várias brigas com o Max que embora fosse amigo dele vivia incomodando, fazia isso pra me divertir e pra ver se ele virava homem, até o final daquele ano ele conseguiu acertar dois socos no Max. Hoje sei homem não é aquele que vence uma briga com socos, e sim com palavras.

Dentre as coisas que José me falava, poderia dar destaque à música. Certo dia ele me confessou que queria aprender a tocar viola, e que sempre pegava o violino de sua irmã quando ela saía. Na mesma hora eu o apresentei ao maestro da orquestra que o encarou seriamente. O maestro tinha feito à mesma coisa comigo quando eu entrei, no começo até fiquei com medo, mas depois entendi que era um jeito de ele ver se o interessado tinha personalidade. E o José tinha muita! Ficou encarando o maestro sem piscar.

Logo uma semana depois José já estava com a viola da orquestra em casa, e tocava sem parar, se sentia realizado tocando.

Mas um dia chego à escola, e entrando no portão o professor de história me entrega uma viola e diz:

- Acho que é do José, ele esqueceu no ônibus.

E foi aí que tudo começou.

No outro dia tive a sorte de pegar o mesmo ônibus que Antonia, a irmã de José. E ela me disse muito triste que sua avó tinha morrido no dia anterior. E o que era para ser um momento agradável ao lado da menina que eu gostava, acabou se tornando um momento de tristeza, e como se não bastasse José estava sentado no fundo do mesmo ônibus.

- José é muito emotivo ele não consegue aceitar que nossa avó tenha nos deixado, de ontem pra hoje ele não fala uma palavra, não toca viola e não faz os deveres. E como se não bastasse minha mãe o colocou de castigo por não ter lavado a louça, então ele fica o dia todo trancado no seu mundo (quarto), pensando.

Na hora eu pensei que ele poderia estar comendo um daqueles bolos engraçados de sua mãe, mas não quis falar nada à Antonia.

-Vê se conversa com ele, tu é o único amigo que ele tem...

E então me vi encarregado de ser o irmão que José nunca teve e vice-versa. Não foi nada fácil. Houve momentos de total depressão e outros de louca lucidez. Mas não consegui fazer com que ele continuasse tocando viola e sabem por quê?

Tudo porque o muito esperto José apenas sonhou que deveria ser biólogo. Sim, numa dessas ele não era tão normal assim.

Aquele ano acabou. Mudamos de escola, ficamos distante e nos víamos raramente. Por muito tempo não tive sequer notícia daquela família louca, não pegava o ônibus com Antonia, que agora estava em outra cidade estudando nutrição. Porém me resta uma ultima historia para contar.

Quando achava que nunca mais veria aquele rapaz magrelo, ele aparece na casa de minha vizinha, aonde eu ia quase diariamente jogar vídeo-game. Para nós foi uma surpresa encontrar José agora com cabelo curto chegando com uma mochila enorme de escoteiro. Não pude deixar de perguntar:

-Cara, tu vai fugir de casa?

-Não, só vim te convidar pra subir a montanha.

Na mesma hora larguei o jogo e fui com ele. Primeiro à minha casa pra pegar mantimentos pra subida, que não eram nada mais do que uma garrafa de água e alguns chocolates. E em uma hora e meia, já estávamos vendo todo o vale, desde aquela montanha frente à minha casa.

-Bonito né?- comentei

-É, amanhã to indo morar com a minha irmã, queria ver tudo isso antes de partir.

E assim foi nossa despedida.

Agora só nos falamos apenas por internet, e ele me continua o mesmo, filosofando até por MSN.

A diferença é que agora ele tem o cabelo comprido, está mais alto, tem namorada, e o mais importante, subiu a montanha.

[Lucas Duarte da Silva]

Capítulo II - Infância nos EUA (parte 2)

2009-12-29T04:06:00.005-02:00

(Este é o cap.2 - Parte2, da série "Piazzollando - P. B. D.")

Mas as coisas complicaram para os Piazzolla com a Grande Depressão e, logo, em 1930, Vicente resolveu voltar a Mar Del Plata e abriu um Salão de Cabelereiros. A transição para o jovem de nove anos foi dura. Além de tudo, quase não sabia falar espanhol, e, ainda por cima, era canhoto: as professoras insistiam em obrigá-lo a escrever com a direita.

De volta a Mar Del Plata, Astor teve aulas de bandoneón com Líbero Pauloni e Homero Pauloni, e agora mostrava particular esmero com o aprendizado do insturmento. Porém, esta foi uma pequena passagem pela Argentina, porque, após nove meses, Vicente decidiu regressar a Nova York.

O pequeno Piazzolla começou a levar, em certas ocasiões, o bandoneón para a escola, “para impressionar as gurias” como diria mais tarde. A madre superiora do colégio, certa vez, lhe deu para estudar dois hinos da Itália facista: “Giovanezza” e “Camisa nera”. Em uma das paredes da escola alguém escreveu “Ganha uma estrela quem cospe num judeu”. Em 1983 Astor comentou: “Hoje penso naquilo e sempre me revolve o estômago”.

Mais importante que outras experiências que teve em Nova York (aulas de boxe, competições de natação, patinação, e os problemas com sua nova gang) foi sua relação com Stanley Sommerkovsky, seu amigo mais íntimo na época. Com ele, perambulava pelas ruas, jogava no Central Park, ou, disfarçados de adultos, os dois iam Harlem escutar Cab Calloway e Duke Ellington, o que fez nascer seu amor pelo jazz, que levou até a morte e influenciou fortemente sua música revolucionária anos mais tarde. E o disco de hoje é justamente dessa música que ficou na mente do jovem Piazzolla até o seu amadurecimento:

Duke Ellington - Gold Collection

1. Bubber Miley/Duke Ellington - East St. Louis Toodle-Oo not rated 3:36

2. Barney Bigard/Duke Ellington - Saturday Night Function not rated 3:05

3. Duke Ellington/Harry Carney/Johnny Hodges - Cotton Club Stomp not rated 2:54

4. Duke Ellington - Jungle Nights in Harlem not rated 2:55

5. Barney Bigard/Duke Ellington/Irving Mills - Mood Indigo not rated 3:04

6. Duke Ellington/Irving Mills/Manny Kurtz - In a Sentimental Mood not rated 3:17

7. Duke Ellington/Irving Mills/Juan Tizol - Caravan not rated 2:44

8. Duke Ellington/Harry Carney/Irving Mills - Rockin' in Rhythm not rated 4:09

9. Billy Strayhorn - Take the "A" Train not rated 4:30

10. Bubber Miley/Duke Ellington - Black and Tan Fantasy not rated 4:15

11. Duke Ellington - Creole Love Call not rated 1:08

12. Duke Ellington/Irving Mills - The Mooche not rated 3:48

13. Louie Bellson - Soul Call not rated 2:13

14. Mercer Ellington/Ted Persons - Things Ain't What They Used to Be not rated 2:53

http://www.mediafire.com/?tmdhymjytol

Com Sommers também tentou roubar uma harmônica cromática, mas quando saiam da loja foram pegos pela polícia, mas escaparam saltando em um caminhão que passava na rua. Isso, todo modo, curou-lhes de qualquer ambição delitiva.

Na área musical, Piazzolla começou a apresentar-se com o bandoneón em vários locais. No Roerich Hall foi apresentado como “a maravilha infantil do bandoneón” e recebeu elogios do jornal diária La Prensa por sua “excelente técnica musical”. Ao lado da casa dos Piazzolla morava Béla Wilda, pianista húngaro que havia sido aluno de aluno de rachmaninoff. Ouvindo-o tocar que Astor conheceu Bach e passou a ser uma obsessão ouvir o vizinho: “Me apaixonei por Bach”.

Logo, com uns 14 anos, Piazzolla começou a ter aulas com Wilda, que começou a arranjar obras de piano para o bandoneón. Porém o mais importante foi que o húngaro iniciou Astor na música erudita, que ao menino pareceu tão atraente como o jazz. Mais tarde Piazzolla consideraria Wilda seu primeiro “grande mestre” e disse que apenas com ele que aprendeu realmente a ler música.

O dono do Café Latino da rua Barrow, em Greenwich Village, chegou a organizar recitais de bandoneón para Astor em universidades, onde tocou peças como a Abertura de Guilherme Tell, de Rossini e a Marcha Turca, de Mozart. O interesse pela música passou a ser cada vez mais forte. Em 1930 tinha escreveu uma “ranchera”, que mais tarde classificou como “horrível”, e em 1932 escreveu o tango “Paso a Paso por Broadway”. Ele, porém, não mostrava nenhum entusiasmo particular pelo tango.

GARDEL

Carlos Gardel (1890 – 1935) era, na época o mais famoso cantor Latino-Americano. Chegava, então, aos EUA a fim de convencer a Paramount a gravar mais filmes seus e participar de programas de rádio. Conseguiu: em 1934 e 1935, gravou mais quatro filmes, todos tendo muito sucesso. Eu pessoalmente não simpatizo muito com Gardel, mas sua importância é inegável. O pai de Piazzolla era, como quase todos os argentinos, fanático por Gardel. Como talhava muito bem madeira, fez um presente que mostrava gravado em madeira um gaucho (figura tradicional argentina) tocando violão e mandou Astor levar ao apartamento onde se encontravam Gardel e Alfredo Le Pera, letrsita, e Alberto Castellano, assessor musical.

À entrada do prédio, Astor encontrou Castellano, que tinha perdido a chave do apartamento. Ele pediu ao menino que subisse pela escada de incêndio e entrasse por uma janela no quartp. Ao chegar, Piazzolla foi recebido por Gardel, que apreciou o presente e deu duas fotos autografadas, uma para Vicente. A partir de então, os dois passaram muito tempo juntos: Piazzolla passou a ser uma espécie de intérprete de Gardel para assuntos aleatórios, como compras.

Em pouco tempo, o astro ficou sabendo que Astor tocava bandoneón e lhe agradou os arranjos de obras clássicas, mas quando tocou tangos, Gardel disse "Mirá, pibe, el fueye (bandoneon) lo toca un fenómeno, pero el tango lo tocás como un gallego". Todo modo, o jovem Piazzolla chegou a tocar várias vezes acompanhando o cantor.

No início de 1935, Piazzolla teve um minúsculo papel de vendedor de jornal no terceiro filme americano de Gardel: El dia que me quieras. Até o fim da vida, Astor conservou uma foto da cena em que aparecia junto ao astro. Foi, todo modo, uma cena emblemática. Afinal, quem imaginaria que aquele pequeno menino ao lado do "grande Gardel" seria aquele a revolucionar a música de tango?

No final de março, Gardel iniciou uma turnê pelos países do Caribe, para a qual havia convidado Piazzolla. Vicente, alegando que o garoto tinha apenas quatorze anos, proibiu. Essa seria a viagem em que aconteceria o acidente que matou o cantor argentino. José Corpas Moreno, que ocupou o lugar de Astor na turnê também foi uma vítima fatal no acidente. Mais tarde, Astor escreveria: "se tivesse ido a essa viagem, em vez de tocar bandoneón, estaria tocando harpa."

Trecho de um documentário falando sobre a infância e com um depoimento de Astor sobre o acidente.

[Gerson Tadeu Astolfi Vivan Filho]

Capítulo II - Infância nos EUA (parte 1)

2009-12-27T17:33:00.003-02:00

(Este é o cap.2 - Parte1, da série "Piazzollando - P. B. D.")

O Pai de Astor, Vicente, acreditava que em Nova York pudessem ter uma vida melhor, e, após uma visita à localidade para conferir as perspectivas, instalou-se com sua família, inicialmente, em Port Reading, no estado de Nova Jersey. O pequeno Piazzolla tinha apenas quatro anos recém feitos (a sua primeira carteira de identidade está ao lado).

Após algum tempo na casa dos primos Bertolami, mudaram-se para um apartamento no n. 8 da rua Mark's Place, em cima de um salão de bilhar. A região era extremamente povoada de italianos e judios e a casa dos Piazzolla não ficava muito longe de Little Italy. Quando pequeno, Astor presenciou vários casamentos de judeus, cuja música ficou guardada em sua mente. Não é por acaso que as acentuações 332, característica marcante da música de Piazzolla, são semelhantes aos da música que ele ouvia nos casamentos.

Astor se acostumou rapidamente à vida em Nova York e aos cinco anos ingressou numa escola. Desde sempre teve imenso carinho por seus pais, apesar de o pai impor mais respeito. Não economizava na cinta... isso, pensava, por estar ansioso para ver o filho triunfar. Em anotações, Vicente registrou: "Astor vai chegar longe. Sei que quando se propõe a fazer alguma coisa, a faz e muito bem".

O menino todavia, tinha uma veia agressiva. Em casa se comportava bem, mas na escola e nas ruas ele prório reconhece que era travesso: "Não acredito que tenha sido um bom aluno... Nunca gostei que mandassem em mim. Eu era violento, briguento, mau, na verdade". Teve vários problemas com a polícia, pois pertencia a uma gang que, não pouco frenquente, brigava com as rivais.

O BANDONEÓN

Quando tinha oito anos, Astor ganhou um bandoneón de seu pai. A verdade era que Vicente tocava acordeon e violão bastante bem e era aficcionado pelo tango de Gardel e Julio De Caro. Quando chegava em casa, pelas 20h, a primeira coisa que fazia era escutar um disco, e não raro, emocionava-se às lágrimas. O grande sonho de Vicente era ver o filho transformado em um célebre músico de tango e achou o bandoneón um ótimo começo.

O Bandoneón é um primo-irmão do Acordeon, inventado na Alemnhã, por volta de 1830. Surgiu para substituir o armônio em igrejas de povoados pobres. É, sem dúvida, um dos instrumentos mais difíceis de se tocar, a começar pela estranha digitação em espiral. Quando chegou à Argentina, por meio de imigrantes, foi aos poucos se incluindo nas orquestras de tango, e chegou ao ponto que ao final do século XIX já era essencial à música de tango, com seu triste, lamuriante e imcomparável timbre.

Astor, porém, reservou, em seus primeiros anos de aprendizagem, um lugar secundário ao bandoneón, cujos estudos levou com desleixo. Em primeiro lugar, naquela época, estavam os amigos e sua gang. A família lhe proporcionou também aulas de solfejo, violino e mandolin, mas a verdade é que nessas aulas aprendeu de tudo, mas não muito de música. Piazzolla, mais tarde, falaria de sua relação com Nova York: “Levo Nova York dentro de mim. Graças a ela aprendi a ser duro na vida, a cuidar de mim mesmo.”

[Gerson Tadeu Astolfi Vivan Filho]

Improvisação no Jazz

2009-12-25T21:20:00.003-02:00

Texto de Bill Evans para a primeira edição do legendário Kind of Blue, que fez 50 anos este ano. É um disco-chave e inesquecível, simplesmente encantador por sua simplicidade. É uma obra-prima imperdível que está para baixar em qualquer lugar e até hoje é um dos discos mais vendidos do jazz no mundo. Ouçam!

Existe uma arte visual japonesa na qual o artista é obrigado a ser espontâneo. Com um pincel especial e tinta preta, ele deve pintar sobre um fino pergaminho esticado, de tal maneira que uma pincelada não natural ou interrompida virá a destruir a linha ou romper o pergaminho. Apagar ou fazer modificações é impossível. Tais artistas devem praticar um tipo especial de disciplina, que permite que a idéia se expresse na comunicação com as mãos de modo tão direto que o pensamento não interfira.

Os quadros que resultam não possuem a composição complexa e as texturas da pintura usual, mas diz-se que aqueles que olham bem encontram algo capturado ali que desafia explicações.
Acredito que essa mesma convicção, de que a ação direta constitui a reflexão mais significativa, impulsionou a evolução das disciplinas extremamente severas e únicas do jazzista ou do músico improvisador.
A improvisação em grupo coloca um desafio a mais. À parte o problema técnico de pensar coletivamente de modo coerente, existe a necessidade muito humana, social até, de que a simpatia por parte de todos os integrantes se coadune em prol de um resultado comum. Penso que esse difícil problema é lindamente abordado e solucionado nesta gravação.
Assim como o pintor precisa do referencial da tela, o grupo de improvisação musical precisa de um referencial no tempo. Miles Davis apresenta aqui referenciais que são de suma simplicidade, e contudo encerram tudo aquilo que é necessário para estimular a execução, preservando a referência à concepção inicial.
Miles concebeu esses esquemas apenas algumas horas antes das sessões de gravação, e chegou com esboços que indicavam ao grupo o que deveria ser tocado. Portanto, nestas execuções você irá escutar algo que está próximo da pura espontaneidade. O grupo nunca havia tocado estas peças antes da gravação, e creio que, sem exceção, a primeira interpretação completa de cada uma foi tomada como um "take".
Embora não seja incomum esperar que o músico de jazz improvise sobre material novo numa sessão de gravação, o caráter destas peças coloca um desafio especial.
De maneira breve, o caráter formal dos cinco esquemas é o seguinte:
So What é uma figura simples, baseada em 16 compassos numa escala, 8 em outra e mais 8 na primeira, após de uma introdução de caráter ritmicamente livre com piano e contrabaixo. Freddie Freeloader é uma forma de blues de 12 compassos que ganha uma personalidade nova através de uma efetiva simplicidade melódica e rítmica. Blue in Green é uma forma circular de 10 compassos, que se segue a uma introdução de 4 compassos, e que é tocada pelos solistas com diversos aumentos e dimuinuições dos valores temporais. Flamenco Sketches é uma forma de blues de 12 compassos em 6/8, que gera seu clima através de umas poucas mudanças modais e da concepção melódica livre de Miles Davis. All Blues é uma série de cinco escalas, cada uma podendo ser tocada pelo solista durante o tempo que ele desejar, até que tenha completado a série.

[Gerson Tadeu Astolfi]

Mudança

2009-12-21T18:54:00.001-02:00

Pensando, ultimamente, sobre os assuntos aos quais eu publicaria alguma coisa por aqui, me deparei com a minha “face” como participante deste blog.
Percebi que, para mim, o sentido original de eu estar aqui já não valia mais. Que todos os dias eu visitava o blog, mas não com a mesma alegria e vontade de anteriormente. Já não me importava se não tivessem comentado no último post, ou se o número de acessos talvez tivesse sido pouco. De fato, comecei a ver as coisas por outro ângulo. É. Acho que me desanimei de certa forma. Por mim.
Agora eu começo a entender realmente que as coisas acontecem em ciclos. Desconfio que nossas delegações PRECISAM mudar, algumas opiniões MUDAM de verdade, minhas inquietudes passam, e outras vêm. E uso o verbo “desconfiar” porque sei que para cada um a situação é diferente. E a razão de se fazer algo, também.

Não encontrei mais sentido no fato de escrever sobre o que eu não sei; sobre o que eu ainda não conheço. No início gostei da idéia de aprender o que eu ainda não conhecia, escrevendo. Montando, criando. Penso que, se estou aqui para disponibilizar ao leitor o que todo mundo acha por aí, não vale a pena. O que é legal é montar as coisas criando novos ângulos, formando opiniões diferentes do que já vimos.
Portanto, estarei aqui, a partir de agora, quando me for conveniente. Para o meu bem, e, principalmente, ao do leitor.
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[C. Foletto]

O Tango Brasileiro

2009-12-15T10:27:00.001-02:00

Parece estranho ouvir falar de tango brasileiro, pois tango é um gênero musical muito popular nos países platinos, e poucos sabem que o tango também nasceu aqui no Brasil. As principais influências do tango são de origem européia, como as Mazurcas, polcas e valsas, da contradança, do tango andaluz. E influências africanas como o candomblé.

O tango brasileiro é apontado pelos estudiosos como uma derivação do maxixe e entrou definitivamente para música popular brasileira representado pelas composições de Ernesto Nazareth. O primeiro tango brasileiro escrito teria sido "Olhos Matadores" de Henrique Alves de Mesquita. Musicalmente na raíz do tango brasileiro encontra-se elementos da "Habanera" .

Na década de 1880 Chiquinha Gonzaga inicia uma numerosa produção de tangos, como o famoso "O gaúcho". O tango e o choro são dois gêneros musicais que se aproximaram muito apartir do começo do século XIX.

Ernesto Nazareth (Rio de Janeiro, 1863-1934)

Compositor e pianista; ocupa lugar de destaque na história da música brasileira, considerado o grande fixador do Tango Brasileiro. Contribuiu imensamente para a constituição da identidade musical e cultural carioca. sua música conquistou pianeiros, conjuntos de choros e bandas de música, passando depois a ser aclamado por grandes compositores dentre eles Villa-lobos.

Nazareth que aos 10 anos de idade sofreu uma violenta concussão na cabeça ao cair de uma arvore chegou à quase completa surdez. Aos 14 anos compôs sua primeira música "Você nem sabe", seu primeiro concerto foi aos 17 anos e apartir desse momento ele não parou mais de tocar e compor musicas que o consagraria como o o rei do tango brasileiro.

[Lucas Duarte da Silva]

2009-12-10T12:36:00.000-02:00

Quantas palavras perdidas, quantos acordes desviados, quantas notas evitadas!
Por um momento ele pensava naquilo que antigamente sabia fazer e achava não saber mais da mesma forma e tonalidade. Pensava na maneira como fazia, no que ele agia, naquilo em que ouvia, no que não via e talvez... não...existisse mais por perto. Parecia que piorava, porque ele reparava que as melodias iam se enaltecendo, se alterando, tonalizando. Parecia? Não! Isso realmente acontecia. Acontece. Contudo, ele ganhava medo; medo por aquilo não ter dado resultado no que fazia hoje.
Quando me vem esse pensamento, por outro lado uma conclusão me desvia e consigo então realmente crer que ele estava no caminho certo. Aquilo era certo, de verdade. Assim como a freqüência do som mudava ao trocar a nota, o modo como a via era um reflexo daquilo que ele e ela já tinham sido. Juntos, em harmonia. Somados à força com que compunham a vida, seus acordes os levavam ao mais perfeito término de uma sinfonia. Esta, porém, inacabada. Talvez por um instante; quem sabe... por toda uma eternidade.
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[Camille Foletto]

Capítulo I - Em Mar Del Plata

2009-12-07T16:13:00.002-02:00

(Este é o cap.1 da série "Piazzollando - P. B. D.")

"Oh mar, enorme mar, corazón fiero

De ritmo desigual, corazón malo,

Yo soy más blanda que ese pobre palo

Que se pudre en tus ondas prisionero.

[...]

Mar, dame, dame el inefable empeño

De tornarme soberbia, inalcanzable.

Dame tu sal, tu yodo, tu fiereza.

Aire de mar!... ¡Oh, tempestad!

¡Oh enojo!

Desdichada de mí, soy un abrojo,

Y muero, mar, sucumbo en mi pobreza.

Y el alma mía es como el mar, es eso,

Ah, la ciudad la pudre y la equivoca;

Pequeña vida que dolor provoca,

Que pueda libertarme de su peso!"

Fragmentos de Frente al Mar, Poema de Alfonsina Stormi

Alfonsina Stormi, escritora de pais argentinos, nascida na suíça, descobre-se portadora de câncer de mama em 1935. Em 1938, suicida-se caminhando para o mar em Mar del Plata, o que foi poeticamente registrado na canção Alfonsina y el Mar de Ariel Ramírez e Félix Luna.
[Recomendo ler o texto a seguir escutando Alfonsina y el Mar, inspirada interpretação de Paquito Rivera e m seu Chamber Jazz Trio, que pode ser ouvida abaixo.]

Conhecida como "Ciudad Feliz", Mar del Plata foi declarada formalmente como cidade em 1874, mas a sua verdadeira história começou dez anos depois, com a chegada da ferrovia. "Suas belas praias cameçaram a atrair uma a partir de então uma crescente população veranista, e os melhores arquitetos argentinos recorreram a uma encatadora mescla de estilos, em sua maioria europeus, e a transformaram no balneário mais elegante e atrativo do hemisfério sul". Na alta temporada, o verão, a população local de 700 mil habitantes ultrapassa a marca de 1 milhão, e fica perto de dobrar. Seu desenvolvimento no século XX foi tão grandem que sediou os Jogos Pan-Americanos em 1955.

Mar del Plata começa a florescer em novembro, com o Festival Internacional de Cine, realizado desde 1950. Em dezembro, os termômetros vão subindo e as praias vão lotando aos poucos, até atingir seu auge em janeiro, época de shows, esportes aquáticos, muita festa, sol e água fresca. Em fevereiro, no dia 10, a cidade festeja seu aniversário de fundação.

É nesse ambiente, numa corriqueira madrugada de sábado, que nasceu Astor Pantaleón Piazzolla, numa casa da rua Rivadavia, em 11 de março de 1921. Era filho único de Vicente Piazzolla e Asunta Manetti. Os Piazzolla eram originários de Trani, em Puglia, uma região muito pobre do sul da Itália. O avô paterno de Astor, Pantaleo Piazzolla, era marinheiro, que emigrou para a Argentina, como milhares de outros italianos que vieram para diversas regiões da América do Sul no final do século XIX. A Argentina chamava a atenção entre os países sul-americanos pela espantosa prosperidade e conseqüente importância que vinha ganhando no mundo.

Pantaleo trocou seu nome para Pantaleón e se instalou com sua esposa em Mar del Plata. Seu filho mais novo, Vicente, nasceu em 1893. Em 1921, Vicente abriria uma loja de bicicletas, mas o que realmente amava eram as motocicletas, que comprava e vendia. Vendeu uma delas para Astor Bolognini, que tinha uma brilhante carreira como violinista na América do Norte. A amizade que teve Vicente com o cliente o levou a por o nome Astor em seu filho, que realmente nunca apreciou o nome. Mais tarde, Piazzolla disse que soava mais como apelido que como nome.

Asunta Manetti vinha de uma família com situação econômica um pouco melhor que a dos Piazzolla. O pai de Asunta, Luis Manetti chegou a ter êxito como proprietário de uma fazenda importante. Vicente e Asunta se casaram em 11 de outrubro de 1918. Foi um casamento feliz, bem visto pela família. A irmã de Asunta, Agentina, dizia que "os Piazzolla eram muito inteligentes, gente muito boa...".

Astor herdou de seu pai o temperamento e de su mãe o a estatura. Adulto, Piazzolla tinha 1,70 m. Asunta recordava que o filho era "bueno como un pedazo de pan y nunca llorava, pero dormía poco" . Os primeiros anos de Astor foram complicados: possuía um defeito na perna direita - era dois centímetros mais curta que a outra - , que o submeteu a reiteradas sirurgias. Adquiriu, por esse motivo, uma grande aversão a hospitais até o fim da vida. Piazzolla diz que seu pai, Vicente, "botou na cabeça que eu tinha que ser grande.. ele propôs que eu fizesse tudo o que me proibiam [...] Seme proibiam de nadar, ele me mandava nadar. Se me proibiam correr, ele me mndava correr". Apesar dos "esforços" de Vicente, Piazzolla não tornou-se uma "homem grande", mas sem dúvida podemos dizer que seu objetivo foi de outra forma atingido, pois seu filho, sem dúvida, chegou a ser um grande homem.

[Gerson Tadeu Astolfi Vivan Filho]

Fonte principal: Astor Piazzolla: su vida y su obra, Azzi/Collier.

"O Solista"

2009-12-06T19:19:00.002-02:00

E aí pessoal! Achei um blog com muitos filmes bons para baixar gratuitamente!
Obviamente tem bastante porcaria de hollywood, mas se fizermos uma busca minuciosa podemos encontrar coisas mais interessantes do que as que estavamos buscando.
Eu apenas coloquei a palavra "Violoncelo" escrita e apareceu um filme que eu tinha visto o trailer mas não me lembrava o nome, e por isso não consegui encontrá-lo nas locadoras (ou loucas-douras).
O filme se chama "O Solista" (The Soloist).

É um drama baseado em fatos reais sobre o redentor poder da música, na história o jornalista Steve Lopez (Robert Downey Jr.) Descobre por acaso a existência de Nathaniel Anthony Ayers (Jamie Fox), um ex-estudante da universidade Julliard e prodígio em música clássica, que agora se vê na condição de sem-teto e passa os dias tocando violino e violoncelo nas ruas de Los Angeles. Um talento nato, seu sonho é um dia tocar no Walt Disney Music Hall. Enquanto o jornalista Lopez faz de tudo para ajudar o jovem musico a reencontrar o caminho; nasce entre eles uma amizade que transformará completamente suas vidas.

Toda essa informação foi tirada do blog http://www.filmescomlegenda.blogspot.com/
E você pode baixar esse filme gratuitamente Aqui.
Caso tenha dúvidas, pelo menos olhe o Trailer e veja se lhe interessa.... :)
[Lucas Duarte da Silva]

11:23

2009-12-05T10:39:00.001-02:00

"Reclamou que tinha pouco tempo,
quando finalmente conseguiu, não sabia o que fazer com ele.
Não sabia se o usava para o bem ou para o mal,
para o céu ou para o sol.
Quando teve tempo, pensou em mil e uma coisas para fazer,
mas não saia do lugar, pois estava muito ocupado pensando.
Outro dia reclamou de que não sabia o que fazer com o tempo,
já não sabia no que acreditar, nada sabia.
Deitou, ligou o rádio ou a televisão,
escutou coisas que não faziam sentido e que nunca fizeram.
Reclamou sem saber... agora nem eu sei."

É meio complicado quando não sabemos o que queremos e nem onde queremos chegar. Quando falo de onde queremos chegar, não falo apenas dos projetos de longo prazo, falo de tudo. Se juntarmos todas as coisas pequenas, elas se tornam uma coisa gigantesca. Se eu não sei o que fazer com as coisas pequenas e muito menos com as grandes coisas... e agora?

Acho que todos aprendem um pouco, todos têm o direito de errar, pecar e desencantar. Tudo acontece, mesmo que a gente não queira que aconteça. Temos que saber o que os outros tem na manga, e não estarmos satisfeitos com apenas o nosso jogo, temos que pensar que nessa vida, infelizmente, há muita competição. Parece papo de algum vendedor que tentavender um curso profissionalizante, mas se você usar só um pouco do tempo para pensar nisso que escrevi, verá que é verdade.

Em todo caso nem sei porque escrevi isso ou a tentativa de alguma coisa lá em cima. Mas o blog é justamente pra isso, ele tenta passar conforto, contentamento e expressão, tanto ao leitor como ao escritor. Não que eu me considere um escritor claro.

Quem sabe foi por alguma razão mais além da razão, algo mais irracional. Agora que li o que escrevi, me dou conta de que muitas coisas "batem" e se entrelaçam no que realmente acontece, na minha vida como na sua. Pense comigo:

- As grandes ideias fazem com que as coisas simples porém extremamente úteis surjam.

- As pequenas coisas úteis que surgiram com o desenvolvimento das grandes ideias, mudam indiferentemente e diretamente os nossos dias.

- E essas mudanças fazem com que nossas vidas aconteçam. E que cada vida seja importante, necessária e diferente para cada um de nós.

Se você entendeu o meu raciocínio, é porque você entendeu uma parte de mim, que não sabe o que fazer com o tempo livre mas sabe que pode tirar bom proveito dele e fazer coisas boas para todos. Se você não entendeu, deve ser porque eu fiquei de recuperação em filosofia, ou porque você ficou.

A música se trata disso. Hoje tocamos um instrumento se saber a sua história, sem saber de onde ele veio, quem são seus ancestrais? E eu sei lá. Só acho que até uns vinte anos atrás, na geração passada, havia muito mais interesse pelas coisas. Eu mesmo, quando não tinha internet, ficava lendo os livros que me interessavam, seja de música ou de qualquer outra coisa. Hoje a gente se tornou um viciado em tecnologia, não podemos ficar um minuto sem que algo esteja ligado e fazendo ruído. Tem gente que não dá a mínima pois nasceu nesse meio. Nasceu com a fumaça de cigarro nos olhos e o barulho infernal das motos apostando corrida nas ruas. Sim, eu estou estressado, assim não dá nem vontade de tocar, nem vontade de escutar o que meu violoncelo quer dizer, não dá.

São muitas coisas que influem na questão de ser um grande músico ou não. Obviamente todos tem esse poder, mas nem todos conseguem passar pelos desafios que a vida nos determina diariamente.

Pra finalizar pessoal, sei que tudo que escrevi pode não ter sentido, mas não sabem o bem que me faz escrever isso. O tempo que tive livre hoje foi gasto aqui, e não em qualquer outra bobagem. Se eu escrevo essas coisas, é geralmente porque devo melhorar ou que devo me desfazer, só assim posso chegar a ser um músico melhor ou simplesmente uma pessoa melhor.

[Lucas Duarte da Silva]

Jovens Músicos, novamente!

2009-11-21T12:24:00.002-02:00

O blog está meio parado. Começou com uma idéia que fazia os nossos olhos brilharem, em menos de um mês já conseguimos mil visitas. E assim foi indo, andando lentamente, fomos descobrindo coisas, como melhora-lo, que tipo de informação era útil, e como deveríamos escrever. Daí entrou o mês de outubro, todos se preocupando com suas próprias coisas, escola, instrumento, vida. E com isso acabou faltando tempo para esse nosso projeto que todo mundo que lê gosta.

Obviamente o pessoal que nos lê é na maioria amigos, pois é muito difícil uma pessoa entrar por acidente e ler um post que seja. Mas nossos amigos fazem sua parte divulgando para seus amigos que divulgam para outras pessoas e assim por diante, até tornar-se um círculo infinito.

Por isso eu resolvi colocar minhas idéias novamente em pratica e abrir meu coração se for necessário para escrever cada palavra de cada post e blábláblá.

A Música.

Acho que nunca publiquei como a música surgiu na minha vida, ou como minha vida surgiu na música, não sei ao certo porque tanto vida como música são as mesmas coisas. Mas nasci gostando de Legião Urbana, Caetano Veloso e Chico Buarque. Meu pai tocava violão e inventava suas próprias canções, logo me ensinou a tocar também. Escrevia poesias totalmente sem nexo a partir dos onze anos mais ou menos, logo tentei por “um fundo musical” naquelas poesias, e assim surgiu minha primeira música, que não me recordo o nome, mas começava assim: “Na beira da praia, um dia eu te vi”.

Ah, sim claro. Continuei gostando de Legião e acho que uma das razões era porque suas músicas eram fáceis, as letras eram histórias e eu podia tocar muitas de suas canções usando apenas três acordes.

Já o Caetano eu gostava porque meu pai adorava, e se revirava todo pra tocar suas músicas. Lembro-me de dormir escutando essas músicas. O Chico eu redescobri agora, porque as músicas que eu achava que eram de Caetano, eram na verdade desse cara, o Chico.

Aos sete anos meu pai se separou da minha mãe, e por conseqüência eu só o via aos fins de semana. Mas o tempo foi passando, fui morar com ele depois voltei a morar com minha mãe e aos 13 anos fui morar no Chile, com o meu pai e sua esposa Pelusa que era chilena. Fui estudar em uma escola onde conheci muita gente interessante.

Um dia ao estar voltando para casa escuto um barulho estranho, um som até então desconhecido. Desci para ver o que era. E vi que várias pessoas que eu tinha visto no recreio estavam lá naquela orquestra infantil, tirando som de instrumentos que eu só tinha visto em filmes.

Tentei de tudo para entrar naquela orquestra, mas o maestro não queria me dar uma chance porque já estava na sétima série, e como os outros que não se esforçaram quando tiveram a oportunidade, ele temia que eu apenas desperdiçasse o seu precioso tempo quatro por quatro de músico, pois meu estereotipo era de um menino bagunceiro. Mas insisti muito. Todos os dias durante duas semanas eu o esperei terminar seu ensaio para importuná-lo com minha cara de cachorro sem dono, até que ele concordasse em me dar uma chance. Queria tocar contrabaixo porque pensava que era baixo elétrico, mas quando vi o tamanho do instrumento eu falei: “Não tem alguma coisa menor?”.

E foi assim que comecei a tocar violoncelo.

Logo descobri que aquela orquestra infantil era apenas a reserva da orquestra “grande” a orquestra juvenil, e que essa orquestra grande iria fazer uma turnê de duas semanas por Argentina.

Tive seis meses para me preparar e conseguir chegar ao nível da orquestra grande, para ir à Argentina junto com eles. Eu consegui, eu e meu grande amigo Augusto que tocava flauta transversa e entrou na mesma época que eu.

O tempo foi passando...

Logo conheci Bach, e descobri que aquela orquestra não era nada difícil comparada a uma orquestra profissional. E todo dia eu me dou conta de que tenho que estudar muito para alcançar à quase perfeição. Mas toda essa história, que agora eu ando lembrando frequentemente com muitos detalhes esquecidos, de certa forma me dá força de vontade para seguir estudando e quem sabe voltar aquele lugar como maestro, e poder dar uma oportunidade a novos meninos bagunceiros.

Pra todos verem que essa história é verdade, subi a primeira música da obra “Acción de Gracias” dedicada à poetisa Gabriela Mistral, poetisa chilena que foi a primeira mulher a ganhar o prêmio Nobel de letras.

Essa música se chama Quetzal.

Baixe gratuitamente aqui!

ORQUESTA DE NIÑOS DEL VALLE DE ELQUI

- ONVE-

[Lucas Duarte da Silva]

2009-11-04T18:32:00.003-02:00

ATENÇÃO: Atualizei o link para download do disco do Piazzolla, que estava errado, desculpem pela falha! É esse aqui agora o certo:
http://www.4shared.com/file/112024270/21cc237a/Astor_Piazolla_Y_Su_Noneto.html

[Gerson Tadeu Astolfi]

2009-10-29T16:49:00.000-02:00

Não acho que escrevo tão bem quanto eu deveria escrever, ou ao nível de importância das coisas que sinto serem iguais quando letradas. Toda hora esqueço o meu impulso de pensamento. Nunca estou inspirada. Sou movida pelos meus espectros, tão bons quanto a música, e que, talvez se eu descobrisse algo melhor, nem trocaria por nada.

Hoje penso e tenho certeza que a música nunca acabará.
E diferentemente do que percebo algumas vezes, me veem a ideia de que as coisas não têm fim. Pelo menos quando se trata da matéria de que é feito os sonhos, a alegria, e o amor.
Penso que a música é o que me leva além, mesmo que possa se manifestar diferentemente em cada um. Mesmo que queira se desviar de intenção. Ela parece convergir ao mesmo buraco; à mesma raiz, quem sabe (porque na verdade é mais do que isso). Por isso alimento a ideia de que ela nunca se esgotará.

Se essa ideia existe mesmo; se existe mais alguém que acredita nisso, eu queria que as pessoas percebessem que o que é sempre verdadeiro nunca se perderá no Universo. Mas, por enquanto, procuro acreditar em mim.
-
[C. Foletto]

Piazzollando - Pequena Biografia Discografada (1/várias)

2009-10-18T23:15:00.001-02:00

APRESENTAÇÃO: Conhecidíssimo Desconhecido

Consideremos a última postagem (a entrevista com Piazzolla) como o que poderíamos chamar de Prólogo, ou Prefácio num livro. Depois de pensar por um tempo em como iniciar esse meu projeto, decidi que uma curta entrevista com o objeto da biografia seria interessante. Sem, já nesta rápida entrevista é possível notar alguns pontos importantes da pessoa de Piazzolla. E sem há algo que eu realmente gostaria de deixar claro para todos é que a vida dele foi simplesmente movida a paixão, a todo momento... Ele era, sem dúvida, um apaixonado, pela música, por velocidade, pela vida, e por mulheres.

Costumo colocar Piazzolla numa categoria na qual também insiro Charles Chaplin, Mozart, Beethoven, entre outros: a categoria dos famosos desconhecidos. Ou seja, eles, apesar de até exagerada fama, tem sua obra muito pouco conhecida por boa parte das pessoas. Normalmente, são muito lembrados pelo nome, uma pseudo-característica e uma ou meia dúzia de "obras primas", que na verdade não o são.

Mais de uma vez questionado acerca de o que estava ouvindo, respondi o nome de Piazzolla. Minha surpresa era que a grande maioria das pessoas conhecia seu nome, um parte mais reduzida sabia do "Nuevo tango" e um pequeníssimo grupo ainda respondeu: "Ah! É o cara do Libertango!".. ou "Ah! O cara do Adios Nonino e da Bala para un Loco". É claro que isso me foi negativamente surpreendente. Há algum tempo decidi que a obra dele deveria ser difundida (mais de 3000 composições).

Essa é portanto a razão pela qual, hoje, inicio esse projeto, que possui prazo indeterminado para acabar: difundir um pouco mais a verdadeira obra de Piazzolla. Creio que poucos me acompanharão nessa jornada, mas um que tenha ido até o fim comigo, se interessado e aprendidosobre a arte desse argentino, já me será de grande valia e eu poderei sentir-me realizado com meu trabalho. Utilizarei como ponto de partida a completíssima biografia escrita por Maria Azzi e Simon Collier, "Astor Piazzolla - su vida y su musica", não excluindo, é claro, outras fontes.

Termino essa apresentação agora insatisfeito com a mesma, e para compensá-los, deixo para download o primeiro disco desta série. Chama-se "Astor Piazzolla y su Noneto", um disco que simplesmente apareceu aqui na minha casa não faço idéia de como. Tampouco sei sua data de lançamento. Só há pouco tempo constatei que era um concerto em Roma datado de 1972. Agora explico-me: esse foi o disco que, simplesmente abriu-me para o mundo de Piazzolla. Por isso ele é extremamente emblemático para mim e éo motivo pelo qual tenho muito carinho por ele.

Após ter achado numa estante da casa esse disco e pô-lo no tocador, simplesmente fascinei-me por ele e ouvi intermináveis vezes. Foi uma incrível experiência que gostaria de compartilhar com quem quiser, principalmente quem nunca ouviu Piazzolla a sério. Comenterei sobre esse disco mais tarde, quando chegar no ano de 72. Por enquanto gostaria que tivessem a mesma primeira impressão de Piazzolla que tive, para depois aprofundar em algum tipo de análise. Pus para downlaod as faixar na mesma configuração e ordem do disco que tenho aqui, que não é muito boa, mas é interessante de toda forma. Só peço que, sem compromisso, ouçam esse disco com carinho. Boa audição.

Astor Piazzolla Y Su Noneto

1 - Divertimento Nueve
2 - Zum
3 - Onda Nueve
4 - Adiós Nonino
5 - Mufa 72
6 - Buenos Aires Hora Cero
7 - La Muerte del Angel
8 - Fuga y Misterio
9 - Vardarito
10 - Prelude Nueve
11 - Verano Porteño
http://www.4shared.com/file/112024270/21cc237a/Astor_Piazolla_Y_Su_Noneto.html
Por enquanto é só.
Abraço.
[Gerson Tadeu Astolfi Filho]

Georges Bizet e a Ópera Carmen

2009-10-17T15:13:00.000-03:00

Olá caro leitor.
Vejamos. Essa não é uma boa forma de começar um post. Mas tudo bem. Tanto faz isso por aqui. Não preciso de (in)formalidades para tratar com os leitores, que poucos são. O importante é o que é para mim. Sim.

Falando agora "de verdade", resolvi publicar alguma coisa sobre Carmen. Talvez você já tenha escutado algumas de suas melodias em trilhas sonoras ou em eventos onde de vez em quando a gente escuta coisas "diferente" aos ouvidos.

Carmen é uma ópera de Georges Bizet, compositor romântico da França. Ok. Você não gosta de óperas. A maioria das pessoas associa a ópera a cantores cantando canções engraçadas e com vozes que parecem só vibrar. Mas nem todo mundo conhece a fundo as histórias e os enredos, assim como do que é composta uma ópera. "Ópera é um gênero artístico que consiste num drama encenado com música. O drama é apresentado utilizando os elementos típicos do teatro, tais como cenografia, vestuários e atuação. No entanto, a letra da ópera (conhecida como libreto) é cantada em lugar de ser falada. Os cantores são acompanhados por um grupo musical, que em algumas óperas pode ser uma orquestra sinfônica completa." (Trecho retirado do Wikipedia). No caso de Carmen, Bizet se baseou numa novela de um arqueólogo, historiador, e escritor, também francês e que também viveu no período do romantismo: Prosper Mérimée.

“Um crime passional. Uma história de amor com tempero espanhol e musicalidade francesa. Uma opera com diálogos e com suítes entre as mais populares do mundo. Grandes personagens: Carmen, Escamilo, Don José. É a ópera Carmen, de George Bizet.” É esta a descrição que encontramos em um blog do Paraná, divulgando um espetáculo em Curitiba.
Mais esteticamente, podemos classificar o enredo como um drama. A obra é dividida em quatro atos e quatro cenas. Aqui você encontra a sinopse da história.

Uma de suas passagens musicias que aprecio é a Habanera, presente no Ato I. E o interessante é que Habanera é um estilo musical de dança criado em Havana, capital de Cuba, e encontra-se na província Ciudad de La Habana. Da habanera derivam diversos ritmos como o m axixe brasileiro e o tango argentino. Também deu origem ao vanerão dos gaúchos.

Habanera você pode ouvir aqui, através da voz de Maria Callas, esta moça aí ao lado. Callas foi uma cantora lírica estado-unidense de ascendência grega, considerada a maior celebridade da Ópera no século XX.
-
[C. Foletto]

Astor Piazzolla: Prazer em conhecer!

2009-10-12T20:19:00.003-03:00

"Quem gostaria de ter sido?
Bach ou Mozart. Mas sofreram tanto!
Qual é o principal traço de sua personalidade?
O Nervosismo. Estou sempre mexendo os dedos.
Seu principal defeito?
Jamais penso no que falo. Por isso vivo me metendo em mancadas.
Qual seria a pior desgraça que poderia acontecer a você?
Perder minha mulher.
Qual a coisa que mais o aborrece?
Que me dêem mal de comer.
Nome favorito?
Windy, Sonny, Zum. São meus três cachorros.
O que te sugere um policial?
Antipatia. Sinto repulsão a todo aquele que carrega armas.
Que dom da natureza gostaria de ter?
Voar, como os pássaros.
Como gostaria de morrer?
Violentamente...
Sua ideologia?
Creio na vanguarda, na liberdade e na revolução."

Astor Piazzolla, em entrevista a La Semana

21 de Julho de 1983

[Gerson Tadeu Astolfi Filho]

2009-10-12T20:15:00.001-03:00

"Um assasinato faz um criminoso, mas milhares fazem heróis. Os números santificam, meu amigo"

Charles Chaplin

[Gerson Tadeu Astolfi]

Tô ficando chato!

2009-10-12T19:53:00.001-03:00

Ao contrário da querida colega Camille, tenho estado sem muita inspiração, não só para escrever no blog, como pra tudo... Pra deitar na grama e ficar viajando... pra passar horas ao piano numa manhã chuvosa improvisando o que não sei de fato imporvisar.. Estou no momento levando a vida.. ou algo muito mais perigoso: sendo levado por ela... Isso me assusta. Porque não podemos simplesmente dizer: "Eu não quero fazer isso!" e não fazer quando nos mandam fazer coisas sem sentido? A verdade é que tenho consciência de que não tenho discernimento para saber o que faz e o que não faz sentido a ponto de acreditar que simplesmente nada faz.. e o que é alguma coisa deveria ser outra.... E VICE-VERSA..
Depois dessa desculpa esfarrapada me desculpo novamente pela chatice de ter que me desculpar novamente por não estar escrevendo aqui... Acho que cada semana que fico sem escrever contraio uma dívida impagável com meus companheiros de blog, e, principalmente com os leitores!... Se eu me propus a escrever, tenho de escrever e mais nada. Agora é esse o meu fardo... até que acho outro que dê mais felicidade a alguém e não atormente inocentes.. enquanto isso vou tentar agradar vocês e iniciar uma série de postagens pretensiosas que (desculpem a cacofonia) pretendendem contar a história de Astor Piazzolla através de gravações! O que já prometi há duas semanas mas a minha falta de inspiração simplesmente não permitiu que eu o fizesse.
Por fim, desculpo-me mais uma vez por preencher este espaço para me desculpar de coisas babacas... e agradeço a todos que com sua bondade me acompanharam até aqui, mas creio que estes sejam poucos indivíduos que pouco têm a fazer (sem querer ofendê-lo caro leitor!).

Um abraço e felicidades!

[Gerson Tadeu Astolfi Vivan Filho]

Instante

2009-10-07T20:21:00.001-03:00

Agora eu sei
Ao menos por um instante
Que eu dependo de minha opinião anterior, do meu outro segmento.
E só consigo encontrá-la depois do meu encontro musical.
Eu me reprimo, entro em conflito com o que pensei que sabia ouvir.
Preciso acreditar que as pessoas não se limitam a um determinado ramo para viver,
Preciso acreditar que o homem é mais do que uma esponja velha que serve instintivamente para vários talheres, e vai sendo ocupada por sucessivos domingos de churrasco mal-assado. Depois é descartada, como uma pétala velha e flácida.
Preciso acreditar que nós vamos saber ouvir melhor cada um ao seu lado. A música de tudo o que existe, a música do universo inteiro, que começa aí dentro.
É isso que peço a mim.
Ao menos por esse instante.
Até o fim.
-
[C. Foletto]

2009-10-06T22:37:00.001-03:00

E, então,
aquela mulher chega em casa, após um longo dia de trabalho.
Joga sua bolsa encima da mesa da cabeceira. Ilumina o quarto. Liga o rádio. Observa o vento lá fora. Troca de estação. A umidade do ar parece ser menor daquela que observara antes de sair à rotina.
Prepara, então, sua comida. Desliga o rádio. Liga a televisão.
-
Observo-a.
Já é tarde, ainda tenho que arrumar o material que alimenta minha alma. Ainda preciso me recuperar para um próximo dia, uma sinfonia. A música de que me alimentei hoje talvez precise de digestão. Passa agora pela faringe. Mas ainda tem um metabolismo baixo. É uma substância nova. Precisa de enzimas novas.
Penso na mulher.
Agora se alimenta da informação, do alimento-de-todos-os-dias. Sente que necessita de algo a mais, mas hesita, tem medo de pensar. Sabe que corre o risco de cair na fantasia que assola meu mundo agora.
-
[C. Foletto]

Junho

2009-10-02T22:03:00.001-03:00

Esperei a tarde toda por uma tempestade de vento vinda de Porto Alegre. Anoiteceu. A chuva fina voltou a cair e a parar de cair sobre Satolep. A umidade faz as tijoletas e os livros suarem; mofa os discos, amolece e empena as capas dos livros. É junho. Vou até a janela; limpo o vidro e olho para a rua. As pedras regulares do calçamento estão acesas sob a luz dos postes, onde primeiro se vê a neblina densa que, chegando devagar, descerá até o chão e transformará esta cidade planejada numa cidade infinita. Nada nem ninguém acha Satolep à noite nestas condições. A tempestade de vento não virá. Volto para a escrivaninha e me sento. Fico olhando a foto de Edgar Allan Poe, mas não posso vê-lo.

- Vitor Ramil, A Estética do Frio.

Dois por três

2009-09-27T20:03:00.002-03:00

Esperarei a noite toda pelo som que vem uivar e me levar ao movimento mais Adagio das estações.
Amanheceu, e a chuva fina não para de ceder o céu cinza em fins de tarde cor-de-rosa-mas-não-rosa. Termino meus afazeres, e o que vejo na linha horizontal dos meus olhos que segue pela janela é essa infinidade de tons. São escuros, talvez. Cismam em me chamar ao além e me levar à atmosfera onde tudo converge ao igual. Permito-me, contudo, e mergulho no arco-íris de minha alma. O som que ouço é somente o silêncio de meus pensamentos. Este, que parece não convergir a nada.
Volto, então, para onde eu estava. Fecho a cortina; já não há mais sol, já não há mais neblina. Agora, sem querer ouvir, consigo sentir o ruído das profundezas do céu, que prepara mais um soneto dois por três, que eu sei: deságua na próxima primavera da minha estação.

[C. Foletto]

Ramilonga

2009-09-26T15:56:00.001-03:00

Apreciar os acordes de Vitor Ramil é conhecer a paisagem musical que une ruralidade e cosmopolitismo, espontaneidade e rebuscamento, narratividade e passionalização. Suas canções expressam a interioridade por meio da reflexão e da sonoridade, resgatando imagens regionais do nosso estado e, com elas, envolvendo questões universais, tais como a dor, a solidão, a busca de si mesmo e do outro, a incomunicabilidade humana, o tempo, a loucura e a esperança. Canções que extravasam sentimentos ambíguos e complementares, sem descuidarem de uma forma estética rigorosa, a qual ele chama de "estética do frio". Ramil produz cada uma de suas canções como se fosse um ourives que aperfeiçoa, com seu trabalho minucioso e delicado, uma jóia rara. - Cimara Valim de Melo

Ramilonga

Chove na tarde fria de Porto Alegre
Trago sozinho o verde do chimarrão
Olho o cotidiano, sei que vou embora
Nunca mais, nunca mais

Chega em ondas a música da cidade
Também eu me transformo numa canção
Ares de milonga vão e me carregam
Por aí, por aí

Ramilonga, Ramilonga

Sobrevôo os telhados da Bela Vista
Na Chácara das Pedras vou me perder
Noites no Rio Branco, tardes no Bom Fim
Nunca mais, nunca mais

O trânsito em transe intenso antecipa a noite
Riscando estrelas no bronze do temporal
Ares de milonga vão e me carregam
Por aí, por aí
[...]

O tango dos guarda-chuvas na Praça XV
Confere elegância ao passo da multidão
Triste lambe-lambe, aquém e além do tempo
Nunca mais, nunca mais

Do alto da torre a água do rio é limpa
Guaíba deserto, barcos que não estão
Ares de milonga vão e me carregam
Por aí, por aí
[...]
Ruas molhadas, ruas da flor lilás
Ruas de um anarquista noturno
Ruas do Armando, ruas do Quintana
Nunca mais, nunca mais

Do Alto da Bronze eu vou pra Cidade Baixa
Depois as estradas, praias e morros
Ares de milonga vão e me carregam
Por aí, por aí
[...]
Vaga visão viajo e antevejo a inveja
De quem descobrir a forma com que me fui
Ares de milonga sobre Porto Alegre
Nada mais, nada mais
-
[Composição: Vitor Ramil ]

Um bebê cheio de alegria

2009-09-25T12:22:00.001-03:00

A história seguinte aconteceu há quatorze anos numa primavera, na cidade Ueda da província de Shinshu.

Participantes da Educação do Talento estavam em agradável conversação em casa de um conhecido. As crianças da senhora Shimada e da senhora Kiuchi entraram com seus pequenos violinos. Alguém sugeriu: Vamos fazer um pouco de música? E, como estavam acostumadas, as crianças começaram a tocar diversas peças em uníssono e a nos dar um concerto. À minha frente, estava sentada a senhora Kiuchi com seu bebê nos braços. Tendo perguntado a idade da criança, ela me disse que Hiromi tinha, justamente cinco meses. A irmã de Hiromi, Atsumi, com seis anos, praticava naquele tempo diariamente o concerto A-Moll de Vivaldi e ouvia também todo dia essa mesma peça em disco. Eu queria saber qual o efeito que isso teria sobre o bebê de cinco meses. Declarei, então, que também queria algo e me levantei com meu violino. Quando todos silenciaram, comecei com um Minueto de Bach.
Durante toda a apresentação observei o rosto de Hiromi. O som do violino já lhe era familiar e seus olhos brilhavam ao ouvir essa peça pela primeira vez. Um pouco mais tarde, eu passei do minueto para o concerto A-Moll de Vivaldi que era constantemente tocado e ouvido naquela casa. Eu não havia passado das primeiras notas, quando algo espantoso aconteceu.
A expressão de Hiromi transformou-se de um instante para o outro. Ela sorria, brilhava e voltava seu rosto feliz para a mãe que a tinha nos braços. “Veja, esta é a minha música” é o que ela certamente queria dizer. Logo ela voltou novamente para mim e voltou seu pequeno corpo no ritmo da música. Esse bebê de apenas cinco meses mostrava que conhecia a melodia do concerto A-Moll de Vivaldi. Desta forma já um lactente, assim como uma semente, absorve prazer e interesse de tudo o que vê e ouve. E isto é o que forma e molda sua personalidade. Para mim isto foi uma conclusão nítida das minhas observações. Realmente isto é ao mesmo tempo algo assustador, porque não só palavras e músicas são assim absorvidas, mas também o restante, seja bom ou mau.
Quatro anos depois, ouve um grande concerto em Matsumoto. No palco estava cento e cinqüenta crianças com seus pequenos violinos. Tocavam o concerto A-Moll de Vivaldi. “Quem é a menina de quatro ou cinco anos lá no meio da primeira fila” perguntei. Essa criança punha coração e alma no seu som e sua postura era excelente, enquanto se movia para lá e para cá, feliz dentro do seu ritmo. – “É Hiromi Kiuchi de Ueda”.
Ah, sim, a mesma criança, é verdade! Eu pensei de novo no bebê de cinco meses que tinha encontrado tanto prazer no seu aprendizado natural. Aí ela estava agora; quão bem tinham sido desenvolvidas as suas capacidades!
-
[retirado do livro “Educação É Amor”, de Shinichi Suzuki]
PS.: Foto retirada daqui.

2009-09-24T19:43:00.001-03:00

"A minha idéia é que há música no ar, há música à nossa volta, o mundo está cheio de música e cada um tira pra si simplesmente aquela de que precisa."

- Edward Elgar

O bêbado e o equilibrista...

2009-09-23T18:01:00.001-03:00

Caros leitores (como se existisse tanta pluralidade). Hoje careci escrever diretamente àqueles (as) que, por méritos ou apenas blefe, tem a arraigada consciência de que são músicos (as).
Tenho conversado bastante com alguns excelentes músicos (as) e alunos (as) sobre expressão e interpretação musical. Na sua totalidade observei o predomínio do verbo sentir. Devo ressaltar que concordo plenamente com o seu emprego em todas as oportunidades que tive de debater sobre tal assunto. Sentir... É fato. O intérprete ao executar uma obra não pode o fazer como faria um computador. É muito além. Não pode também usar apenas a inteligência... A razão. Há uma trama entre a obra e o intérprete, e cabe ao executante firmar esta ligação. Como fazer isso? Bem, não sou o dono da verdade ou alguém capaz de lecionar música para virtuoses, mas tenho a certeza (seja por mérito ou blefe) que eu sinto cada nota pressionada abaixo dos meus dedos no piano. Nota por nota foi posta na partitura pelo compositor, e é assim que eu as interpreto. Assim que acho que deve ser feito. Quantos já tocaram em um recital, ou apenas numa salinha estudando e, ao terminar, tiveram que enxugar algumas lágrimas? Como exemplo, seria possível tocar o Movimento I da Sonata Opus 27 nº 2 (ao Luar), de Beethoven, sem deixar correr alguma lágrima? Ou, ao menos, sentir um nó na garganta... Um aperto no peito? Não acho possível. Não deve ser possível... Mas infelizmente, para me contradizer, é possível.
Sobre o assunto vigente... Um fato ocorreu no Concurso de Piano Honorina Barra, de 1998, em Curitiba-PR. No grupo mais avançado, a partir de 19 anos de idade, concorreu um pianista cego, entre tantos outros concorrentes. Algumas vezes passei pela sala atrás do palco, as quais tinham paredes de vidro, e sentava no chão para o ver estudando nos dias antecedentes ao concurso. Rotineiramente eu observava sua chegada, após o almoço, com sua mãe. Ela o deixava na sala, e ia embora. Então eu ia até o meu cantinho no chão. Ele ficava em torno de quarenta minutos passando as mãos sobre a partitura em braile. Ao lado do banquinho do piano, em outra cadeira, sempre havia um lenço, o qual, não raramente, ele enxugava as lágrimas após esse primeiro momento. Abria o piano, passava as mãos em todo o teclado bem devagar, sorria e começava a tocar. Não eram peças difíceis para a idade que tinha, mas valia à pena estar ali e escutar a forma que ele as interpretava. As músicas criavam vida. Se o compositor quisera passar algum momento de tensão, eu estava tenso escutando. Se era dor, eu segurava o nó na garganta. Se era extasia, eu sorria. Aquilo era música! ... No último dia de estudos, após eu estar sentado o vendo e o escutando tocar, ele levantou ao fim da primeira peça, foi até a porta, e olhando para as paredes perguntou: “Quer entrar?” Não perguntei como ele descobriu que eu estava ali, mas foi com esse pianista que tive a certeza de sentir a música. Ele ilustrou isso perfeitamente, por todos os dias que o vi, ao parar por um tempo inicial e passar as mãos na partitura em braile. Isso é sentir! E ele sentia com perfeição! Ele me contou algo que igualmente jamais esquecerei. “Nós músicos somos como equilibristas de um circo... Lá no alto... Na corda bamba. Toda a base teórica e a técnica para executar uma peça é a grande rede que nos acolherá a qualquer momento que cairmos... Lá em cima sentimos a tristeza de sermos palhaços, a felicidade de conseguir cruzar toda a lona, a tensão que é estar na corda bamba, a dor que é sustentar o equilíbrio... Todos os sentimentos estão lá em cima.” Algo mais a dizer? Não eu...
...
Esse grande pianista conseguiu o prêmio de terceiro colocado... Algo que se ele não tivesse permanecido na corda bamba, não conseguiria até mesmo em grupos de idade inferior. Foi onde vi, pela primeira vez, o sentir vencer toda a técnica e virtuose de outros músicos, no caso pianistas.Portanto, caros (as) leitores (as)... Músicos (as)... Estudem! Usem o cérebro para trabalhar bem sua rede de proteção. Deixe-a bem resistente, porque todos nós somos susceptíveis à queda. Mas não se esqueçam de trabalhar também o coração. Gritem! Chorem! Sorriam! Enlouqueçam! Sejam verdadeiros! Equilibrem-se! Sintam!"A música é capaz de reproduzir em sua forma real, a dor que dilacera a alma e o sorriso que inebria." - Ludwig van Beethoven

[Sihan Felix

http://www.sihanfelix.blogspot.com/]

Essa insatisfação...

2009-09-22T21:02:00.001-03:00

Como músico, algo que talvez eu possa me considerar, tenho presenciado ao longo dos anos a putrefação da música como arte. Acabamos de rebater na primeira sabatina. Arte é a principal “função” da música... Arte? Qual o verdadeiro significado da palavra “Arte”? Do latim, técnica ou habilidade. Técnica e habilidade? Claro! Vamos analisar com alguma (leia-se muita) ironia um “artista” atual: O Latino tem uma habilidade artística maravilhosa, não? O último CD lançado: “Sem Noção”. Como diria um grande tenor italiano, chamado Tito Schippa, falecido no século passado: “Bravo! Bravíssimo!” Tenho que concordar... Ao menos ele (Latino), seus empresários, sua gravadora, e agentes sabem que é um CD literalmente “Sem Noção” e sem algum valor musical, poético e artístico.
Saindo desse completo petulante e sem talento, tentarei me ater ao contexto geral da música atual, por vezes relacionando com algumas décadas e séculos passados.
A música e sua história talvez se confundam com a história da humanidade. O desenvolvimento musical é historicamente relacionado ao desenvolvimento da nossa inteligência e cultura... O que me faz acreditar que estamos regredindo substancialmente. Músicas sem poesia, harmonias repetidas e especialmente ridículas, a ponto de encontrarmos a mesma seqüência miúda de acordes em inúmeras músicas que estão sendo produzidas hoje.
Na música brasileira, a decadência maior iniciou-se na década de 60, com a simplicidade da Jovem Guarda e a péssima música de Roberto Carlos. Hoje, como “rei”, eu apenas tenho um enorme respeito pela pessoa que é e por tudo que passou. Há ainda fenômenos não musicais no meio musical... Sim! Tenho admiração pela música sertaneja de raiz. Cornélio Pires! É uma música autêntica, regional e cultural! Mas a música “sertaneja”, a qual é relacionada Zezinhos e Lucianos, Xitãozinhos e Xororós, Brunos e Marrones... Por favor! Eles fazem um desserviço à arte, à inteligência do povo (se é que ainda existe), e envergonham os seus “predecessores”, o último fora Sérgio Reis. ... Aqui, no Sul do Brasil, fico maravilhado ao escutar a verdadeira música gaúcha. Música dos pampas. Bagual... Fico de todo arrepiado ao escutar as músicas simples, mas de letras bem talhadas e representativas. Adelar Bertussi, Gaúcho da Fronteira, Miguel Marques, César Vieira... Esses são verdadeiros divulgadores de uma música enraizada na cultura local. Música e poesia verdadeira! Como na música caipira, existem também aqueles que nascem para deteriorar o que há de bom. Nesse caso, informo-lhes: Nunca queiram escutar “Tchê Music”. Música sem razão, sem propósito... Sem algo aproveitável... O engraçado é que muitos músicos desse tipinho de banda (que por vezes diz que divulga a cultura gaúcha) não são gaúchos, assim como em alguma bandas de forró no Norte-Nordeste, onde chegarei agora. Bahia... Pensamos logo no Axé, correto? Esquecemos do Dorival Caymmi, João Gilberto, Caetano Veloso, Gilberto Gil, Gal Costa, Nana Caymmi... O Olodum... Brasileiro gosta de festa mesmo. Cérebro pra que te quero? Brasileiro tem a memória curta. Seguindo essa “viagem” chegamos a Pernambuco, estado de onde sou oriundo. Quanta riqueza musical! Quanta cultura! Mas me digam... Alguém sabe o que é baião? Frevo é somente pegar uma pequena sombrinha colorida e passar por baixo das pernas? Alguém tem noção do quão é difícil tocar frevo, maracatu e caboclinho? Conhecem Capiba? O maior compositor de frevo! Alguém lembra em que ano estamos? Uma década da morte de Capiba... Mas quem se importa, não é? ... E o baião? Sim! Isso! Luiz Gonzaga! O Rei do Baião! Um grande homem... Elegido como personalidade pernambucana do século. Ele só compôs Asa-Branca? Por falar nisso, sabem que música é essa? Não vou me aprofundar... Foi a partir daí que surgiu o forró! Ótimo! Algo original, cultural... O Forró-Pé-de-Serra! Uma das histórias sobre essa denominação conta o seguinte: As bandas, formadas por sanfona (também conhecida como acordeom e gaita), Zabumba, triângulo e o intérprete, tocavam em galpões, nos quais o chão era coberto por grama, terra, barro e serra. Dançava-se em casal e juntinhos, arrastando os pés no chão... Muitas vezes confunde-se o Baião com o Forró-Pé-de-Serra, o que devo admitir ser natural... Mas eis que surge o Forró estilizado, e faz todos os verdadeiros forrozeiros se entristecerem por terem dado nome a algo tão inútil, grotesco, sem sensibilidade... Realmente fétido. Bandas recentes como Calcinha Preta, Limão com Mel, Caviar com Rapadura, Mastruz com Leite e todas essas misturas de dar a mais forte náusea, deveriam ser consumidas pelos abutres. Mas o grande povo é “inteligente” e monta legiões de fãs atrás dessas verdadeiras merdas!
Pagode, brega estilizado, falso sertanejo, forró estilizado, falso calipso, samba estilizado, rock (e suas finitas derivações) com letras as quais uma criança riria a meio século atrás, funk, rap mal escrito, hip-hop mal escrito, falso reggae... Incluo também a insignificante música erudita contemporânea, que segue o mesmo padrão das artes plásticas, ou seja, qualquer coisa é arte... Nada disso poderia ser considerado música. Música do grego = Musiké Techné, ou seja, Arte das Musas... Acho que estão levando, exageradamente, ao pé da letra, e mostrando as bundas (de corpos sem cérebro) de quem definem como musas.
Uma grande prova de que a inteligência está perdendo para a total ignorância foi a premiação do último V.M.B.... Não consigo entender como foi indicada e venceu (na categoria 'Melhor Hit da Internet') uma música cuja letra diz: "Vai tomar no cu... Vai tomar bem no meio do olho do seu cu..." . Infelizmente o povo assimila e tem certo tipo de coisa como exemplo... Eis que surgirão coisas piores (se é que é possível)... Meus pêsames a estas mentes fracas de pouca personalidade e copiadoras (como a grande massa brasileira)... Farei minhas orações por essa falta de acúmen...
Estou cansado em ficar escrevendo, pois escrever isso me dá um nó na garganta e uma vergonha... Pois sou músico... Ao menos serei um músico... Mas músico... E não algum pseudo...
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[Sihan Felix (Pseudônimo do músico Pedro Felix) - http://www.sihanfelix.blogspot.com/]

Reflexões vagas de um músico

2009-09-21T19:29:00.001-03:00

Sobre a vida, eu continuo a cambalear. Cambaleio toda vez em que essa sombra obscura revela meu outro lado. Ando e continuo a tropeçar sobre meu lápis, que como uma ponta quebrada, sempre que chega à superfície, escorrega e cai.
Lápis,
a clave.
Olhei para aquela multidão e pensei não saber mais onde se encontra esse estado de espírito, essa forma da alma...essa coisa que, unida ao resto, nos torna uma verdadeira receita deliciosa. Mesmo que a palavra esteja errada, e eles não entendam. Sim, você não entendeu.
E então me pergunto o que faz a felicidade. Não essa felicidade...a que todos falam. Nem a que todos querem falar, e pensam ter falado. A felicidade que a qual o contexto não encontro nome. Que para mim não é felicidade quando estou pensando. Muito menos quando você pensa.
E tomando essa pergunta sempre tropeço com outras, e de repente me deparo com um engasgo divertidamente saboroso, que vem acompanhado de uma “não-resposta”, um vazio, um vazio de resposta. Que é a fonte para as minhas novas perguntas.
Até aí você consegue. É fácil de entender.
Complica é quando eu não entendo, sei que você não entenderá, e descubro – justamente por eu não querer isto – que você entendeu.
Sim, não faz sentido.
Legal.
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E dessa forma, aquela multidão entrou no vagão e, através daquele som intermitente, que nos leva a um compasso estilo dois por dois, foi transferida àquela atmosfera que não tem nome, àquele entender que não faz sentido a ninguém – nem a você.
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[C. Foletto]

Ouvindo o Quarteto Op. 131, de Beethoven

2009-09-16T22:41:00.001-03:00

Em um desses dias onde a gente procura alguma coisa interessante para ler, encontrei uma página na internet portuguesa onde lá estavam alguns poemas portugueses sobre música. Um, em especial, me chamou atenção. Pela página, ele foi intitulado de “Ouvindo o Quarteto Op. 131, de Beethoven”. No final do poema, encontrei essa denominação: (Jorge de Sena, in “Arte de música”, 1968).
Jorge Cândido de Sena foi um poeta, crítico, ensaísta, ficcionista, dramaturgo, tradutor e professor universitário, nascido em Lisboa, e naturalizado brasileiro, em 1963. Em sua obra encontramos ficção, drama, ensaio e poesia.
Mais informações sobre Jorge você encontra aqui.
Sobre esse poema, achei muito interessante a forma como o poeta trata o universo da música. Quando encontro textos de autores estrangeiros, principalmente quando o assunto é a música, sempre me deparo com algo legal de ser analisado e incorporado ao nosso cotidiano.
Boa leitura!

A música é, diz-se, o indizível
por ser de inexprimível sentimento
da consciência, ou um estado de alma,
ou uma amargura tão extrema e lúcida
que passa das palavras para ser
apenas os ritmos e os sons e os timbres
só pelos músicos cientes de harmonia
e de composição imaginados. Mas,
se assim fosse, ele só dos homens
saberiam mover-se nos espaços
que a humanidade abandonada encontra
nos desertos de si. Começariam
onde a expressão verbal não se articula
por impossível. Viveriam sempre
na fímbria estreita à beira da maldade
e do absurdo, como que suspensos
na solidão da morte sem palavras.
Não é, portanto, a música o limite
ilimitado dos limites da linguagem,
para dizer-se o que não é dizível.
Mas, se não é, que dizem lancinantes,
nesse discreto passeio pelo tempo
os quatro instrumentos semelhantes
no seu modo de criarem som?
Tão terrível. Sufocante. Doce
ou agridoce desconcerto harmônico.
Que diz? Que diz? Neste contínuo
de temas e andamentos, de tonalidades,
o que se justifica? Que discutem eles?
A sua mesma natureza de instrumentos
e as combinações até ao infinito
de um mecanismo abstrato de imaginar?
Como pode uma coisa que sentimos tão medonha,
tão visionariamente séria e pensativa,
ser irresponsável?
Será que nos diz do aquém, do abaixo,
do infra, do primário, do barbárico,
do animal sem alma e sem razão?
[...]
Não há tristeza alguma nesta
vida transformada em puro som,
em homogênea outra realidade?
Não é de angústia esse rasgar melódico
da consciência antes de criar-se humana?
De que, portanto, vem esse triunfo
que se precipita, contraditório, nas arcadas
dos instrumentos conversando essências?
É simples convenção? É artifício?
Silêncio irresponsável?
Se há mistério na grandeza ignota,
e se há grandeza em se criar mistério,
esta música existe para perguntá-lo.
E porque se interroga e não a nós,
ela se justifica e justifica
o próprio interrogar com que se afirma
não quintessência ela, mas raiz profunda
daquilo que será provável ou possível
como consciência, quando houver palavras
ou quando puramente inúteis forem.
-
[C. Foletto]

Barroco e Tango: Problemas Idiomáticos

2009-09-14T16:17:00.001-03:00

Todos sabem que a Música Barroca é uma das, senão aquela que mais depende de seu intérprete. A razão disso é muito simples: ao contrário da música de concerto que surge a partir do século XIX, e, pcipalmente do século XX para cá, onde quase tudo sobre a forma de execução está claramente descrito, a partitura na música Barroca é apenas uma idéia da música. Além disso, o fenômeno que ocorre é que, desde antes da Idade Média, se produzia música para o presente. Ou seja: não se imaginava que o que se escrevia hoje seria ouvido no futuro, e a música do passado era esquecida. Uma composição de 4 ou 5 anos anos já era considerada ultrapasssada. Uma missa um pouco mais especial ou um jantar pomposo sempre era ocasião para música nova. Os ricos faziam questão de que em suas "festas" as composições do baile fossem originais. E pagavam por isso.

Olhar para o passado e estudá-lo é uma novidade pós Revolução Francesa. No século XIX que a música do passado passa a ser pesquisada, e até hoje se procura manuscritos antigos. Muito da época medieval, do barroco e do classicismo está perdido pelo fato de que, ao mesmo passo que se escrevia muita música, se esquecia também. As partituras de uma missa de Domingo sem problema algum poderiam enrolar o peixe da segunda-feira.

Eu quero chegar é no ponto em que houve uma época (do final do barroco até o século XIX) em que a música barroca não foi tocada, exceto em alguns arranjos e reorquestrações, como a que Mozart fez do oratório "O Messias", de Heandel. Esses arranjos, porém estavam de pleno acordo com as características do classicimo. Nesse período, portanto, a humanidade "esqueceu" de como era o barroco e quando se começa a redescobrí-lo ele ja não é executado com muitas de suas características essencias. Só com a busca em tratados, prefácios, entre outros, é que vão, aos poucos, ressurgindo as técnicas, as características idiomáticas da Música Barroca.

Uma boa comparação é imaginarmos que, por exemplo, as obras de Strauss fossem esquecidas por 200 anos e depois fossem redescobertas. O que hoje as orquestras tocam com tanta naturalidade e senso seria modificado drasticamente pelos músicos do futuro. Isso porque existem certos pré-requisitos que não estão descritos na partitura (que é apenas um lembrete de música, uma "orientação"). Tudo o que é necessário à interpretação da música barroca não necessitava ser mencionado a cada nova obra, pois todo bom músico tinha o espírito barroco simplesmente incorporado, assim como acontece hoje com a música de Strauss.

Apesar das pesquisas, porém, simplesmente ninguém estava lá para ver nada! Ninguém assitiu a um concerto de Vivaldi, ou a uma missa de Haendel, ou a uma cantata do Bach. Nunca se saberá como soava exatamente essa música. Podemos ter uma idéia através de exaustiva pesquisa e estudo, mas nunca teremos certeza de nada, até porque, mesmos que utilizemos os instrumentos da época, esses não soarão como soavam, pois passaram por grosseiras transformações ao passar do tempo.

Com o tango, a questão é um pouco diferente: após a Revolução do Nuevo Tango, o gênero se tornou famoso no mundo todo e foi exaustivamente estereotipado pela indústria de Hollywood. O tango argentino não é nada de Marlon Brando, com uma rosa na boca dançando que nem uma lagartixa! Mas estou aqui para falar da música de tango, pois a dança surgiu antes da música, e hoje o tango não é um estilo musical, mas um movimento cultural. Ocorreu que, com a explosão de fama do tango, começou a se vir para a Argentina e a se gravar em todo canto do mundo temas não só de Piazzolla como da Velha Guarda. Acontece que, manifestação complexa que é, o tango, assim como o barroco, possui muitos elementos idiomáticos de interpretação.

A música de câmara sem esses elementos soa totalmente pobre, ela necessita deles tanto quanto a Música Barroca. Além de acentos, ritenutos, e certos floreios que aproximam as melodias tangueras à fala dos argentinos, há certos efeitos percussivos que foram extensivamente usados e alguns inventados por Piazzolla. Eles, porém, já existiam de muito antes. Julio De Caro já os utilizara, mas eles se originam de ainda antes. Nos "bailes" de tango dos primórdios, havia um momento chamado "candombe" em que a orquestra parava de tocar e iniciava uma improvisação ritmo-percussiva com os violinos e bondoneons, pois as orquestras não possuiam instrumentos de percussão.
O que diferencia, porém da situação do tango para o barroco é que em relação ao tango, sim! Havia gente para ver e para gravar também. O trabalho de várias orquestras e mais tarde os quintetos, sextetos, octetos (e por aí vai) foram exaustivamente registrados. Há melhor fonte que essa para estudar interpretação? Apenas uma conversa com velhos tangueros vivos.
E por que poucos hoje em dia usam essas gravações como material de estudo para as suas? Porque o tango ganhou o triste paradigma de música fácil, corriqueira e "bonitinha". Mas é tão complicado como o barroco, ou um concerto de Brahms.
Recorro agora a uma pequena história que ocorreu no festival de Jazz de Sapporo. O famoso violonista de jazz Al di Meola encontrou o vibrafonista Gary Burton no elevador e perguntou a este: "Como é Piazzolla? Me interesso muito em conhecê-lo". A resposta de Burton foi: "É a música mais difícil que já toquei na minha vida!".
A música de Piazzolla é apaixonada até as entranhas, exige tanta agilidade e expressividade quanto uma sonata de Beethoven. E é sem dúvida revoltante que seja tratada como uma música de menor importância, simplemente por não ser música de concerto. Já estou farto dessa portura arrogante e hipócrita de certos tipos que se dizem "apreciadores da música".

[Gerson Tadeu Astolfi Filho]

Calendário Maia

2009-09-12T10:52:00.001-03:00

Resolvi escrever no blog. Quem sabe porque está chovendo, seja sábado e enfim posso me concentrar para escrever algo interessante. E sim! Muito interessante.
Tudo tem uma explicação. Seja racional ou irracional.
Os Maias, os senhores do tempo.
Desde a época em que reinavam, eles tinham uma matematica exata, desenvolveram independentemente o conceito de zero e usavam um sistema de numeração de base vinte. Trabalhavam com somas de até centenas de milhões. Produziram observações astronômicas extremamente precisas; seus diagramas dos movimentos da Lua e dos planetas, são superiores aos de qualquer outra civilização que tenha trabalhado sem instrumentos ópticos.
Até o encontro dessa civilização com os espanhóis, o sistema de Calendário Maia já era estável e preciso, notavelmente superior ao Calendário gregoriano.
Os mais dividiram o seu calendário em 13 luas que para nós seriam os meses de 28 dias.
Se calcularmos 13 x 28 o resultado será 364 dias. Esse dia que falta é o chamado dia fora do tempo, que cai sempre no dia 25 de julho.
O nosso calendário está divido em 12 meses. Cada mês com um número diferente de dias. E assim nos confundimos. Por exemplo: Porque novembro é o 11º mês ao invés de ser o 9º?
São várias coisas que deixamos passar. Coisas importantes mas que não damos a mínima.
O dia não pode ser apenas um dia. Todos os dias são diferentes!
São 13 tons e 20 selos galácticos para os maias. Acreditavam que o tempo é cíclico.
E realmente é! Quantas vezes você já se deparou com a mesma situação?
Pois é, nada é por acaso.

Através dessa perfeita matemática eu busquei o Kin de alguns personagens importantes na música:

Mozart

27 / 01 / 1756

Crono-Psi: 134

Kin 39 Tormenta Cósmica Azul

"Persevero com o fim de catalizar

Transcendendo a energia

Selo a matriz da autogeração

Com o tom cósmico da presença

Eu sou guiado pelo poder da abundância

Sou um portal de ativação galáctica,entra por mim"

"Permitindo o surgimento de novas aberturas, poderás explorar teu mundo interior"

Beethoven

17 / 12 / 1770

Crono-Psi: 72

Kin 13 Caminhante do Céu Cósmico Vermelho"

Persevero com o fim de explorar

Transcendendo a vigilância

Selo a saída do espaçoCom o tom cósmico da presença

Eu sou guiado pelo poder da navegação

"Exploro meus espaços, viajo através da minha mente e sou mensageiro da arte de amar"

Para saber mais kins e calcular entre no site do Calendário da paz!

[Lucas Duarte da Silva]

2009-09-11T14:10:00.001-03:00

Quero uma soronidade plena
Feita de sons, sonetos e sonatas
Que conduzam a alma a outras esferas
Dimensões insondáveis
Formadas por partículas ancestrais a todos nós
Cromossomos de notas musicais
Que elevem o homem à quintessência
À suave permanência
Quero que a música da vida seja mais que universal
Seja o espírito de tudo o que for transcendental...

(Gustavo Adonias)

Em busca do talento

2009-09-06T20:16:00.002-03:00

Ano passado escrevi um artigo de opinião para o colégio. Procuramos reportagnes em diversas revistas, e, no fim, tínhamos que escolher uma específica e criar um artigo encima daquelas ideias.
Escrevi, então, sobre "talento". Não o Talento, Chocolate da marca Garoto, mas o talento que nós, humanos, temos, como algo inato dentro da gente.
Resolvi, então, quase um ano depois de ter escrito, publicar este aqui no blog, já que para ser um bom músico, precisamos, acima de tudo, de talento e de preserverança.
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Em busca do talento

Hoje em dia, para podermos saber lidar com as diferentes situações que a vida (por um processo natural) nos impõe, precisamos, basicamente, de muito talento. Seja para vencer barreiras naturais a todos os humanos que buscam uma carreira, seja para subir um degrau que pode ser o mais inusitado, e assim, diferente para os outros. Aquele obstáculo que você considera ser o mais magnífico para você mesmo superar. E, além disso, precisamos ser talentosos em qualquer idade. Eu diria, desde “o início”, quando, já aí, mesmo que não queiramos, uma bagagem já está sendo aderida às nossas costas, até a morte. Morte essa em que, se não somos um presidente da República, ou um ator ou jogador de futebol famoso, o final da vida acaba nos impondo um talento só para nós, e para a nossa família e pessoas que passaram por nossa vida.

A vida por si só já é um talento? Creio que não. Talento é alguém que produz um efeito consideravelmente importante ao longo de dias, noites e dias, ao ponto de tornar sua vida uma causa talentosa à criação de novas fontes de talento.
Ser um talento não significa pertencer a uma das três melhores faculdades do Brasil, falar inglês fluentemente, ao ponto de todo o resto ser apenas algo a mais. Deixemos isso para o tempo que já passou. Agora, deve-se ter o que se considerava a única coisa importante para a base talentosa, que hoje já é obrigatória. Sendo assim, o que vale é ser protagonista de suas próprias atitudes, que darão a sua cara nas questões obrigatórias. Empenho e liderança. Essas são as questões básicas. E do empenho, surge o planejamento, E aí está uma forte questão a ser considerada: geralmente muitas pessoas perdem o rumo tanto diante da dificuldade, quanto diante da sorte conquistada, da fortuna. Deve-se pensar tanto nas coisas mais eloqüentes – ganhar na loteria é um exemplo -, como também sempre poupar-se ao confundível, evitando situações que podem ser puro luxo, vaidade, ou algo desnecessário. Gustavo Cerbasi, consultor financeiro pessoal, sócio-diretor da Cerbasi e Associados Planejamento Financeiro e autor do livro “Casais Inteligentes Enriquecem Juntos” cita, em um de seus artigos, o seguinte: “Ao fazer planos, recomendo que sejam conservadores, mas considere a hipótese de se surpreender com eles. Esteja sempre preparado para o pior, porém saiba também o que fazer se o melhor acontecer antes ou em maior intensidade do que o previsto”. É essa a cabeça de alguém de sucesso: planejando sua perspectiva de futuro, buscando sempre mais em suas atitudes e reflexões, pensando em seu desenvolvimento como pessoa, mas sem perder o foco, e não pensar que as coisas são tão simples assim, tomando atitudes ilusionistas. Tem que ter atitude.

Se fôssemos analisar cada situação, cada desenvolvimento de opinião, cada crescimento, cada barreira, cada resultado, seus fatores e causas, demoraríamos muito mais falando sobre isso do que sobre um seqüestro em São Paulo, por exemplo. Aliás, nem sempre as coisas acontecem exatamente como quereremos e como planejamos, e a capacidade para conviver com uma mudança de plano pode ser muito útil. Aí está outro fator: a estratégia. Desde quando nascemos somos estrategistas. A cada momento temos que fazer escolhas, e isso às vezes atrapalha até mesmo o nosso relacionamento com as pessoas e situações inusitadas. A diferença se concentra no talento de cada “artista” Desde a estratégia que tenho que ter aqui, quando escrevo isso, assim com aquela que você, leitor, está tendo agora (aquela que pode fazer você parar de ler isso a qualquer momento), considero-a uma das causas básicas para uma vida bem sucedida e de sucesso. Deve-se prever a possibilidade de mudar. Mudar através dos conhecimentos adquiridos nas relações que tivemos, somando-se a isso nossos próprios valores, opiniões, idéias, interligados com a força de vontade e o brilho no olhar. É isso que conquista e surpreende um chefe que se contagia ao entrevistar um jovem ao contar o que fez em um curto tempo de vida. A socióloga inglesa Joan Woodward estudou a relação entre as teorias administrativas e seu êxito quando colocadas em prática. Concluiu que as melhores teorias foram as que levaram em conta as “contingências”, ou seja, aqueles “eventos” que estão fora do planejado e que podem ocorrer por dois motivos: porque não foi previsto por você ou porque não se podia prevê-los. “Quando você procura prever os acontecimentos e diminuir as surpresas, está agindo como um estrategista. E quando convive com o imprevisível e encontra novos caminhos, está se comportando como um líder. Eis por que um líder estrategista é tão cobiçado”, diz Eugenio Mussak, professor do MBA da FIA e consultor da Sapiens. Portanto, deve-se saber lidar com diferentes situações, mas sempre tendo um pouco de estratégia nas ações.

Finalmente, voltando mais à questão do talento expressivo, eu diria que ele é a conseqüência e soma de todas as características já citadas. Talento é o poder de ser líder, administrador, estrategista, planejador, realista, somando tudo isso a uma só pessoa agindo como um criador de novas fontes talentosas. “Talento é a pessoa capaz de resolver problemas complexos ou inéditos” (Luiz Carlos Cabrera). É isso que a sociedade em que hoje vivemos vai exigir cada vez mais sobre nós, agentes de nossa própria vida: a capacidade de encarar diferentes realidades, impor sua própria opinião, saber persuadir, contribuindo com novas gerações de uma educação aos futuros talentos. E, felizmente - ou não -, a nossa capacidade talentosa terá de ser cada vez maior. Basta você querer.

Isso que você leu é apenas um incentivo. A opinião dos outros não é a causa principal da mudança de atitude. Ela apenas faz com que refletimos e pensamos sobre o que fazemos da nossa vida; E o que fazemos de nosso talento.

O fato é que a vida nos apresenta muitos desafios, e traçamos nossas metas e escolhas a partir dos nossos objetivos. Sobre tudo isso, apenas sei o que tenho em mente. Daqui alguns anos, acabarei descobrindo se valeu ou não a pena. De que maneira? Se você é um bom talento, logo descobrirá o caminho a essa resposta. E talvez esse seja o caminho certo a muitas coisas.

Boa sorte!

[C. Foletto]

De volta... e alguma reflexão miserável sobre o sentido da música

2009-09-05T17:32:00.001-03:00

Enfim estou aqui de volta, após umas férias forçadas, as quais poderiam ser dispensáveis, pois estou realmente gostando de postar aqui, apesar de até agora não ter passado pra vocês muita coisa. Mas volto agora, como o filho que ficou duas semanas fugido e volta pra casa a fim de agradar a família..

Nunca deu muito certo escrever direto na folha redação sem fazer rascunho, e é isso que estou fazendo agora, e espero que não dê muito certo, pois estaria posto em risco tudo o que aprendi até hoje sobre planejamento.

Falando em planejamento, estou planejando algumas coisas para essa semana... Primeiro vou acabar a série do Guerra Peixe e pretendo iniciar uma nova série, na qual vou contar a história de Astor Piazzolla através de gravações. Estou realmente empolgado...

Não venho aqui falar sobre o sentido da música, por dois motivos. O primeiro é que eu realmente ainda o procuro, e a resposta não é fácil. Hipóteses há várias, mas nunca se sabe se o que é realmente é tudo o que pensei junto,... se não é nada que pensei ou se é ainda outra coisa... Mas, enfim, de algumas coisas tenho certa certeza (cacofonia maldita). Uma, por exemplo é que o senso estético é algo complexamente pequeno.. eu diria.. ser bonita é UMA das funções da música. Antes disso, é a expressão do comportamento, da vida social e das alegrias, tristezas, sentimentos, paixões, preconceitos (e por aí vai) do ser humano em certa época.

Não concordo, portanto, com a velha idéia de que a música é atemporal. Ela é, sim, tremendamente relacionada à cultura e à vida do tempo em que foi concebida. E, para comprender o que ela tem a nos passar, o conceito de feio ou bonito é algo insignificante e superficial. A partir do momento que conhecemos a sociedade em que aquela música nasceu, conhecemos a sua cultura, artes, costumes, propósitos, e sua relação com a música, aí começamos a perceber uma mensagem muito mais interessante naquilo que simplesmente desprezávamos por não entendermos, julgando-lhe algo feio.

Como disse Harnoncourt, hoje ouvimos mais música que nunca, mas, na realidade, ouvimos muito menos. Isto é: generalizadamente, a música ocupa um papel decorativo, e não mais que isso. Mesmo pensando assim, não consigo costruir realmente uma idéia consitente do sentido da música e fico por muitas vezes me distraindo sobre essa pergunta e procurando respostas ao correr de horas.

Em segundo lugar, penso que cada pessoa dá o sentido que quer à música. Portanto, penso ser um ato falho eu tentar explanar algo aqui sobre um assunto tão pessoal.

Como percebem os pacientes leitores que conseguiram me acompanhar até aqui sem se distrairem com coisas mais importantes e com mais sentido, saí de lugar nenhum para chegar a lugar algum... Mas também não é isso que fazemos o tempo todo?? Por enquanto, era para ser mais, mas fica só, até porque não é justo quem passou primeiro e menos ainda quem não passsou.

Abraço

[Gerson Tadeu Astolfi]

Papo sem sentido

2009-09-05T15:32:00.002-03:00

Hoje é sexta-feira, dia 4 de setembro. Gostaria de ter voltado aqui antes, até porque nos últimos dias várias coisas legais me “inspiraram”. No entanto, entretanto, contudo, todavia...estou sem internet (na verdade, ainda). Mas escrevo agora olhando para a tela do computador. Faz de conta que estou no blog. Isso não é algo muito interessante para vocês aí, leitores, lerem na web com tantas coisas novas. Mas...ah!, eu não estou escrevendo uma redação para o colégio, e posso ser mais abobada e não me preocupar com a voz passiva, nem com rebuscamentos, nem com as orações longas, nem em exagerar nas exclamações, nem com os “chavões” (“o queee?), nem de tornar o texto extenso, nem com todas aquelas coisas chatas, nem em evitar gerúndios, nem com a repetição de palavras (nem?), e outras poucas coisas as quais você já deve ter sido orientado a evitar. Não que essas normas sejam bobas: são mais que necessárias; mas é ruim escrever tendo regras de pensamento a seguir. Desenvolver o que se sente é legal quando podemos fazer isso com liberdade. Talvez essa liberdade deva ser controlada, mas – para mim – , o primeiro passo é liberá-la. Depois podemos desenvolvê-las.
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Às vezes acho que eu deveria andar com um caderno pequeno para escrever as minhas idéias, meus relances e “fugas” - que soam mais como um eco do que parece sempre ter estado presente dentro de mim, do que simples fluxos matinais ou repentinos de pensamentos indeterminados.
Mas descobri um exercício, algo como um esforço quase natural. Quando possível, vivo observando os passos das pessoas, as conversas da mesa ao lado da minha no restaurante, o azul de certos olhos, a convergência entre um som e outro, e como tudo parece seguir para um caminho só. Parece estranho, mas buscar o que não temos e sentimos nos outros é um exercício engraçado. Engraçado porque não encontrei outro adjetivo para isso. Procure você, e depois me conta.
Ok. Legal. Isso pode não ser sempre saudável. Você pode pensar que é melhor eu ir cuidar das minhas coisas e por onde e com quem eu ando. Mas eu gosto disso. Quase sempre encontro inspiração (para qualquer coisa) nesses momentos, além de refletir um pouco e ressaltar para mim o que tenho de melhor.
Pode ser que eu só saiba expor minha opinião por relatos, mas por enquanto o meu objetivo é (mais ou menos) esse. Sei que ainda poucas pessoas chegam por aqui e menos ainda lêem tudo o que escrevemos. E nem é isso o que queremos. Ainda têm aquelas que passam os olhos pelos textos e vão embora. Escrevo para a minha experiência, com um objetivo. O sucesso ou o não-sucesso (existe isso?) já é outro “porém”.
Então, desta vez, o que me fez refletir, ao caminhar pelas ruas da minha cidade, foi a falta de identidade de alguns adolescentes. Hoje a maioria dos jovens se preocupa mais com a imagem do que com o que queremos de verdade. Ouve-se quase sempre aquilo que está na moda. O que é velho não presta e “eu não curto” (nisso inclui-se a música também).
Vai levando-se a vida, deixando as coisas acontecerem, sempre “numa boa”, e o mundo se acostuma. Não são todos os jovens, e nem somente eles. É só pararmos para pensar por um instante. (Sempre aquela mesma história). Com o costume, nos afastamos do que dá trabalho, para salvarmos a nossa pele, para fugirmos da aspereza, para nos livrarmos do pudor. E aos poucos a vida vai driblando os caminhos, e perdendo-se de si mesma.
Bom...sem mais delongas, pois já me prolonguei demais, e não posso me acostumar com isso, não é? Então, como às vezes tomamos como referência atitudes, idéias e pensamentos dos outros, eis aí uma conclusão da Martha Medeiros:
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“(...) O que eu espero? Cada vez menos. Que eu não precise continuar deparando com discussões a respeito de quem usa e não usa calcinha, que um brinquedo não tenha seu preço aumentado do dia pra noite só porque é véspera de Natal, que todo mundo colabore de alguma forma para um mundo mais sensato e que as pessoas procurem ser menos patrulheiras e mais solidárias. (...) E esperando vamos adiante, um dia a gente decola.” – Martha Medeiros.
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[C. Foletto]

A gente só aprende aquilo que ama

2009-09-02T16:24:00.001-03:00

Hoje resolvi vir aqui por necessidade.
Durante os dias em que as nossas responsabilidades vão aumentando, quase sempre temos angústias, e elas nos consomem pouco a pouco, e em algum momento devem sair.

Como seria bom se a gente pudesse descartar as coisas que nos fazem mal, antes de a gente ficar sabendo disso. Seria interessante também se a gente não precisasse errar para poder acertar. E nem sofrer pra precisar aprender.
A nossa sorte é que para aquilo que a gente gosta, o sofrimento vira uma coisa boa. Como gostar de um instrumento e amar a música. Quando a gente gosta mesmo, tudo que se faz pra alcançar o sucesso não é mais do que a nossa maior alegria. Ao contrário do que a gente faz sem vontade, como obrigação. Deveríamos, antes de aprender, saber amar. Tudo teria um sabor mais gostoso, e seria mais prazeroso experimentar.
Duvido que algum aluno do Ensino Médio no Brasil ficaria desestimulado a - por exemplo -, estudar sobre como os alimentos funcionam no nosso corpo, se este mesmo aluno quiser ser um nutricionista no futuro. Ou um garoto que queira ser filósofo e não goste de filosofia.
O mesmo serve para o músico.
Ah se todos os jovens de hoje pudessem ter acesso às informações como as da teoria musical na escola. Mas não somente nas séries iniciais, mas sim durante toda sua formação, como um processo contínuo, assim como o português, a matemática, e a história. Só porque não vai "cair no vestibular"?
É esse o problema da nossa educação. Em muitos países desenvolvidos, o jovem quando já sabe mais ou menos a área em que vai querer trabalhar, não precisa mais ser um expert nas outras matérias. Claro que no nosso país, com essa educação, nunca com 13 anos de idade alguém vai ter certeza sobre o que quer da vida. Isso muitas vezes só gera desconforto, tristeza, e depressão aos nossos jovens, uma vez em que somos muito novos para saber o que vamos "ser quando crescer", e para tantas exigências numa idade de crescimento e desenvolvimento em que antigamente ainda se jogava bolita. Mas, para quê? Para sermos "compatíveis" e "competitivos" com os outros que disputam uma vaga com a gente na universidade? Tem lugares no mundo que nem vestibular tem. Tu entra na faculdade por suas notas na escola. Isso seria uma boa ideia, se fôssemos melhor instruídos psicologicamente desde cedo. Depois ainda querem nos enfiar na guela temas pra redação como "o século em que estamos vivendo nunca teve índices tão altos de problemas psicológicos". E a gente se acostuma.
Para mim, não adianta eu falar essas coisas sozinha. Os alunos de hoje-em-dia se acostumam a tudo isso, e alguns não sabem que se não colocarem suas ideias para fora, um futuro triste estará por vir.

Deixo aí as minhas ideias. Não estou fazendo um apelo para a educação de hoje, mas queria que os jovens desenvolvessem mais cedo aquilo que realmente gostam, e colocasse tudo o que pensam "para fora". Estamos perdendo a nossa infância, mas a nossa juventude ainda não nos foi tirada. Falta a gente descobrir a melhor maneira de desenvolvê-la, sendo feliz, e não nos estressando com aquilo que não nos é necessário. A gente precisa estudar não para entrar numa universidade e conseguir a maior pontuação. Pode ser que para chegarmos onde queremos, infelizmente, hoje precisamos seguir essas regras. Mas, se a gente se antenar, no futuro não precisa ser assim. Afinal, a gente só aprende aquilo que ama.
-
[Camille Foletto]

Pequenos Contos Pequenos.

2009-08-28T12:31:00.001-03:00

A vaca sem leite do flautista sem flauta.

-Se desviei do assunto, e esqueci a resposta, desculpe senhora, não foi minha intenção. Se lhe contei o começo de uma história que surgiu nesse mesmo lugar, desculpe novamente, mas terei que continuar.
Porque uma história tão bonita é esquecida pelos mortais? O que é uma história a menos ou uma a mais?
- Tanto faz! – E a professora continuou lendo seu romance.
Ao se levantar o aluno notou quantos olhares nele pousavam, e que cochichos ensurdecedores começavam. Sem prestar atenção nos demais, subiu na cadeira e vociferou:
- Quem conhece a história da vaca sem leite do flautista sem flauta? – Silêncio na sala - Pois bem, no ano de 1937, ano em que meu pai nasceu não havia muita música no lugar que Deus lhe deu. Quando via os pássaros cantarem os imitava sem perceber. Tinha lido em um livro que havia ganhado que um menino fantasiado cantava para si mesmo.
Foi criado pela selva, falava assoviando, falava cantando. Assim como eu, seu nome era “Fô Fé”, que na língua dos homens significa José.
José dos Santos, o flautista sem flauta.
-Por que sem flauta? – perguntou um aluno muito tímido que quase nunca falava. Todos ficaram surpresos ao ouvi-lo, não era comum escutar sua voz.
Até os sete anos meu pai assobiava, e assim ele conversava com todos os pássaros da região. Mas no dia 25 de Julho, dia de São Tiago, ele recebeu o recado de que haveria uma procissão. E foi assim, como adorava uma farra, um tumulto, lá foi ele atrás da camionete verde, que estava na frente de outra vermelha que dentro havia uma ovelha.
– Mééééé – Jonas, o bagunceiro da turma tinha dado os seus ares, e todos começaram a rir.
Mas sem perder o encanto, a história continuou.
E atrás dessa camionete vermelha que dentro havia uma ovelha havia um jovem flautista. Meu pai ficou olhando-o até perder-se de vista! Ficou encantado com aquela música, e com o respeito que o rapaz empunha sobre a banda. Que o seguia sem questionar.
Foi assim que meu pai quis ser flautista. Mas naquela época uma flauta transversa era muito cara, e não havia naquela região. E como não tinha dinheiro e era muito novo para o trabalho, tirou o pó do cofrinho e começou a juntar cada centavo.
Quando começou a juntar dinheiro, tinha apenas sete anos e meio. Nos seus aniversários pedia alguns trocados, e colocava no seu cofre. Começou a escutar música, ligava o rádio sempre no mesmo horário. Não sabia nada de música, mas a sentia.
- todos os alunos faziam silencio, e até a professora parou de ler seu romance para escutar a historia que estava começando a ficar interessante -
Abriu o cofre com 13 anos de idade, no mesmo dia que sairia da cidade para finalmente comprar sua tão desejada flauta. Enfim seu sonho viraria realidade!
Ao chegar à loja, encontrou sua flauta toda feita de prata. O preço estava alto, faltavam 50 cruzados. Ficou decepcionado. Mas seu avô já cansado com tanta chateação resolveu dar-lhe o dinheiro com uma condição: -
Tu cuida da minha vaca, que ontem acabei comprando. Tira o leite, põe no balde verde, cuidado para não virar no chão! E depois ao coar, despeja no galão.
E assim foi ele, voltando para sua casa feliz. Com seu sonho realizado. Tocava caminhando nos extensos campos. Suas mãos estavam já calejadas de tanta dedicação.
Mas seu avô andava meio bravo, porque achava que o dinheiro emprestado teria sido de nenhuma servidão, pois sequer uma gota de leite estava no galão. Por isso, tirava a seguinte conclusão:
- Ou o Zé tá falando a verdade, ou tomou tanto leite que o endoidou.
Mas José continuava com a mesma historia de que Jurema, a vaca, nenhuma gota de leite dava. E falava tão serio que até ele mesmo acreditava.
- Mas José tomava o leite? Porque flautista sem flauta? Afinal, ele não tinha conseguido depois de cinco anos comprar uma? – Perguntou Maria, a mais interessada de todas.
- Sim, meu pai tirava o leite, punha no balde verde, sem derramar no chão, coava e colocava no galão. No começo da matina ia para as zonas mais pobres, enchia as canecas de metal, apenas para ver o sorriso das crianças que nunca tinham natal. E o que sobrava, ele tomava.
Seu avô depois de um tempo ficou sabendo, e orgulhoso de seu neto lhe comprou uma flauta nova.
Mas meu pai que vivia tocando, achou muito complicado e acabou enjoando, por isso preferiu seguir assobiando. Sua primeira flauta está pendurada na parede lá de casa, ao lado do retrato de meu bisavô. E o novo instrumento que teria ganhado, está aqui comigo, bem guardado. Por isso vou correndo, porque para a aula de música estou atrasado!
– Soa o sinal. -

[Lucas Duarte da Silva]

Lembranças

2009-08-21T22:08:00.001-03:00

Que noite de sono.
Que dias estranhos.
Será que alguma outra vez poderemos viver dias que só nos façam bem? Independentemente da forma de ver as coisas, tudo que pudéssemos fazer seria bem interessante se só nos fizesse bem. E mesmo se não pudéssemos aprender muita coisa se só acertássemos na vida, seria interessante a experiência de ser perfeito.
E a música.
É interessante também a sensação que eu tenho, com a música. Digo isso nas vezes em que a culpa invade quando não estudo muito. E aí quando estudo um pouco, mesmo um pouquinho que seja, eu me encho de alegria e satisfação. Talvez seja a superação de sair da preguiça e ir até o instrumento, percebendo que isso é a coisa que eu sempre deveria ter feito.
Imagino que nem todo mundo entenda quando eu falo em "ir até o instrumento", mas, para mim, às vezes passo um tempo sem estudar, e quando começo a tocar parece que as coisas corriqueiras entram em segundo plano. Então, o tempo passa mais depressa, ou mais devagar, não sei distinguir.
Quando eu era menor, procurava meu violino pra fugir da tristeza que me envadia às vezes. Começava a solvejar minhas músicas, ia dormir com o bloquinho de anotações da mãe debaixo do travesseiro, como se aquilo me ajudasse a lembrar no outro dia. Sempre era assim, e eu ainda tenho vivas lembranças quanto a isso. Sentia-me muito mais feliz quando procurava a música. E quando ela me pertubava com suas canções à noite, (como hoje ainda faz) corria até o teclado da sala e tentava achar suas notas, que martelavam na minha cabeça. E então eu procurava na minha alma as notas que iam saindo e me libertando. Assim como o Suzuki fazia com as crianças chinezas em época de guerra, eu me libertava da minha tristeza através do meu violino.
Tomara que todo mundo tenha a chance de descobrir o caminho para se sentir mais feliz.

PS.: A foto não tem nada a ver com o que se trata o post. O sono me fez adicionar a primeira foto mais bonita que eu encontrei nas "minhas imagens".
PPS.: Na verdade a foto é da entrada do distrito de Vale Vêneto, de São João do Polêsine, em um dos dias do Festival de Inverno do ano passado. Aí tu vês um Pôr-do-sol meio arroxeado, depois de uma semana chuvosa e fria. Ao fundo se enxerga muito vagamente umas luzes, que são das tendas que vendem doces de noite, na entrada do refeitório. Está aí p/ todos os que participaram desse evento ano passado relembrarem esse Vale Encantado que nos faz tão bem e feliz.
-
[C. Foletto]

Ouvindo Guerra-Peixe (II - Música de Câmara: parte 1)

2009-08-15T21:26:00.001-03:00

Como estamos falando de Guerra-Peixe, não posso deixar de indicar essa completíssima página: http://www.guerrapeixe.com/. É o site do Projeto Guerra-Peixe, que conta com uma linha do tempo da vida do maestro, um catálogo completo da sua obra, 80 exemplos musicais selecionados por ele de sua obra, um método para violino, textos interessantíssimos da sua valiosa pesquisa no folclore brasileiro. Feito esse serviço, vamos às obras de hoje, que são todas de um CD (disponível para download no final do post) de título "Guerra Peixe - Música de Câmara", lançado em 1996. Com certeza ninguém ficará muito satisfeito com meus comentários, pois, primeiro, nunca havia feito isso antes e, segundo, sou suspeito para falar tanto da música de Guerra-Peixe quanto da de Piazzolla, que são duas grandes paixões. Vale comentar que a pianista do disco é Ruth Serrão, a intérprete para piano predileta de Guerra-Peixe, que estreou várias obras do maestro. Mas, vamos lá:

Trio para piano, violino e violoncelo (1960)

I. Allegro Moderato

II. Andante

III. Vivace

Esse trio é uma das obras mais encantadoras do maestro Guerra Peixe, já pertencente à fase nacionalista do autor. Já impregnado pelas descobertas, análises, resultantes de sua extensa pesquisa, os temas são muito brasileiros. O foclorismo desta obra é, segundo o próprio Guerra-Peixe caracterizado como "folclorismo diluído". Ou seja, trata de temas nacionais, utilizando elementos da música popular, mas com deformações, em busca da formação e consolidação de uma música erudita nacional, uma grande ambição e Guerra-Peixe durante toda a sua vida.

Duo para flauta e violino (1947)

I. Allegro

II. Lento

III. Presto

Esta obra pertence ao período dodecafônico de Guerra-Peixe. Interessante, mas não tanto quanto suas composições posteriores. Vou deixar o próprio Guerra falar sobre o dodecafonismo que iniciou junto com Santoro e Cia.: "éramos decididos apologistas do dodecafonismo - espécie de música que pretendíamos deformar ao nosso mundo, supondo, então, produzir obra de cultura nacional - quando, em meados de 1949, mudamos a nossa atitude técnica diante da música brasileira e dos sentimentos humanos" . É possível notar a grande vontade, desde muito cedo, da criação da cultura erudito-nacional no Brasil.

Quatro coisas para piano e harmônica de boca (1987)

I. Prelúdio

II. Movimentação

III. Interlúdio

IV. Caboclo de Pena

Influenciado, segundo ele próprio, pelas leituras e releituras de Mario de Andrade e (mais tarde)a Estética Georg Lukács, em 1949, Guerra-Peixe abandona totalmente a arte dodecafônica e direciona-se para a música tonal e de cunho nacionalista. De Andrade, traz a idéia de que "nos países em que a cultura aparece de empréstimo que nem os americanos, tanto o indivíduo como a Arte nacionalizada têm de passar por três fases: 1ª fase de tese nacional; 2ª a fase do sentimento nacional, 3ª a fase da inconsciência nacional." Nisso se inclui, então: o aproveitamento de temas folclóricos (1ª fase), elaboração de melodias de caráter nacionalista (2ª fase), encontro com a brasilidade essencial (3ª fase).

A partir do momento em que seleciona materiais de determinada manifestação folclórica, é, segundo Guerra Peixe, possível, "elaborálos a termos de valores artísticos, estilizando-os em alto nível, mas de modo a permitir (ou fazer pressentir) que a obra figurem, demarcadas, as características daquilo que é estilizado".

Estas "Quatro coisas" são, para mim, de um ar muito nostálgico e brilhante. A harmônica de boca é algo belíssimo que se adaptou muito bem ao cenário nordestino. É interessante notar também a escolha dos títulos das obras, que possuem caráter descritivo ou com aproximação de uma linguagem brasileira, e, mais especificamente, nordestina. O objetivo disso é "fornecer meios que auxiliem o ouvinte a desfrutar de uma audição completa da obra e a situar fonte folclórica que lhe serviu de inspiração".

Duo para clarineta e fagote (1970)

I. Allegro

II. Vivacissimo

III. Andante

IV. Allegro

Guerra-Peixe, dividiu suas obras nacionalistas em dois grupos: folclorismo direto, onde a música folclórica aparece da mesma forma que se dá onde se produz e folclorismo diluído, onde a música foclórica não se encontra mais pura, mas com seus elementos essenciais elaborados. Exemplos do folclorismo direto são o famoso Mourão (que hoje se tornou repertório quase obrigatório de orquestras de câmara brasileiras), o Dueto Característico para Violino e violão, o Concertino para violino e orquestra de câmara e a Suite n° 2 - [nordestina] para piano (ambas últimas já postadas aqui no blog). E exemplos de folclorismo diluído são todas as obras desse disco, excetuando-se o duo para flauta e violino.

De duração aproximada de 12 minutos, o duo para clarineta e fagote é uma bela mostra do folclorismo diluído. Tem uma linguagem incrível e uma sonoridade envolvente, se não melhor, cativante. Uma obra ao mesmo tempo nostálgica e alegre.

Sumidouro (1980), 'Cantoria para violino, violoncelo, piano e barítono, sobre poesia de Olga Savary'

I. Noite-Dia (Pitúna-Ára)

II. Itinerante (Nuvem)

III. Interlúdio (Instrumental)

IV. Sumidouro

No texto de apresentação para a estréia dessa obra, há evidente mostra da infueência de Georg Lukács. Guerra-Peixe afirma que o filósofo diz que "as artes, inclusive a música, são geradas segundo uma concepção mimética, sendo mimetismo o fenômeno que consiste em tomarem diversos seres a configuração e/ou coloração dos objetos em cujo meio vivem".

Ricardo Amado - violino
David Chew - violoncelo
Ruth Serrão - piano

Pauxy Gentil-Nunes - flauta

Rildo Hora - harmônica de boca

José Bothelho - clarineta

Noël Devos - fagote

Inácio de Nonno - barítono

RioArte Digital1996
DOWNLOAD

Frases de Guerra Peixe e citações entre aspas retiradas de VENTROMILLA, Clayton. Guerra Peixe: considerações... Per Musi. Belo Horizonte, n.14, 2006, p.82-92
[Gerson Tadeu Astolfi]

P.S.: A próxima e última postagem de Guerra Peixe terá exemplos em arquivo de áudio do folclorismo direto e obras para violão e violão e orquestra. Até!

Bobagem

2009-08-15T20:28:00.001-03:00

Acredito que escrever em um blog sobre música não é algo tããão simples assim. Não digo isso porque no início imaginei que seria assim, e aos poucos percebi que não era "bem assim". Também não digo por questões de assunto, pois sempre tenho alguma idéia para postar por aqui.
Quando digo que a coisa não é tão simples, me refiro ao fato de que às vezes sinto que o jovem hoje em dia está mais crítico em relação a certas coisas. Quando vê algo na web que não lhe agrada, ou lê uma opinião com a qual não concorda, às vezes torna-se fatal.
Mas...que nada! Bobagem. Eu não sei dizer o que se passa nos pensamentos por aí...
Por exemplo. Pode acontecer de alguém ler um post por aqui e não gostar de alguma coisa que leu. E isso é normal.
Eu, quando acesso um blog e não concordo com alguma coisa, não tenho mais interesse por lá.
Ah, ok.
E agora você me pergunta. O que isso tem a ver? Por que eu resolvo escrever isso agora? E aqui!?

Bom, estava dentro do carro de volta de uma viagem quando me veio na cabeça algumas idéias. Pensei em vir escrever aqui, mas então comecei a relacionar o que escrevo com o leitor, diretamente. Como você se veria lendo algo aqui. E não gostei muito da imagem. Nem muito da minha imagem. Talvez porque nós não somos aquilo que pensamos que somos, e sim, a gente se transforma no que os outros veem em nós. Mas, tudo bem.
E, depois desse lenga lenga. Bom...aliás, se você ainda estiver aí:
Vamos acreditar mais em nós mesmos. Você não precisa acreditar em mim. Se quiser, não venha mais aqui (desculpe colegas do blog.) A minha intenção não é forçar pessoas a lerem os posts. Quero divulgar a música, e as ideias dos jovens músicos de hoje. E cada um da sua maneira. Sim, não faça o que você acredita que não seja bom para você. Pelo menos por aqui pela web. Vamos descobrir mais música dentro de tudo o que existe.
Eu, eu quero isso. Eu sei. Música.
Busque saber cada vez mais sobre as coisas que existem, entendendo-as; Mesmo que não se saiba a resposta. Como diz aquela propaganda do canal Futura: Não são as respostas que movem o mundo, são as perguntas.
E não se preocupe. Isso é apenas a minha opinião. Só mais um post que você acha por aí. Não se trata de nenhum "Filtro Solar".
Quanto ao blog...se você chegou até esse fim de texto, está convidado a continuar acompanhando as coisas por aqui. Mesmo que não acredite em mim! :P
-
[C. Foletto]

Leitura: O Discurso dos Sons - Nikolaus Harnoncourt

2009-08-15T15:46:00.002-03:00

“Ouvimos, atualmente, muito mais música que antes – quase ininterruptamente – mas esta, na prática, representa bem pouco, possuindo não mais que uma função decorativa”
Nikolaus Hornoncourt

Esse é, sem dúvida, um livro especial. Com uma linguagem muito simples, vai direto ao ponto, abordando importantes temas fundamentais da música, mas não como qualquer outro livro, com uma abordagem mais moderna e inovadora, apesar de tratar da música do passado. Nikolaus Harnoncourt vai contra a idéia de que a música está escrita como está e deve ser interpretada ao “pé da letra” (uma técnica que só serve para interpretação da música mais recente – que, na partitura, está totalmente, ou quase, descrita a execução).
O problema da interpretação do barroco, atualmente, é a insistência dos músicos em aplicar os mesmos princípios adotados na música de concerto contemporânea (do século XIX até hoje), ignorando as características idiomáticas de cada período musical. O livro também pondera a questão da escrita musical do passado: alguns elementos como indicações de andamento e articulação, apesar de serem similares aos atuais, possuem significações diferentes. A abordagem do legato é muito interessante.
Na segunda parte do livro, Harnoncourt conta uma pequena história dos instrumentos e da orquestra e suas modificações através do tempo, além de mostrar a relação entre a “palavra e o som na música instrumental”.
Para Myrna Herzog, o livro é “o mais importante lançamento na área de música feito em língua portuguesa” e o “acesso a este livro é um real privilégio para o estudante, o músico, enfim, todo aquele que não se contenta com assuntos fechados e respostas pré-fabricadas”. É uma leitura indispensável para o estudante de música.
Como disse uma vez Piazzolla, é muito mais difícil ser simples do que complicado. Sem dúvida, quem realmente entende do que fala é simples e claro, como faz Harnoncourt nesse livro. Mas paro minha descrição por aqui, pois acho que a forma mais direta de dar uma idéia da obra é listar os capítulos, para que se tenha uma idéia geral dos temas abordados:

I – Princípios Fundamentais da Música e Interpretação
A música em nossa vida;
A interpretação da música histórica;
Compreensão da música e formação musical;
Problemas de notação;
A articulação;
O andamento;
Sistema sonoro e afinação;
Música e sonoridade;
Instrumentos antigos – sim ou não?;
A reconstituição em estúdio das condições sonoras originais;
As prioridades – hierarquia dos diferentes aspectos;

II – Instrumentarium e Discurso Musical
Viola de brazzo e viola da gambá;
O violino – o instrumento barroco solista;
A orquestra barroca; A relação palavra-som na música barroca instrumental;
Do barroco ao classicismo;
Nascimento e evolução do discurso musical;

III – Música Barroca – Mozart
Música programática – o op. 8 de Vivaldi;
O estilo italiano e o estilo francês;
Compositores barrocos austríacos;
Telemann – os gostos reunidos;
A música instrumental barroca na Inglaterra;
Concerto grosso, trio sonata – na obra de Haendel;
O que diz um manuscrito autógrafo;
Os movimentos de dança – As Suítes de Bach;
Música barroca francesa – novidade apaixonante;
A ópera francesa – Lully e Romeau;
Reflexão de um músico de orquestra sobre uma carta de W. A. Mozart.

Editora Jorge Zahar Editora
272 páginas

[Gerson Tadeu Astolfi]

O Recital, de Luis Fernando Veríssimo

2009-08-13T15:08:00.002-03:00

Encontrei um conto interessante para ser lido criticamente, ou somente por diversão. Retirei-o do meu livro Comédias para se Ler na Escola, da Objetiva, lançado em 2001. Ao final do texto você pode não ter intendido a moral, mas é curioso como o autor, que quando pequeno seu negócio era mesmo um bom solo de saxofone trata a ocasião de um Recital.

"Uma boa maneira de começar um conto é imaginar uma situação rigidamente formal - digamos, um recital de quarteto de cordas - e depois começar a desfiá-la, como um pulôver velho. Então, vejamos. Um recital de quarteto de cordas.

O quarteto entra no palco sob educados aplausos da seleta platéia. São três homens e uma mulher. A mulher, que é jovem e bonita, toca viola. Veste um longo vestido preto. Os três homens estão de fraque. Tomam os seus lugares atrás das partituras. Da esquerda para a direita: um violino, outro violino, a viola e o violoncelo. Deixa ver se não esqueci nenhum detalhe. O violoncelista tem um grande bigode ruivo. Isto pode ser revelar importante mais tarde, no conto. Ou não.

Os quatro afinam seus instrumentos. Depois, silêncio. Aquela expectativa nervosa que precede o início de qualquer concerto. As últimas tossidas da platéia. O primeiro violinista consulta seus pares com um olhar discreto. Então todos prontos, o violinista coloca seu intrumento sob o queixo e posiciona seu arco. Vai começar o recital. Nisso...

Nisso, o quê? Qual é a coisa mais insólita que pode acontecer num recital de um quarteto de cordas? Passar uma manada de zebus pelo palco, por trás deles? Não. Uma manada de zebus passa, parte da platéia pula das suas poltronas e procura as saídas em pânico, outra parte fica paralisada e perplexa mas depois tudo volta ao normal. O quarteto, que manteve-se firme em seu lugar até o último zebu - são profissionais e mesmo aquilo não pode estar acontecendo -, começa a tocar. Nenhuma explicação é pedida ou oferecida. Segue o Mozart.

Não. é preciso instalar-se no acontecimento, como a semente da confusão, uma pequena incongruência. Algo que crie apenas um mal-estar, de início, e chegue lentamente, em etapas sucessivas, ao caos. Um morcego que pousa na cabeça do segundo violinista durante um pizzicato. Não. Melhor ainda. Entra no palco um homem carregando uma tuba.

Há um murmúrio na platéia. O que é aquilo? O homem entra, com sua tuba, dos bastidores. Posta-se ao lado do violoncelista. O primeiro violinista, retesado como um mergulhador que subitamente descobriu que não tem água na piscina, olha para a tuba entre fascinado e horrorizado. O que é aquilo? Depois de alguns instantes em que a tensão no ar é como a corda de um violino esticada ao máximo, o primeiro violinista fala:

- Por favor...

- O quê? - diz o homem da tuba, já na defensiva. - Vai dizer que eu não posso ficar aqui?

- O que o senhor quer?

- Quero tocar, ora. Podem começar que eu acompanho.

Alguns risos na platéia. Ruídos de impaciência. Ninguém nota que o violoncelista olhou para trás e quando deu com o tocador de tuba virou o rosto em seguida, como se quisesse se esconder. O primeiro violinista continua:

- Retire-se, por favor.

- Por quê? Quero tocar também.

O primeiro violinista olha nervosamente para a platéia. [...]

- Por favor. Isto é um recital para quarteto de cordas. Vamos tocar Mozart. Não tem nenhuma parte para a tuba.

- Eu improviso alguma coisa. Vocês começam e eu faço o um-pá-pá.

Mais risos da platéia. Expressões de escândalo. De onde surgiu aquele homem com uma tuba? Ele nem está de fraque. Segundo algumas versões veste uma camisa do Vasco. Usa chinelos de dedo. A violista sente-se mal. O violinista ameaça chamar alguém dos bastidores para retirar o tocador de tuba à força. Mas ele aproxima o bocal do seu instrumento dos lábios e começa:

- Se alguém se aproximar de mim eu toco pof! [...]

- Está bem - diz o primeiro violinista. - Vamos conversar. Você, obviamente, estrou no lugar errado. Isto é um recital de cordas. Estamos nos preparando para tocar Mozart. Mozart não tem nenhum um-pá-pá.

- Mozart não sabe o que está perdendo - diz o tocador de tuba, rindo para a platéia e tentando conquistar a sua simpatia.

Não consegue. O ambiente é hostil. O tocador de tuba muda de tom. Torna-se ameaçador:

- Está bem, seus elitistas. Acabou. Onde é que vocês pensam que estão, no século XVIII? Já ouve 17 revoluções populares depois de Mozart. Vou confiscar estas partituras em nome do povo. Vocês todos serão interrogados. Um a um, pá-pá.

Torna-se suplicante:

- Por favor, só o que eu quero é tocar um pouco também. Eu sou humilde. Não pude estudar instrumento de corda. Eu mesmo fiz esta tuba, de um Volkswagen velho. Deixa...

Num tom sedutor, para a violista:

- Eu represento os seus sonhos secretos. Sou um produto da sua imaginação lúbrica, confessa. Durante o Mozart, nesse quarteto antisséptico, é em mim que você pensa. Na minha barriga e na minha tuba fálica. Você quer ser violada por mim num alegro assai, confessa...

Finalmente, desafiador, para o violoncelista:

- Esse bigode ruivo. Estou reconhecendo. É o mesmo bigode que eu usava em 1968. Devolve!

O tocador de tuba e o violoncelista atracam-se. Os outros membros do quarteto entram na briga. A platéia agora grita e pula. É o caos! Simbolizando, talvez, a falência final de todo o sistema de valores que teve início com o iluminismo europeu ou o triunfo do instinto sobre a razão ou, ainda, uma pane mental do autor. Sobre o palco, um dos resultados da briga é que agora quem está com o bigode ruivo é a violista. Vendo-a assim, o tocador de tuba pára de morder a perna do segundo violinista, abre os braços e grita: 'Mamãe!'.

Nisso, entra no palco uma manada de zebus."

[Camille Foletto]

Música e Cinema, a 1° e a 7° artes

2009-08-12T14:34:00.001-03:00

Eventualmente, tenho participado de um curso sobre cinema na minha escola. Na primeira vez em que ouvi as palavras "curso" e "cinema", logo imaginei o cinema que a gente vê em shoppings centers e os filmes que a gente aluga na locadora. No fundo eu sabia que não aprenderia como ser uma atriz, mas nunca havia imaginado que essa área do audivisual é tão vasta e interessante hoje em dia.
Não sou muito boa para descrever as aulas que tive...coisas mais técnicas. Mas a parte que mais me interessou foi a dos elementos dessa arte. Durantes alguns meses, estaremos produzindo dois curta metragens, de 10 minutos cada, com direção totalmente nossa, desde as câmeras até a edição. Tudo isso com a orientação da documentarista Carolina Berger.
Mas um ponto interessante que me despertou a atenção foi como podemos relacionar a música, de todas as formas e de todos os tipos e maneiras, com o cinema. Imagine um filme sem som, ou com uma mesma música até o fim. Até o cinema mudo sempre teve som. E o cinema é, na minha opinião uma das artes (sim, ele é denominado a sétima arte) em que a música, principalmente o som pode ser melhor explorado. Talvez eu diga isso por não conhecer muito bem todas as artes, mas, hoje, assim penso eu.
Quem tem interesse no assunto, aqui temos uma lista de compositores de trilhas sonoras, e aqui você encontra links para Cinematografias nacionais, Cineclubismo, Indústria cinematográfica, o que fazem os Profissionais do ramo, Cineastas e realizadores, Festivais, Prêmios, Formas de cinema, e outras coisas mais.
Sem mais delongas, eu nem me atrevo a falar muito sobre essa arte, que engloba muita coisa hoje em dia.
Seria interessante se os jovens tivessem mais contato com esse tipo de coisa. Não somente comprar um ingresso para ir ao cinema e ser impanturrado de publicidade. Seria interessante se soubéssemos apreciar da maneira certa essa arte. E mais do apreciar, criticar, saber e escolher o que é melhor para nós. Assim como a música, a produção de audovisual no mundo todo tem uma história interessante e vem crescendo cada vez mais. No Brasil, esse processo no início não foi muito bem sucedido.
A primeira exibição de cinema no Brasil aconteceu em julho de 1896, no Rio de Janeiro, poucos meses após o invento dos Irmãos Lumière. Fora do eixo Rio-São Paulo, o cinema brasileiro produziu uma série de ciclos de pequena duração, todos com entusiasmo inicial, realizações precárias, algum sucesso local, dificuldades num mercado dominado pelo produto estrangeiro.
Com a ditadura militar, uma nova geração de cineastas responde à nova situação política do país com mais radicalidade: Em vez de se espelhar no melhor cinema europeu para fazer filmes que o público não vê, a idéia é desvirtuar a linguagem do pior cinema norte-americano, a que o público está acostumado.
"Mas é com a criação da Empresa Brasileira de Filmes (Embrafilme), em plena ditadura militar (1969), que o Estado passa a financiar a produção.
Nos anos 70, a palavra de ordem dos ex-cinemanovistas é "Mercado é cultura". Tratava-se de fazer com que os filmes brasileiros fossem vistos pelo público de cinema no Brasil. E, de certa forma, graças às produções da Embrafilme de um lado, às produções baratas da turma da pornochanchada de outro, aos filmes infantis dos Trapalhões de um terceiro, e ainda a um novo 'star-system' gerado pela televisão, isso foi conseguido.
Em outubro de 1982, a crise econômica do país piora com a falta de dinheiro para pagar a dívida externa. Falta dinheiro para que o consumidor brasileiro possa ir ao cinema, falta dinheiro para produzir filmes. A produção cai. A partir de 1995, começa-se a falar numa "retomada" do cinema brasileiro. Em 1997, para alcançar o mercado cinematográfico, as Organizações Globo criaram sua própria produtora, a Globo Filmes, empresa especializada que veio a reposicionar o cinema brasileiro em, praticamente, todos os segmentos." [Wikipedia]
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[Camille Foletto]

Uma Reflexão Pertinente de Myrna Herzog

2009-08-12T12:08:00.001-03:00

Estava lendo um livro e em seu prefácio, encontrei uma reflexão interessante que gostaria de passar para vocês:
"Se em muitos campos do conhecimento e das artes o Brasil caminha [...], na música o mesmo não acontece, principalmente na área de formação musical. Contamos com certo número de bons músicos e inúmeros talentos despontando. Mas em geral o ensino de música no país [...] é feito de uma forma insípida e fechada, deixando de cultivar os hábitos salutares da dúvida, questionamento, indagação. Apesar do talento e dedicação de alguns professores , o processo de formação do músico no Brasil é mais de adestramento que de enriquecimento. É dada primazia absoluta à técnica, enquanto a interpretação e a compreensão de diversos estilos (e sua relação com as outras artes) é colocado em segundo plano ou inteiramente esquecida.
Os estudantes de música no Brasil, em geral, não criam hábitos de leitura ou pesquisa (espontânea). Aqui ainda prevalece a idéia "romântica" de que o músico deve tocar apenas com a "sensibilidade" e o "sentimento", não necessitando ler, analisar ou questionar. Freqüentemente ainda, o músico erudito brasileiro quase não ouve discos ou vai a concertos. [...]. É como se o conhecimente que lhe é oferecido pelo ensino oficial viesse acompanhado simbolicamente de uma tarjeta "verdade absoluta e incontestável", e assim sendo, o estudante de música, mais tarde o músico profissional, não se sente nem com o direito nem com o interesse de procurar, de duvidar."

Myrna Herzog

[Gerson Tadeu Astolfi Vivan Filho]

Música para cantar e (re)lembrar...

2009-08-08T15:02:00.001-03:00

Aí vão algumas sugestões para o final de semana de quem gosta de relembrar os velhos tempos:

Como esse é o ano de comemoração aos 40 anos do renomado disco Abbey Road, dos Beatles, não poderíamos deixar de falar do Beatlestube. (Quem é fã da banda aqui encontrei um artigo bom, e resumido. Aliás, foi desse artigo que retirei a foto aí do lado.)

O Beatlestube contém todos os vídeos da banda que podem ser encontrados na Web. Ao menos é isso que encontramos na página principal. O site traz a letra de todos as músicas dos caras, e depoimentos sobre o processo de composição das canções. Tem desde os clipes caseiros encontrados no You Tube até os clássicos.
Ainda tem o "The Bea tles Radio" , vídeos de covers e animações.

No mesmo sistema, também existem o Elvistube, Queentube, StonesTube, e o U2tube.
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Quem tem curiosidade por saber quais eram as músicas que faziam sucesso quando o seu avô nasceu, pode conferir aqui. O site possui as 100 canções que fizeram sucesso em cada ano nos últimos 100 anos. A partir de 1935, você encontra o link para o videoclipe das músicas direto do You Tube.

Enjoy it!
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[Camille Foletto]

2009-08-07T15:52:00.000-03:00

Às vezes me pego pensando sobre o que eu devo fazer com a música. Não no sentido ao pé da letra, mas sim no sentido de que quanto mais eu me aprofundo no assunto, mais eu vejo significado para tudo que eu faço, e ao mesmo tempo parece que não faz sentido nenhum.
Talvez o grande desafio de músico de hoje é descobrir qual é a verdadeira vocação em tudo o que se faz. A grande diferença entre bons músicos e músicos "amadores" às vezes não está somente na experiência, e sim na vontade de se fazer música, na humildade, e no amor por essa arte.
Você pode ser bom em compor canções, bom na interpretação de músicas, bom na parte teórica...mas se tudo não fizer sentido para você, também não fará sentido para o ouvinte.
O que o mundo precisa é de pessoas que tenham amor por o que fazem. Claro, não estou querendo dizer que um médico não tenha amor por sua profissão, mas se todas as pessoas escolhessem com o coração aquilo que deseja fazer por toda uma vida, alguns problemas que o mundo de hoje enfrenta seriam parcialmente resolvidos.

Hoje eu posso dizer que penso isso...que essa é a minha opinião. Talvez amanhã eu já não pense dessa maneira. Mas se, desde jovem, refletirmos com carinho sobre alguns valores e o porquê de estarmos onde estamos, fazendo o que estamos fazendo, quando chegarmos no lugar certo, na hora certa, e na circunstância certa, com certeza alguma coisa boa vamos tirar de tudo isso. O desafio é cada um descobrir a sua maneira para chegar a esse caminho, e com sucesso.
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[Camille Foletto]

Música no Caos

2009-08-04T14:36:00.001-03:00

Às vezes acho que estou começando a entender o sentido da vida. Penso que conheço tudo, e que agora só tenho que continuar a viver. Mas não é bem assim. Quanto mais pensamos que sabemos, menos a gente sabe. E vamos batendo a cabeça eternamente, pois nosso ego não nos permite aceitar a nossa própria ignorância. Não acredito que haja um ser neste mundo que de todas as coisas saiba um pouco, que já tenha andado por todos os lugares, escutado todas as piadas e todas as músicas.
Hoje fui ao dentista que fica na Rua General Vitorino, no centro. Quando estava voltando pela Rua da Praia, comecei a escutar um violão que tocava uma música que combinava perfeitamente com aquele cenário de caos que é o centro de Porto Alegre. Olhei para o lado e vi uma mãe índia sentada na calçada amamentando seu filho, centenas de pessoas passando por mim, me oferecendo coisas, querendo fazer pesquisas e até querendo me encaminhar a um dentista. Mal sabiam que acabava de sair de um.
Quando cheguei onde o violonista estava, parei um pouco para escutar. Afinou o violão com cara de quem não estava gostando. O sol, o vento ou o tempo, o teriam desafinado. Começou a tocar. Era uma música instrumental, estilo gaucha, estilo virtuoso. A música foi soando, meus ouvidos foram se aperfeiçoando e nenhuma moeda caiu no chão.
O sol batia forte, pessoas apressadas passavam sem olhar, na outra esquina índios tocavam suas típicas canções, as crianças batiam o pé no chão e cantavam de olhos fechados.
O violonista terminou sua música e sem esperar aplausos afinou seu violão novamente. Eu vi que seu nome era Antonio. Só não sei da onde e nem como, ele parou ali. Pelo que eu vi pareceu ser um bom músico, mas parecia triste. Creio que seu sonho seria tocar em grandes teatros com um grande público que estava lá para escutá-lo. Apenas isso. Mas ele estava no centro de Porto Alegre. Tocando uma música melancólica.

Nós somos Jovens Músicos. Com sonhos e metas a serem cumpridas. Somos jovens e pensamos que sabemos o que queremos, mas todos os dias nossas mentes se deparam com grandes e difíceis perguntas, que apenas nós e o tempo sabemos responder.
Quando vi aquele músico tocando no centro me perguntei se eu acabaria ali, que nem ele.
E foi isso que me deu a inspiração para escrever.
Hoje fui ao dentista.
Hoje fui escritor.

Romance de Amor é uma das mais famosas peças para violão clássico.

[Lucas Duarte da Silva]

Ouvindo Guerra-Peixe (I - Obras Sinfônicas)

2009-07-28T19:36:00.001-03:00

Acho de grande valia disponibilzar aqui algumas obras para download de César Guerra-Peixe. O texto das obras sinfônicas é do CVL, do blog PQP Bach.

PRINCIPAIS OBRAS SINFÔNICAS DE GUERRA-PEIXE:

Museu da Inconfidência (Impressões de uma visitação em 1966)
1. Entrada (Andante)
2. Cadeira de arruar (Allegro moderato)
3. Panteão dos inconfidentes (Larghetto)
4. Restos de um reinado negro (Vivace)

É a melhor, mais gravada e mais popular de todas elas – principalmente pelo segundo movimento, Cadeira de arruar – e a qual vocês devem ouvir primeiro, para ter uma boa impressão do Guerra. No próprio ano de estréia da suíte, 1972, ela foi gravada pela Sinfônica Brasileira, sob a batuta de Karabtchevsky, num vinil da Philips, junto com o Choros n° 6 do Villa e Mosaico, de Marlos Nobre.
O curto e solene movimento de abertura, que um compositor amigo meu e ex-aluno do Guerra me disse ser totalmente Paul Hindemith, reaparece no final do último movimento, um rondó que reveza um tema heróico, referente aos tempos de glória dos reinos africanos de onde saíram os escravos brasileiros, e um lamentoso jongo (ritmo precursor do samba) cantado pelo fagote, emulando um canção para distrair o trabalho e para amenizar a saudade que o escravo sentia de sua terra.
O segundo movimento resgata a atmosfera zombeteira dos escravos que caçoavam do senhor deles, sem este saber, enquanto levavam-no na cadeira de arruar (de andar pela rua) para ver as festividades profanas. O terceiro movimento, misterioso e triste, evoca o luto pelos que morreram nas manifestações de 1792, o qual se sente ao se quedar ante o panteão do museu ouropretano.
Orquestra do 18° Festival de Música de Londrina, regida por Norton Morozowicz

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A retirada da Laguna
A retirada da Laguna (1971), a obra mais extensa do Guerra, foi baseada no livro de Visconde de Taunay (escritor, militar, historiador, político e também compositor, tendo apreço por Leopoldo Miguez e Carlos Gomes, e a quem meus colegas do tempo de escola chamavam de Visconde do Tonel), que por sua vez relata um dos episódios mais desastrados [e desastrosos] das tropas brasileiras na Guerra do Paraguai.
Este registro tem valor por trazer o próprio compositor como regente. Pertence a uma série lançada pela Funarte, primeiro em vinil depois em CD, na qual os autores regiam suas obras. Apesar de bem orquestrada e de bom apelo cinematográfico, a suíte é meio naïf, como a Sinfonia Brasília. É uma obra que valeria uma nova gravação, com uma grande orquestra e um bom maestro, para fazê-la render melhor.

Orquestra Sinfônica da Rádio MEC, regida por Guerra-Peixe
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Sinfonia n° 2 – Brasília e Tributo a Portinari

Tributo a Portinari (1991) foi a última grande criação de Guerra-Peixe, escrita enquanto ele usufruía de uma bolsa da Fundação Vitae. A orquestração belipisciana continua pragmática e indefectível, disposta à la Beethoven mas tratada à la Copland, vinte anos depois da Retirada, do Museu e do Concertino. Podem observar que, independente da linha estética seguida, seus alunos – como Ernani Aguiar e Guilherme Bauer – a adotaram, devido sobretudo à economia (facilita a contratação de músicos).
Cordas sem divisi, madeiras aos pares, nunca com clarone ou contrafagote, sem recorrer ao piano e à harpa, raramente solicitando a celesta, usando dois ou três trompetes, quatro trompas e dois ou três trombones, dispensando por vezes à tuba, utilizando no máximo três percussionistas e reservando ostinati únicos aos tímpanos. E nunca repetindo uma seção anterior da peça sem modificá-la minimamente: A voltará como A’ (A linha), não como A.
Quatro quadros do mais célebre pintor que tivemos no Brasil serviram de base para a obra: Família de Emigrantes (na verdade, Retirantes), Espantalho, Enterro na rede e Bumba-meu-boi. Acontece que não existe somente uma tela que equivalha à cada título – pode fazer o teste no site da Fundação Portinari. E sobre cada movimento desse “Quadros de uma exposição” brasileiro (se bem que pela ausência de um tema ao estilo do Promenade, tal título cabe melhor ao “Museu”, pela sua “Entrada”) teria não sei quantas linhas a dizer; vamos adiante, que é melhor.
Quando da inauguração de Brasília, abriu-se um concurso para premiar uma sinfonia que tivesse a cidade como tema. Camargo Guarnieri tava escrevendo a dele, mas foi chamado para integrar o júri e arquivou a idéia até estrear sua Sinfonia n° 4 (1963). JK tinha encomendado a Tom e Vinícius tal sinfonia programática, mas por contratempos diversos a Sinfonia da Alvorada (1960) só foi ouvida em 1966 (e pela segunda vez vinte anos depois), uma verdadeira porcaria que vai ficar aqui mofando na minha discoteca.
Por não sei que cargas d’água, não se concedeu o primeiro lugar no referido concurso e o segundo foi dividido entre Guerra-Peixe, com a Sinfonia n° 2 (1960), Cláudio Santoro e José Guerra Vicente. É a obra mais ampla da fase nacionalista do Guerra, já adentrando na universalista; não vejo muita coisa de especial nela, exceto pelas palavras de JK no último movimento, no mais parafraseador estilo “Um retrato de Lincoln”, de Copland.

1. Tributo a Portinari
I – Família de Emigrantes II – Espantalho III – Enterro na Rede IV – Bumba-Meu-Boi
Sinfonia n° 2 – Brasília

Sinfonia nº2: Brasília

2. I – Allegro ma non troppo/O candango em sua terra/A caminho do Planalto/Recordações que o acompanham/Chegada alegre

3. II – Presto/Trabalho

4. III – Andante/Elegia para o ausente

5. IV – Allegretto con moto/Manhã de Domingo/Allegretto/Tarde infantil/Andante/Desce a noite/Presto/Volta ao trabalho/Moderato/Inauguração da cidade/Allegro ma non troppo/Apoteose

Gravado ao vivo com a Orquestra Sinfônica de Porto Alegre, regida por Ernani Aguiar
Na Sinfonia n° 2 participam:Coral da OSPA

Narrador: João Antonio Lopes Garcia
Texto: Juscelino Kubitschek, trecho do discurso da inauguração de Brasília
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Concertino para violino e orquestra de câmara (e outras peças)

O Concertino para violino e orquestra de câmara (1972), atendeu a um pedido de Cussy de Almeida, violinista e então maestro da Orquestra Armorial. No entanto, Cussy nunca executou a obra porque Guerra-Peixe confiou a première a Stanislaw Smilgin. O Concertino nem é a cara da Orquestra Armorial; se ele fosse escrito na fase nacionalista do Guerra, aí sim - mas o Movimento Armorial nasceu em 1970.
A presente gravação estava nos meus arquivos em mp3 que baixei da net. O LP de onde saiu o Concertino contém três peças breves para piano – as peças para violão e Espaços sonoros, o dono do disco juntou ao criar um CD caseiro.

Concertino para violino e orquestra de câmara: 1. I. Allegro comodo 2. II. Andantino 3. III. Allegro un poco vivoOrquestra não identificadaRegência: Guerra-PeixeViolino: Stanislaw Smilgin
4. Peça p’ra dois minutos
Suíte n° 2 – Nordestina
5. I. Violeiros
6. II. Caboclinhos
7. III. Pedinte
8. IV. Polca
9. V. Frevo
10. Miniaturas n° 4Allegretto – Adágio – Presto
Sônia Maria Vieira, piano
11. Lúdicas n° 5
12. Lúdicas n° 10
13. Prelúdio n° 1
14. Prelúdio n° 2
15. Prelúdio n° 5
16. Peixinhos da Guiné

Sebastião Tapajós, violão
Espaços sonoros
17. Estático
18. Dinâmico
Trompa: Francisco de Assis SilvaPiano: Sarah Higino
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[Gerson Tadeu Astolfi Vivan Filho]

Guerra-Peixe e Dodecafonismo

2009-07-28T18:47:00.001-03:00

Com essa conversa sobre dodecafonismo da Camille me lembrei do grande compositor brasileiro Guerra Peixe (1914 - 1993), muito conhecido por suas obras sinfônicas, seus arranjos, e o unânime Mourão, que viru repertório quase obrigatório nas orquestras brasileias de câmara.
O que não é tão famosa é a sua obra dodecafônica. Além do mais, acontece que o próprio Guerra-Peixe simplesmente renegou obras suas desse pequeno, mas muito produtivo, período de sua vida. Apesar de, na época ter tido muitas repercussões na época, hoje, em muitos aspectos, é bem desconhecida.

Filho de portugueses, Guerra esteve desde cedo em contato com música e, com nove anos, tocava violino, bandolim, piano e violão. Teve contato com a música dos gupos folclóricos do sudeste, o que marcou bastante sua infância. Em 1944, após terminar o curso da mEscola Nacional de Música, com ênfase em contraponto, fuga e composição, teve contato com o dodecafonismo de Schoenberg, por meio do professor Koellreuter. Participou do Grupo Música Viva, com Cláudio Santoro, Edino Krieger e Eunice Catunda. No início, sua obra dodecafônica foi completamente antinacionalista, alienada da música brasileira.

Com "Música n.º 1 para piano e solo" que ele começa a pensar numa perspectiva de música dodecafônica nacionalista, com base em valores da música brasileira, principalmente rítmicos. Neste período que surgiu a sua Sinfonia Nº 1. Já em 1949 encerra-se sua fase dodecafônica, que dá espaço à sua famosa obra nacionalista, após um bom tempo vivendo no nordeste, onde estudou a fundo a música daquela região.

Segundo a pianista Ruth Serrão, "Muitos compositores vivem ou viveram à sombra de Villa-Lobos. Quando Guerra-Peixe abraçou o nacionalismo em 1949, tinha consciência dessa força e decidiu procurar seu próprio caminho, começando por se mudar para Recife, afastando-se das influências do Rio de Janeiro. Guerra-Peixe nos deixou também um legado definitivo como compositor, pesquisador, e formou uma escola de composição em Minas e outra no Rio."

Da fase dodecafônica de Guerra-Peixe, praticamente não há gravações. Acerca desse mestre, não há mais muito a dizer, sua importância é inegável. Os estudos que fez sobre a música nordestina foi algo notável, que serve até hoje para quem vai se aventurar com as sonoridades do sertão. Além de exímio compositor, foi também famoso arranjador para música popular. O arranjo daquela famosa marcha "Noventa milhões em ação. Pra frente Brasil!..." é dele.

[Gerson Tadeu Astolfi]

Sim, um texto muito extenso, para início de conversa...

2009-07-25T01:41:00.001-03:00

Para início de conversa, essa é a terceira vez que eu tento começar a escrever alguma coisa. Não sei se é porque não tenho uma visão muito clara sobre o que escrever, ou por eu ter tantas coisas na minha cabeça que já não sei por onde começar.
Ou um, ou outro (ou os dois). Mas a verdade é que eu tenho certeza de que quando terminar de escrever, o resultado não será o que eu esperaria. E isso pode ser bom ou ruim, depende do grau de observação que eu me coloco no decorrer do que escrevo. Sempre é assim. Não é agora que será diferente.
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Aqui estou, numa noite fria, escrevendo nas linhas de um caderno, com um lápis na mão aquecida (ou não) por uma luva.
Sei que isso é uma descrição desnecessária, mas eu sempre tentei e raras vezes consegui escrever alguma coisa realmente boa sentada na frente da tela do computador. Não que isso agora seja bom. Mas o fato é que estou aqui ( e isso já é desnecessário, se você me compreende...) e agora sei porquê.
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Como eu já havia dito certa vez (no meu primeiro post), eu queria que os jovens vissem a música de forma diferente. Disse que para isso estaria publicando por aqui.
Comecei com alguns artigos sobre compositores, e sobre feras (em minha opinião), como o Stradivarius e o Schoenberg. Não que eu tenha conhecimento para tal opinião (“feras”). Pelo contrário. Aí é que se encontra a questão. A idéia de poder conhecer coisas novas e importantes sobre a música (erudita) me fez tão bem que realmente me empolguei para tal, pesquisando nas coisas que tinha, e nas que eu sabia que poderia encontrar coisas legais.
Voltando ao meu primeiro post, eu havia falado que talvez não ficasse por aqui por muito tempo. Mas agora eu percebi que também deveria falar mais sobre o que sei e conheço realmente: Escrever e desenrolar melhor minha opinião sobre questões que estão mais perto de mim – e de vocês. Talvez fique meio complicado eu falar sobre o Stradivarius, se questões mais corriqueiras – e por isso, banais – estão sendo empurradas debaixo do tapete, junto com a poeira. Claro que conhecimento mais dominado sobre técnica e teoria virá com o tempo, mas todo músico jovem deveria estar à parte dessa outra visão. Ou pelo menos todo músico jovem que pretende “seguir carreira”.
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Bom; não sei quanto que esse texto terá de extensão quando for transcrito para o blog. Talvez você já esteja o lendo reduzido, ou talvez até ampliado... Apesar de eu não acreditar muito que muitas pessoas irão chegar até esse final sem sentido.
Ah! Aliás, esse é um final! Isso é um final. (Já estava na hora, não?) E bons finais terminam com Bons argumentos. Bem... Talvez não nesse caso, onde sempre procuro um sentido meio poético para as palavras, mas às vezes não o encontro. Neste momento encontrei apenas dúvida e indecisão.
Então deixarei esta dúvida de presente a vocês. Ou melhor... Nem tanto uma dúvida, mas mais um desafio:
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Assim que puderes ouvir uma música, descubra qual é o verdadeiro sentido dela existir. Ouça não só com seus sentidos, e sim com sua alma.
Assim que puderes ouvir, você me compreenderá.
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[Camille Foletto]

Prazer em conhecer!...?

2009-07-24T17:28:00.001-03:00

Peço a permissão para colaborar nesse blog... Já tinha pensado em começar de vários jeitos minha participação, e esse, sem dúvida, é um dos piores, mas como não estou inspirado, vai assim mesmo.
Meu intuito aqui é simplesmente colaborar com esse projeto que tenho realmente apreciado desses jovens músicos que admiro muito, Lucas, Camille e Lênin. Quero falar de música humildemente, não como especialista, mas como apaixonado pela arte. Porém, pretendo, antes de tudo, aprender e conhecer coisas novas enquanto estiver aqui, pois somos todos seres em uma constante construção que só termina no fim da vida. Ou não...
Só não pretendo falar de Bach. Não me atrevo a tanto! Talvez um dia eu possa ter respaldo para falar sobre o pai de todos... Por enquanto vou dar alguns “palpites furados” e, é claro, divulgar boa música.
Além de música, quero falar de poças d’água, cachorro quente, Machado de Assis (ler Machado de Assis na rua é melhor que dentro de casa... quero dizer, ler Machado é sempre tão incrível e surpreendente que não importa onde se está!), e divulgar projetos, iniciativas... enfim, o catatau de coisa boa que se produz (aliás “Catatau” é um livro genial e enlouquecedor do Paulo Leminski – o único escritor maluquinho que não se fazia de maluquinho: ele era mesmo – , que está para download no site mais perto de você – porque muitas livrarias desistiram de vender, visto que tiveram de pagar indenização aos parentes de pessoas que leram).
Mas bem... agora me apresento. Sou Gerson Tadeu Astolfi, um pequeno projeto de violinista, arranjador, “pau pra toda obra”, quem sabe compositor, quem sabe maestro, quem sabe chorão...ou tanguero, ou professor de português O_O. Estou, enquanto há tempo, tentando traçar um caminho e espero que essa experiência aqui nesse blog me ajude nisso. Aliás, tenho certeza que o fará. Fora isso, gosto muito da vida e de água correndo no morro em dia de temporal. Gosto de barulho de grilo, de ouvir música deitado no chão, de ler dicionário e de camarão. Acho que por enquanto isso serve pra me entender.
Achei essa apresentação um tanto quanto estranha. Talvez um dia eu volte pra consertá-la. Até por que nem sempre a primeira impressão é a que fica (pode ser a segunda, a terceira, enfim...). Por enquanto que fique assim, antes que eu resolva apagar tudo e desistir da idéia de postar. Ah, também gosto de música brasileira de concerto e... ta deixa pra lá. Vamos ter bastante tempo pra conversar, não é?

Um abraço tímido,
Gerson Tadeu Astolfi Vivan Filho (que foi quase Vitório, mas a mãe mudou de idéia quando nasci).

“Ao vencedor, as batatas”
Quincas Borba,
em "Quincas Borba” (Machado de Assis)

Quanto às fotos, bem.. o louco com cara de russo doido (que redundância!) é o Leminski. A outra foto era pra ser estranha mesmo... Ali temos Bartók, Machado de Assis, Jascha Heifetz, Villa-Lobos, Piazzolla, Bach e John Lennon... claro que eu esqueci de muita gente boa (Guerra-Peixe, Stravinsky, Vitor Ramil, e por aí vai.. mas como disse, vai ter tempo pra tudo, não?)

[Gerson Tadeu Astolfi Vivan Filho]